Musicians Archive - Page 28 sur 88 - Verbier Festival

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Avec des racines et une éducation couvrant le Yémen, Israël et les États-Unis, Achinoam Nini, alias Noa, est une chanteuse, auteure-compositrice, poète, compositrice, percussionniste, conférencière, activiste et mère de trois enfants.

Aux côtés de son collaborateur musical de longue date, Gil Dor, musicien accompli et co-fondateur de l’école de musique Rimon, Noa a sorti 15 albums internationaux et a illuminé de nombreuses scènes parmi les plus importantes et prestigieuses du monde, telles que Carnegie Hall et la Maison Blanche, se produisant également pour trois papes. Elle a été mentorée par Pat Metheny et Quincy Jones, et a partagé la scène avec des légendes telles que Stevie Wonder, Andrea Bocelli et Sting.

En plus de son activité musicale prolifique, Noa est considérée comme la défenseure culturelle la plus éminente d’Israël en faveur du dialogue et de la coexistence, sa « Voix de la Paix ».

Parmi ses nombreuses distinctions, citons celle de Commandeur de l’Ordre du Mérite de la République italienne, l’une des plus hautes distinctions d’Italie, le Pèlerin de la Paix de l’ordre franciscain à Assise (attribué auparavant à Bill Gates et Mère Teresa), et le Prix Cristal du Forum économique mondial. Noa est la première ambassadrice d’Israël auprès de l’Organisation des Nations Unies pour l’alimentation et l’agriculture, et elle est active en tant que membre du conseil et défenseure publique d’une multitude d’organisations des droits de l’homme et de la paix en Israël et à l’étranger.

Mezzo-soprano Kitty Whately a été très présente au Royaume-Uni depuis sa nomination en tant qu’artiste de la nouvelle génération de la BBC de 2013 à 2015. D’une polyvalence exceptionnelle, elle s’est produite dans l’opéra, la musique chorale et le lied, et son répertoire s’étend de Gilbert et Sullivan aux œuvres contemporaines. Née Catherine Whately à Londres en 1983, elle était la fille de l’acteur Kevin Whately. Elle est apparue à la télévision en tant que fille de son personnage à l’écran dans la série Auf Wiedersehen. Whately a été élevée en partie dans le nord de l’Angleterre et a fréquenté la Chetham’s School of Music à Manchester. Là-bas, elle a joué le rôle de Dorothy dans Le Magicien d’Oz. Elle a ensuite étudié à la Guildhall School of Music and Drama de Londres, puis à la Royal College of Music International School. Après avoir remporté plusieurs prix importants, elle a été admise à l’Académie du Festival de Verbier, où elle a interprété le rôle de Cherubino dans Le nozze di Figaro de Mozart. Ces succès l’ont conduite à sa nomination en tant qu’artiste de la nouvelle génération de la BBC en 2013 et à l’opportunité d’enregistrer son premier album, le récital de chansons This Other Eden, chez Champs Hill. Depuis lors, Whately est une figure familière sur les scènes d’opéra, et pas seulement au Royaume-Uni. Elle a joué le rôle d’Isabelle dans Les Hauts de Hurlevent de Bernard Herrmann à l’Opéra National de Lorraine en France. À la Royal Opera House de Londres, elle a joué le rôle de Mother/Other Mother dans la première mondiale de l’opéra Coraline de Mark-Anthony Turnage, et elle est connue pour promouvoir des œuvres contemporaines. Au Three Choirs Festival, on l’a entendue dans une nouvelle œuvre de Sally Beamish, et elle a commandé un cycle de chansons du compositeur Jonathan Dove. Whately a enregistré plusieurs autres albums chez Champs Hill, et en 2019, elle s’est jointe au baryton Roderick Williams sur The Song of Love, une collection de matériel peu connu de Ralph Vaughan Williams. Elle est restée active pendant la pandémie de COVID-19, apparaissant sur la sortie de Chandos en 2021 The Harmonious Echo: Songs of Sir Arthur Sullivan et sur The Complete Songs of Fauré, Vol. 4 de Signum Classics. En 2023, elle a publié le récital solo Befreit: A Soul Surrendered chez Chandos. Whately est co-fondatrice de l’association caritative SWAP’ra (Supporting Women and Parents in Opera).
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Ian Sullivan est l’un des timbaliers les plus en vue de sa génération. Timbalier solo de l’orchestre du New York City Ballet, il se distingue également au sein de l’Orchestre de chambre du Festival de Verbier. Très sollicité, il a collaboré avec de prestigieuses formations telles que le Metropolitan Opera, Yo-Yo Ma et le Silk Road Ensemble, Alarm Will Sound, The Knights, ou encore l’Orchestra of St. Luke’s. Il a également joué au Tanglewood Music Center et a été invité en tant que timbalier solo par des orchestres de renom comme le New York Philharmonic, le Detroit Symphony Orchestra, le Seoul Philharmonic, le Mostly Mozart Festival Orchestra, ou encore l’Orchestre philharmonique de Malaisie à Kuala Lumpur.

On a pu l’entendre dans les plus grandes salles de concert, parmi lesquelles le Carnegie Hall, le Lincoln Center, la David Geffen Hall (anciennement Avery Fisher Hall), l’Alice Tully Hall ou encore le Seiji Ozawa Hall, dans le cadre de nombreux projets orchestraux et musicaux.

Sa formation l’a mené de l’Interlochen Arts Academy à l’Université du Michigan, où il obtient un Bachelor of Music, avant de poursuivre ses études à la Juilliard School, où il décroche un Master of Music. Entre 2012 et 2014, il est membre de l’Ensemble ACJW, un programme d’excellence pour jeunes musiciens, et continue depuis à collaborer avec le Carnegie Hall en tant qu’artiste pédagogique et conseiller.

Parallèlement à sa carrière de musicien, Ian Sullivan s’investit dans la transmission et l’enseignement. Il a donné des masterclasses à la Juilliard School, à la NYU et à SUNY Purchase, et enseigne actuellement au sein des facultés de musique de l’Université Columbia et de l’Université Rutgers.

Né en 1952 en Israël, Gil a appris le piano pendant son enfance. En 1963, il a commencé à prendre des cours de guitare avec Menashe Bakish, l’un des maîtres de la guitare classique les plus éminents d’Israël. En 1974, après trois années de service obligatoire dans l’unité de divertissement du commandement central des Forces de défense israéliennes, Gil a épousé Neta Adan* et ils ont déménagé ensemble aux États-Unis, où il a étudié au Berklee College de Boston, puis au Queens College de New York.

De retour en Israël en 1981, Gil s’est établi en tant que guitariste de session professionnel ainsi que compositeur et arrangeur. Il a enregistré et joué avec des artistes de premier plan tels que Shalom Chanoch (White Wedding), Gidi Gov (40:06), Chava Alberstein (Voices & Stardust) et Arik Einstein (Made in Israel). Au cours des années 1983 et 1984, il a enseigné l’improvisation jazz et la guitare à l’Académie de musique de Jérusalem.

En 1985, Gil a cofondé l’école de jazz et de musique contemporaine « Rimon » à Ramat Hasharon, dont il a été le directeur académique. Il a développé et rédigé de nombreux programmes de base ainsi que des cours avancés. Gil a également cofondé le programme « musique assistée par ordinateur » de l’école.

Pendant les cinq années suivantes, il a participé à des festivals de jazz en présentant différents projets originaux et en collaborant avec divers artistes, dont Al Di Meola lors de ses tournées européennes en 88-89.

En 1990, Gil a commencé une collaboration artistique, accompagnant, arrangant, produisant et co-écrivant avec Achinoam Nini, alias Noa. Leur partenariat dure depuis trois décennies, où ils se sont produits, ont créé et ont tourné à l’échelle internationale.

Veniamine Borissovitch Smekhov, né le 10 août 1940 à Moscou, est un acteur, metteur en scène, écrivain, documentariste et animateur de télévision russe.

En 1957, il est admis dans la classe de Vladimir Etouch de l’Institut d’art dramatique Boris Chtchoukine. Diplômé en 1961, sa carrière commence au Théâtre dramatique de Samara. L’année suivante, il est pris dans la troupe de Théâtre dramatique et comique de Moscou qui en 1964 deviendra le Théâtre de la Taganka sous la direction de Iouri Lioubimov. En 1985, après que Lioubimov soit déchu de sa citoyenneté soviétique à la suite de l’interview accordée au Times en 1984 et remplacé à son poste par Anatoli Efros, Smekhov quitte ce théâtre pour le Théâtre Sovremennik, il reviendra en 1987.

Sa carrière cinématographique commence en 1968, mais la vraie popularité lui vient avec le rôle d’Athos dans D’Artagnan et les Trois Mousquetaires de Gueorgui Jungwald-Khilkevitch.

Acclamée comme « révélation » (New York Times) avec une « virtuosité époustouflante » (The Observer), Ksenija Sidorova est la principale ambassadrice de l’accordéon classique. Artiste unique et charismatique, Ksenija est passionnée par la démonstration des vastes possibilités de son instrument. Son répertoire s’étend de Bach à Piazzolla, d’Efrem Podgaits et Václav Trojan à Erkki-Sven Tüür et George Bizet, ainsi que de nouveaux concertos pour accordéon composés spécialement pour elle, et une multitude de projets de musique de chambre.

Pour la saison 2020/21, Ksenija se produira, entre autres, avec la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen (Paavo Järvi), l’Orchestre national de Belgique (Aziz Shokhakimov), en tournée en France avec l’Orchestre National d’Île-de-France (Mihhail Gerts), et en tournée européenne avec le Münchener Kammerorchester et MILOŠ pour célébrer le centenaire de Piazzolla. Elle poursuivra sa collaboration avec des collègues artistiques, en tournée avec Avi Avital pour des apparitions au Wigmore Hall et au Bodensee Festival, et avec Camille Thomas pour une performance au KKL de Lucerne. Ksenija donnera également un récital en solo à Carnegie Hall, Princeton et à la Bibliothèque du Congrès à Washington.

Ksenija travaille avec de grands orchestres, notamment le NDR Elbphilharmonie Orchester, l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg, le MDR Sinfonieorchester [Leipzig], les Stuttgarter Philharmoniker, le Kammerorchester des Bayerischen Rudfunks, l’Atlanta Symphony, le Tonhalle Orchester-Zurich, l’Orchestre symphonique NHK de Tokyo et le Hong Kong Philharmonic Orchestra, sous la direction de prestigieux chefs tels que Paavo Järvi, Thomas Hengelbrock, Vasily Petrenko, Kristjan Järvi, Michał Nesterowicz et Jan Willem de Vriend.

Elle collabore régulièrement avec Avi Avital, Nemanja Radulovic, Andreas Ottensamer, Miloš Karadaglić, Camille Thomas, Leticia Moreno, le Goldmund Quartet, Tine Thing Helseth, le DJ brésilien Gui Borratto, Juan Diego Flórez, Nicola Benedetti et Joseph Calleja. Ksenija se produit souvent aux festivals de Ravinia, Cheltenham, Mostly Mozart, Schleswig-Holstein, Gstaad Menuhin, Verbier et Rheingau.

Ksenija sortira son prochain album en 2021, succédant à ses précédents succès : Classical Accordion (Champs Hill Records, 2011) ; Fairy Tales (Champs Hill Records, 2013) enregistré avec l’Orchestre national de Galles/Clark Rundel ; et Carmen (Deutsche Grammophon, 2016) — une nouvelle interprétation de la partition — enregistré avec le groupe Nuevo Mundo et l’Orchestre philharmonique de Borusan Istanbul/Sascha Goetzel. Pour ce dernier, Ksenija a remporté le prix ECHO du meilleur instrumentiste de l’année en 2017.

Encouragée à jouer de l’accordéon par sa grand-mère, imprégnée de la tradition folklorique de jeu de l’accordéon, Ksenija a commencé à jouer de l’instrument à l’âge de six ans sous la direction de Marija Gasele dans sa ville natale de Riga. Sa quête d’une plus grande exposition au répertoire classique et contemporain l’a conduite à Londres, où elle est devenue une étudiante de premier cycle et de troisième cycle récompensée à la Royal Academy of Music sous la direction d’Owen Murray.

En mai 2012, elle est devenue la première lauréate internationale de la Bryn Terfel Foundation, et en octobre 2015, elle est apparue au Royal Albert Hall dans le cadre des célébrations du 50e anniversaire de Bryn Terfel aux côtés de Sting. Elle est lauréate de la bourse musicale Martin de l’Orchestre Philharmonique et du prix Friends of the Philharmonia, ainsi que de la médaille d’argent de la Worshipful Company of Musicians. Depuis 2016, Ksenija est associée de la Royal Academy of Music.

Depuis son déménagement du Canada en Allemagne, Shawn a joué avec de nombreux orchestres professionnels et ensembles de musique de chambre, divers groupes de musique contemporaine et de jazz, tout en dirigeant ses propres projets musicaux, accumulant ainsi des expériences musicales précieuses.

Jusqu’à récemment, il occupait le poste de professeur pour les big bands et les combos à la Hochschule für Musik de Detmold, en Allemagne. Lors de voyages étendus avec sa famille en 2021/22, il a ressenti l’émergence d’un fort désir de faire un pas clair vers la réalisation de ses propres objectifs artistiques, par opposition aux objectifs des autres. À ce moment-là, il a renoncé à son poste d’enseignement et il a commencé à suivre un nouveau chemin dans l’improvisation et l’expérimentation.

Il a toujours ressenti un grand confort en jouant du jazz et de la musique improvisée, et il a toujours admiré les musiciens qui ont suivi leur propre voix intérieure. Maintenant, il choisit de suivre sa propre intuition et, ce faisant, il a hâte de rencontrer de nouveaux amis musicaux et de nouveaux amis de la musique.

Shawn est un artiste Conn-Selmer et joue sur les trombones Vincent Bach 12 (1963 Mt. Vernon), Conn 88H et Conn 72H.

La recherche constante de nouvelles approches musicales de Magnus Lindgren, associée à un talent extraordinaire, lui a valu une place de choix dans la sphère musicale suédoise, admirée et respectée à l’échelle mondiale.

Lauréat de plusieurs prix tels que Grammis, Swedish Radio Award pour l’album de jazz suédois de l’année, Orkesterjournal Gold Record, etc. et le dernier en date, la 65e édition des GRAMMY Awards ® en février 2023, Magnus Lindgren, avec John Beasly & The SWR Big Band, a remporté le GRAMMY® du meilleur arrangement, instrumental ou a cappella, pour « Scrapple From The Apple », extrait de l’album Bird Lives.

La capacité de Magnus Lindgren à s’exprimer au saxophone ténor, à la clarinette ou à la flûte est digne d’un véritable maître. En tant que compositeur, il dispose d’un immense potentiel pour matérialiser ses inspirations artistiques. Il enveloppe ses performances d’une mélodie qui s’intègre parfaitement dans l’environnement stylistique dont il dispose à ce moment-là.

Mais là où Magnus Lindgren brille le plus, c’est peut-être dans les sentiments qu’il éprouve lorsqu’il arrange la musique. La beauté réside dans la façon dont il assemble les timbres, les figures rythmiques et les séquences harmoniques.

Magnus Lindgren cherche sans cesse à étendre son horizon musical, explorant diverses combinaisons telles que le jazz, les big bands, les chœurs avec des solistes instrumentaux, l’intégration d’orchestres classiques et d’ensembles de jazz, le folklore suédois, les rythmes funk, la samba brésilienne et la musique africaine traditionnelle. Sous l’oreille attentive de Magnus Lindgren, les structures et les genres musicaux prennent toujours de nouvelles dimensions.

Enracinées dans le post-bebop du jazz moderne, les influences de Magnus Lindgren proviennent du monde entier, ce qui transparaît dans ses compositions sur plusieurs décennies. La plupart de ses œuvres sont interprétées par le groupe, souvent accompagnées de reprises du jazz moderne. Le groupe combine un désir de groove à une énergie vive, tout en favorisant une interaction minimaliste, mais néanmoins captivante et ludique.

« La musique improvisée est un pont entre les gens. Grâce à la musique, nous nous pouvons échanger avec les gens dans un langage universel où les différences disparaissent et où nous nous retrouvons tous ensemble. Les big bands dans le jazz sont semblables aux orchestres symphoniques dans la musique classique. Cette tradition de combiner les grands ensembles et l’improvisation est ce que je trouve le plus inspirant dans la musique. Cette inspiration m’a conduit à collaborer avec des musiciens d’autres horizons, qui peuvent avoir des préférences différentes des miennes ». Magnus Lindgren.

Alors qu’il entre dans sa 33e année de carrière professionnelle, Magnus Lindgren s’engage à explorer davantage la scène internationale, aspirant à multiplier les collaborations et à repousser ses propres limites.

Le contrebassiste Brendan Kane s’est produit de manière intensive en Amérique du Nord et du Sud, en Europe, en Asie, au Moyen-Orient et en Australie. Il a été contrebasse solo de l’Orchestre philharmonique d’Israël, nommé et titularisé par son directeur musical Lahav Shani. Avant de rejoindre l’IPO, il a été membre du MET Orchestra pendant neuf saisons, sous la direction de James Levine puis de Yannick Nézet-Séguin. Auparavant, Brendan Kane a occupé les postes de contrebasse solo de l’Orquestra Filarmônica de Minas Gerais au Brésil, de contrebasse solo associée du Vancouver Symphony au Canada, et a été invité comme contrebasse solo du Hong Kong Philharmonic à l’invitation d’Edo de Waart.

Depuis quinze ans, il parcourt le monde en tant que contrebasse solo du Verbier Festival Chamber Orchestra (VFCO) sous la direction de son directeur musical Gábor Takács-Nagy, avec notamment des résidences annuelles au Verbier Festival et au Schloss Elmau en Bavière. Par ailleurs, Brendan Kane est régulièrement invité par l’Orchestre du Festival de Budapest à l’initiative du maestro Iván Fischer et s’est produit pendant dix ans chaque mois de janvier au St. Barths Music Festival, dans les Caraïbes. Installé aujourd’hui en Europe, il est rapidement devenu un musicien très recherché comme contrebasse solo invité, chambriste et pédagogue. Il se produit fréquemment comme contrebasse solo invité avec des orchestres tels que le Royal Concertgebouw Orchestra d’Amsterdam, l’Orchestre de Paris, l’Orchestre philharmonique d’Oslo, le Netherlands Radio Orkest, l’Orchestre de la Suisse Romande, l’Orchestre philharmonique de Rotterdam ou encore le Singapore Symphony. Il a également joué au sein des pupitres de contrebasses du Boston Symphony, du Chicago Symphony, du Detroit Symphony, du National Arts Centre Orchestra d’Ottawa, du New York Philharmonic, de l’Orpheus Chamber Orchestra, du Philharmonia Orchestra de Londres, du Pittsburgh Symphony et du St. Paul Chamber Orchestra. Chambriste actif, Brendan Kane s’est produit avec la Chamber Music Society of Lincoln Center, le MET Orchestra Chamber Ensemble au Carnegie Hall, ainsi qu’aux festivals de Verbier, Shenzen et Tsinandali, au Schloss Elmau, lors de tournées en Corée du Sud avec les International Sejong Soloists, dans la série de musique de chambre de l’Orchestre philharmonique d’Israël à Tel Aviv, et dans de nombreux autres festivals des deux côtés de l’Atlantique, aux côtés de musiciens tels que Pinchas Zukerman, Maxim Vengerov, Leonidas Kavakos, Tabea Zimmerman, Mischa Maisky ou Sir András Schiff.

Durant ses études, il a été contrebasse solo du New York String Orchestra Seminar au Carnegie Hall et du Verbier Festival Orchestra. Il a également été fellow au Tanglewood Music Center et au New World Symphony à Miami Beach, où il est revenu à plusieurs reprises comme professeur invité pour encadrer et jouer avec les fellows à l’invitation de Michael Tilson Thomas. Pédagogue passionné, Brendan Kane a été coach des contrebasses du Verbier Festival Junior Orchestra et occupe actuellement le poste de coach des contrebasses du Pan-Caucasian Youth Orchestra (PCYO) au Tsinandali Festival en Géorgie, en collaboration avec le directeur musical Gianandrea Noseda. Il est régulièrement invité à donner des masterclasses et des conférences dans le monde entier, notamment à la Juilliard School, à la Manhattan School of Music, à la Colburn School de Los Angeles, au Conservatoire d’Amsterdam, au National Centre for the Performing Arts de Pékin, à l’Université de Tel Aviv, au Jerusalem Music Center, à la Mehli Mehta Music Foundation à Mumbai ou encore à l’Université d’État du Minas Gerais au Brésil. Parmi ses professeurs figurent Tim Cobb, Don Palma, Brian Liddle, Leigh Mesh et Jim Orleans. Brendan Kane est diplômé avec mention du New England Conservatory et de la Juilliard School.