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Né en 1952 en Israël, Gil a appris le piano pendant son enfance. En 1963, il a commencé à prendre des cours de guitare avec Menashe Bakish, l’un des maîtres de la guitare classique les plus éminents d’Israël. En 1974, après trois années de service obligatoire dans l’unité de divertissement du commandement central des Forces de défense israéliennes, Gil a épousé Neta Adan* et ils ont déménagé ensemble aux États-Unis, où il a étudié au Berklee College de Boston, puis au Queens College de New York.
De retour en Israël en 1981, Gil s’est établi en tant que guitariste de session professionnel ainsi que compositeur et arrangeur. Il a enregistré et joué avec des artistes de premier plan tels que Shalom Chanoch (White Wedding), Gidi Gov (40:06), Chava Alberstein (Voices & Stardust) et Arik Einstein (Made in Israel). Au cours des années 1983 et 1984, il a enseigné l’improvisation jazz et la guitare à l’Académie de musique de Jérusalem.
En 1985, Gil a cofondé l’école de jazz et de musique contemporaine « Rimon » à Ramat Hasharon, dont il a été le directeur académique. Il a développé et rédigé de nombreux programmes de base ainsi que des cours avancés. Gil a également cofondé le programme « musique assistée par ordinateur » de l’école.
Pendant les cinq années suivantes, il a participé à des festivals de jazz en présentant différents projets originaux et en collaborant avec divers artistes, dont Al Di Meola lors de ses tournées européennes en 88-89.
En 1990, Gil a commencé une collaboration artistique, accompagnant, arrangant, produisant et co-écrivant avec Achinoam Nini, alias Noa. Leur partenariat dure depuis trois décennies, où ils se sont produits, ont créé et ont tourné à l’échelle internationale.
Veniamine Borissovitch Smekhov, né le 10 août 1940 à Moscou, est un acteur, metteur en scène, écrivain, documentariste et animateur de télévision russe.
En 1957, il est admis dans la classe de Vladimir Etouch de l’Institut d’art dramatique Boris Chtchoukine. Diplômé en 1961, sa carrière commence au Théâtre dramatique de Samara. L’année suivante, il est pris dans la troupe de Théâtre dramatique et comique de Moscou qui en 1964 deviendra le Théâtre de la Taganka sous la direction de Iouri Lioubimov. En 1985, après que Lioubimov soit déchu de sa citoyenneté soviétique à la suite de l’interview accordée au Times en 1984 et remplacé à son poste par Anatoli Efros, Smekhov quitte ce théâtre pour le Théâtre Sovremennik, il reviendra en 1987.
Sa carrière cinématographique commence en 1968, mais la vraie popularité lui vient avec le rôle d’Athos dans D’Artagnan et les Trois Mousquetaires de Gueorgui Jungwald-Khilkevitch.
Acclamée comme « révélation » (New York Times) avec une « virtuosité époustouflante » (The Observer), Ksenija Sidorova est la principale ambassadrice de l’accordéon classique. Artiste unique et charismatique, Ksenija est passionnée par la démonstration des vastes possibilités de son instrument. Son répertoire s’étend de Bach à Piazzolla, d’Efrem Podgaits et Václav Trojan à Erkki-Sven Tüür et George Bizet, ainsi que de nouveaux concertos pour accordéon composés spécialement pour elle, et une multitude de projets de musique de chambre.
Pour la saison 2020/21, Ksenija se produira, entre autres, avec la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen (Paavo Järvi), l’Orchestre national de Belgique (Aziz Shokhakimov), en tournée en France avec l’Orchestre National d’Île-de-France (Mihhail Gerts), et en tournée européenne avec le Münchener Kammerorchester et MILOŠ pour célébrer le centenaire de Piazzolla. Elle poursuivra sa collaboration avec des collègues artistiques, en tournée avec Avi Avital pour des apparitions au Wigmore Hall et au Bodensee Festival, et avec Camille Thomas pour une performance au KKL de Lucerne. Ksenija donnera également un récital en solo à Carnegie Hall, Princeton et à la Bibliothèque du Congrès à Washington.
Ksenija travaille avec de grands orchestres, notamment le NDR Elbphilharmonie Orchester, l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg, le MDR Sinfonieorchester [Leipzig], les Stuttgarter Philharmoniker, le Kammerorchester des Bayerischen Rudfunks, l’Atlanta Symphony, le Tonhalle Orchester-Zurich, l’Orchestre symphonique NHK de Tokyo et le Hong Kong Philharmonic Orchestra, sous la direction de prestigieux chefs tels que Paavo Järvi, Thomas Hengelbrock, Vasily Petrenko, Kristjan Järvi, Michał Nesterowicz et Jan Willem de Vriend.
Elle collabore régulièrement avec Avi Avital, Nemanja Radulovic, Andreas Ottensamer, Miloš Karadaglić, Camille Thomas, Leticia Moreno, le Goldmund Quartet, Tine Thing Helseth, le DJ brésilien Gui Borratto, Juan Diego Flórez, Nicola Benedetti et Joseph Calleja. Ksenija se produit souvent aux festivals de Ravinia, Cheltenham, Mostly Mozart, Schleswig-Holstein, Gstaad Menuhin, Verbier et Rheingau.
Ksenija sortira son prochain album en 2021, succédant à ses précédents succès : Classical Accordion (Champs Hill Records, 2011) ; Fairy Tales (Champs Hill Records, 2013) enregistré avec l’Orchestre national de Galles/Clark Rundel ; et Carmen (Deutsche Grammophon, 2016) — une nouvelle interprétation de la partition — enregistré avec le groupe Nuevo Mundo et l’Orchestre philharmonique de Borusan Istanbul/Sascha Goetzel. Pour ce dernier, Ksenija a remporté le prix ECHO du meilleur instrumentiste de l’année en 2017.
Encouragée à jouer de l’accordéon par sa grand-mère, imprégnée de la tradition folklorique de jeu de l’accordéon, Ksenija a commencé à jouer de l’instrument à l’âge de six ans sous la direction de Marija Gasele dans sa ville natale de Riga. Sa quête d’une plus grande exposition au répertoire classique et contemporain l’a conduite à Londres, où elle est devenue une étudiante de premier cycle et de troisième cycle récompensée à la Royal Academy of Music sous la direction d’Owen Murray.
En mai 2012, elle est devenue la première lauréate internationale de la Bryn Terfel Foundation, et en octobre 2015, elle est apparue au Royal Albert Hall dans le cadre des célébrations du 50e anniversaire de Bryn Terfel aux côtés de Sting. Elle est lauréate de la bourse musicale Martin de l’Orchestre Philharmonique et du prix Friends of the Philharmonia, ainsi que de la médaille d’argent de la Worshipful Company of Musicians. Depuis 2016, Ksenija est associée de la Royal Academy of Music.
Depuis son déménagement du Canada en Allemagne, Shawn a joué avec de nombreux orchestres professionnels et ensembles de musique de chambre, divers groupes de musique contemporaine et de jazz, tout en dirigeant ses propres projets musicaux, accumulant ainsi des expériences musicales précieuses.
Jusqu’à récemment, il occupait le poste de professeur pour les big bands et les combos à la Hochschule für Musik de Detmold, en Allemagne. Lors de voyages étendus avec sa famille en 2021/22, il a ressenti l’émergence d’un fort désir de faire un pas clair vers la réalisation de ses propres objectifs artistiques, par opposition aux objectifs des autres. À ce moment-là, il a renoncé à son poste d’enseignement et il a commencé à suivre un nouveau chemin dans l’improvisation et l’expérimentation.
Il a toujours ressenti un grand confort en jouant du jazz et de la musique improvisée, et il a toujours admiré les musiciens qui ont suivi leur propre voix intérieure. Maintenant, il choisit de suivre sa propre intuition et, ce faisant, il a hâte de rencontrer de nouveaux amis musicaux et de nouveaux amis de la musique.
Shawn est un artiste Conn-Selmer et joue sur les trombones Vincent Bach 12 (1963 Mt. Vernon), Conn 88H et Conn 72H.
La recherche constante de nouvelles approches musicales de Magnus Lindgren, associée à un talent extraordinaire, lui a valu une place de choix dans la sphère musicale suédoise, admirée et respectée à l’échelle mondiale.
Lauréat de plusieurs prix tels que Grammis, Swedish Radio Award pour l’album de jazz suédois de l’année, Orkesterjournal Gold Record, etc. et le dernier en date, la 65e édition des GRAMMY Awards ® en février 2023, Magnus Lindgren, avec John Beasly & The SWR Big Band, a remporté le GRAMMY® du meilleur arrangement, instrumental ou a cappella, pour « Scrapple From The Apple », extrait de l’album Bird Lives.
La capacité de Magnus Lindgren à s’exprimer au saxophone ténor, à la clarinette ou à la flûte est digne d’un véritable maître. En tant que compositeur, il dispose d’un immense potentiel pour matérialiser ses inspirations artistiques. Il enveloppe ses performances d’une mélodie qui s’intègre parfaitement dans l’environnement stylistique dont il dispose à ce moment-là.
Mais là où Magnus Lindgren brille le plus, c’est peut-être dans les sentiments qu’il éprouve lorsqu’il arrange la musique. La beauté réside dans la façon dont il assemble les timbres, les figures rythmiques et les séquences harmoniques.
Magnus Lindgren cherche sans cesse à étendre son horizon musical, explorant diverses combinaisons telles que le jazz, les big bands, les chœurs avec des solistes instrumentaux, l’intégration d’orchestres classiques et d’ensembles de jazz, le folklore suédois, les rythmes funk, la samba brésilienne et la musique africaine traditionnelle. Sous l’oreille attentive de Magnus Lindgren, les structures et les genres musicaux prennent toujours de nouvelles dimensions.
Enracinées dans le post-bebop du jazz moderne, les influences de Magnus Lindgren proviennent du monde entier, ce qui transparaît dans ses compositions sur plusieurs décennies. La plupart de ses œuvres sont interprétées par le groupe, souvent accompagnées de reprises du jazz moderne. Le groupe combine un désir de groove à une énergie vive, tout en favorisant une interaction minimaliste, mais néanmoins captivante et ludique.
« La musique improvisée est un pont entre les gens. Grâce à la musique, nous nous pouvons échanger avec les gens dans un langage universel où les différences disparaissent et où nous nous retrouvons tous ensemble. Les big bands dans le jazz sont semblables aux orchestres symphoniques dans la musique classique. Cette tradition de combiner les grands ensembles et l’improvisation est ce que je trouve le plus inspirant dans la musique. Cette inspiration m’a conduit à collaborer avec des musiciens d’autres horizons, qui peuvent avoir des préférences différentes des miennes ». Magnus Lindgren.
Alors qu’il entre dans sa 33e année de carrière professionnelle, Magnus Lindgren s’engage à explorer davantage la scène internationale, aspirant à multiplier les collaborations et à repousser ses propres limites.
Le contrebassiste Brendan Kane s’est produit de manière intensive en Amérique du Nord et du Sud, en Europe, en Asie, au Moyen-Orient et en Australie. Il a été contrebasse solo de l’Orchestre philharmonique d’Israël, nommé et titularisé par son directeur musical Lahav Shani. Avant de rejoindre l’IPO, il a été membre du MET Orchestra pendant neuf saisons, sous la direction de James Levine puis de Yannick Nézet-Séguin. Auparavant, Brendan Kane a occupé les postes de contrebasse solo de l’Orquestra Filarmônica de Minas Gerais au Brésil, de contrebasse solo associée du Vancouver Symphony au Canada, et a été invité comme contrebasse solo du Hong Kong Philharmonic à l’invitation d’Edo de Waart.
Depuis quinze ans, il parcourt le monde en tant que contrebasse solo du Verbier Festival Chamber Orchestra (VFCO) sous la direction de son directeur musical Gábor Takács-Nagy, avec notamment des résidences annuelles au Verbier Festival et au Schloss Elmau en Bavière. Par ailleurs, Brendan Kane est régulièrement invité par l’Orchestre du Festival de Budapest à l’initiative du maestro Iván Fischer et s’est produit pendant dix ans chaque mois de janvier au St. Barths Music Festival, dans les Caraïbes. Installé aujourd’hui en Europe, il est rapidement devenu un musicien très recherché comme contrebasse solo invité, chambriste et pédagogue. Il se produit fréquemment comme contrebasse solo invité avec des orchestres tels que le Royal Concertgebouw Orchestra d’Amsterdam, l’Orchestre de Paris, l’Orchestre philharmonique d’Oslo, le Netherlands Radio Orkest, l’Orchestre de la Suisse Romande, l’Orchestre philharmonique de Rotterdam ou encore le Singapore Symphony. Il a également joué au sein des pupitres de contrebasses du Boston Symphony, du Chicago Symphony, du Detroit Symphony, du National Arts Centre Orchestra d’Ottawa, du New York Philharmonic, de l’Orpheus Chamber Orchestra, du Philharmonia Orchestra de Londres, du Pittsburgh Symphony et du St. Paul Chamber Orchestra. Chambriste actif, Brendan Kane s’est produit avec la Chamber Music Society of Lincoln Center, le MET Orchestra Chamber Ensemble au Carnegie Hall, ainsi qu’aux festivals de Verbier, Shenzen et Tsinandali, au Schloss Elmau, lors de tournées en Corée du Sud avec les International Sejong Soloists, dans la série de musique de chambre de l’Orchestre philharmonique d’Israël à Tel Aviv, et dans de nombreux autres festivals des deux côtés de l’Atlantique, aux côtés de musiciens tels que Pinchas Zukerman, Maxim Vengerov, Leonidas Kavakos, Tabea Zimmerman, Mischa Maisky ou Sir András Schiff.
Durant ses études, il a été contrebasse solo du New York String Orchestra Seminar au Carnegie Hall et du Verbier Festival Orchestra. Il a également été fellow au Tanglewood Music Center et au New World Symphony à Miami Beach, où il est revenu à plusieurs reprises comme professeur invité pour encadrer et jouer avec les fellows à l’invitation de Michael Tilson Thomas. Pédagogue passionné, Brendan Kane a été coach des contrebasses du Verbier Festival Junior Orchestra et occupe actuellement le poste de coach des contrebasses du Pan-Caucasian Youth Orchestra (PCYO) au Tsinandali Festival en Géorgie, en collaboration avec le directeur musical Gianandrea Noseda. Il est régulièrement invité à donner des masterclasses et des conférences dans le monde entier, notamment à la Juilliard School, à la Manhattan School of Music, à la Colburn School de Los Angeles, au Conservatoire d’Amsterdam, au National Centre for the Performing Arts de Pékin, à l’Université de Tel Aviv, au Jerusalem Music Center, à la Mehli Mehta Music Foundation à Mumbai ou encore à l’Université d’État du Minas Gerais au Brésil. Parmi ses professeurs figurent Tim Cobb, Don Palma, Brian Liddle, Leigh Mesh et Jim Orleans. Brendan Kane est diplômé avec mention du New England Conservatory et de la Juilliard School.
Le magazine Time l’a qualifiée de « diva de premier plan en Afrique » et l’a citée parmi les 100 personnes les plus influentes au monde pour l’année 2021. La BBC l’a incluse dans sa liste des 50 figures les plus emblématiques du continent, et en 2011, The Guardian l’a répertoriée parmi les 100 femmes les plus inspirantes au monde. Forbes Magazine a classé Angelique comme la première femme dans sa liste des célébrités les plus puissantes en Afrique. Elle est récemment lauréate du prestigieux Crystal Award 2015 décerné par le Forum économique mondial à Davos, en Suisse, du prix Ambassadeur de Conscience d’Amnesty International en 2016, du prix allemand de la durabilité en 2018, du Prix Vilcek en Musique 2023, et du Prix de Musique Polaire 2023.
En tant qu’artiste, sa voix impressionnante, sa présence sur scène et sa maîtrise de plusieurs cultures et langues lui ont valu le respect de ses pairs et ont élargi son public au-delà des frontières nationales. Kidjo a croisé les traditions d’Afrique de l’Ouest de son enfance au Bénin avec des éléments de R&B américain, de funk et de jazz, ainsi que des influences d’Europe et d’Amérique latine.
Dotée d’un répertoire allant du baroque au contemporain, incluant l’opéra, le Lied et l’oratorio, la jeune mezzo-soprano suédoise Rebecka Wallroth attire une attention internationale croissante.
Rebecka a commencé la saison au Théâtre National de Prague, incarnant Idamante dans la nouvelle production d’Idomeneo mise en scène par Calixto Bieito. À partir de la saison 2025/26, elle rejoint l’ensemble des solistes de la Staatsoper de Berlin, où elle interprétera notamment Stéphano (Roméo et Juliette), Der Komponist (Ariadne auf Naxos), Meg Page (Falstaff) et Carlotta (Die schweigsame Frau). À l’été 2026, Rebecka fera son retour au Verbier Festival dans le rôle de Dorabella au sein d’une distribution prestigieuse de Così fan tutte.
Au cours des saisons 2023/24 et 2024/25, elle a été membre du Studio international de l’Opéra de Berlin (Unter den Linden), où elle a interprété de nombreux rôles : Kate Pinkerton dans Madama Butterfly, Mercedes dans Carmen, Carlotta dans Die schweigsame Frau, une femme crétoise dans Idomeneo, la seconde nymphe des bois dans Rusalka, la seconde servante de Dircé dans Médée de Cherubini, la bergère et la vieille femme dans Jenůfa, ainsi que Cherubino dans Le nozze di Figaro.
Rebecka a fait ses débuts au Verbier Festival en 2024, interprétant Cherubino dans une version de concert de Le nozze di Figaro dirigée par Gábor Takács-Nagy. Ces dernières années, elle s’est produite avec plusieurs grands orchestres : Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia dans Scenes from Goethe’s Faust de Schumann (dir. Harding) ; Swedish Radio Symphony Orchestra dans Faust et Hélène de Boulanger (dir. Harding), leurs concerts traditionnels de la Twelfth Night (dir. Rooke) et concerts de Noël ; Danish National Symphony Orchestra dans la Passion selon Saint Matthieu de Sørensen (dir. Morlot) ; et Royal Stockholm Philharmonic Orchestra dans Seven Songs d’Alma Mahler (dir. Tjeknavorian). Elle a également interprété Poème de l’amour et de la mer de Chausson avec le Norrköping Symphony Orchestra (dir. Steffens) et a fait ses débuts au Wigmore Hall de Londres avec The Mozartists (dir. Page), dans Arias for Rauzzini.
Rebecka Wallroth a étudié à l’Universität für Musik und darstellende Kunst de Vienne (MDW), où elle a interprété Olga dans Eugene Onegin, Idamante dans Idomeneo, Unulfo dans Rodelinda de Händel, et Agnes dans Die verkaufte Braut au Schlosstheater Schönbrunn.
En 2023, elle a créé le rôle de Lilly dans la première mondiale de The Ghost Factory de Daniel Nelson à l’Académie de Vadstena en Suède.
Baryton-basse originaire de la Vénétie, il a commencé à étudier le chant lyrique sous la direction de la soprano de lieder Argit Butzke ; il se spécialise actuellement avec le professeur américain Sherman Lowe.
En 2013, il a remporté le premier prix du XVIe concours international Giovan Battista Velluti et le prix du jury populaire absolu.
Il est finaliste du concours international O.M.E.G.A. de Florence et du concours Iris Adami Corradetti. Il a remporté le troisième prix au concours d’opéra Magda Oliviero et au concours Franco Federici à Parme. L’année suivante, toujours à Parme, il remporte le deuxième prix du concours international d’opéra Rinaldo Pelizzoni, ainsi que le prix d’appréciation du jury populaire.
À Trévise, il remporte le premier prix du concours international « Giovani Musicisti » et le premier prix du concours « Premio Contea ». Il est diplômé de la faculté de lettres et de philosophie de l’université Ca’ Foscari de Venise. En 2014, il a remporté le « Concorso Comunità Europea » à Spoleto – le plus jeune lauréat de ces dernières années – et a fait ses débuts dans le rôle de Schaunard dans La bohème de G. Puccini. La même année, il remporte le concours « Premio Etta Limiti » à Milan, où il reçoit également le prix « Jeune talent masculin ».
En 2016, il a remporté le premier prix du Concorso Internazionale di CantoLirico « Mauro Pagano » – Canneto sull’Oglio (MN) et le prestigieux concours As.Li.Co pour le rôle de Guglielmo dans Così fan tutte. Au cours de l’année 2016/2017, il a été étudiant à l’Accademia di Alto Perfezionamento dell’Opera à Florence, sous la direction du Maestro Gianni Tangucci.
En janvier 2018, il a remporté le prix Mercedes Viñas, lors du concours Tenor Viñas à Barcelone et ses engagements récents et futurs comprennent : Acquagranda au Teatro LaFenice, Il barbiere di Siviglia, Don Carlo et La Traviata au Maggio Musicale Fiorentino, Rigoletto au Filarmonico de Vérone et au Petruzzelli de Bari, La Bohème en tournée japonaise au Sperimentale de Spoleto et au Regio de Turin, La fanciulla del West au San Carlo, Edipo re (Leoncavallo) au Verdi de Pise, Le songe d’une nuit d’été au Wexford Festival, Il barbiere di Siviglia au Massimo de Palerme et à l’Opéra de Paris, La Bohème à Turin et au Festival Puccini de Torre del Lago, Carmen à Palerme, Macerata et Escamillo à Valladolid, Ariadne auf Naxos à Bologne, La Cenerentola à Salerne, Don Giovanni au Deutsche Oper Berlin à Macerata, Naples et au Festival d’Aix-en-Provence, Rinaldo à Venise, Le nozze di Figaro à Sydney, Moscou et au Komische Oper de Berlin, Così fan tutte en tournée avec le Kammermorchester Basel à Paris et Hambourg.
Le violoncelliste sud-africain Abel Selaocoe redéfinit les paramètres du violoncelle. Il passe avec aisance d’une pléthore de genres et de styles à l’autre, depuis les collaborations avec des musiciens du monde et des beatboxers jusqu’aux concerts et aux récitals classiques en solo. Abel associe la virtuosité à l’improvisation, au chant et aux percussions corporelles. Il s’intéresse tout particulièrement à l’élaboration de programmes de récitals qui mettent en évidence les liens entre les traditions musicales occidentales et non occidentales, afin d’aider la musique classique à atteindre un public plus diversifié.
En 2016, Abel a formé Chesaba – un trio spécialisé dans la musique du continent africain, y compris un grand nombre de ses propres compositions. Il collabore étroitement avec des musiciens de différents genres, notamment Bernhard Schimpelsberger, Tim Garland, Seckou Keita, Giovanni Sollima, Famoudou Don Moye et Gwilym Simcock. Il entretient un partenariat étroit avec Manchester Collective, avec qui il a conçu le programme Sirocco, qui connaît un énorme succès et qui est apprécié en direct et en numérique par le public depuis 2019. En 2020/21, Abel s’est produit aux festivals de Kings Place, Norfolk & Norwich et Ryedale, et a joué avec des ensembles tels que le BBC Concert Orchestra au EFG London Jazz Festival, Manchester Collective et Britten Sinfonia.
Abel a fait ses débuts en solo aux BBC Proms en août 2021, en organisant un programme avec l’Orchestre national du Pays de Galles, Chesaba et l’Ensemble Gnawa. Parmi les autres temps forts de la saison 2021/22 figurent une tournée avec Manchester Collective et Chesaba pour leur nouvelle collaboration, The Oracle ; des débuts avec le St Paul Chamber Orchestra et à Stanford Live ; et des représentations en solo et avec Chesaba à travers le Royaume-Uni et l’Europe.
Abel Selaocoe est un artiste exclusif de Warner Classics et son premier album, Where is Home ? (Hae Ke Kae), sur le thème de la maison et du refuge, sortira le vendredi 23 septembre 2022.
Abel a obtenu son diplôme d’artiste international au Royal Northern College of Music en juillet 2018. En plus de ses nombreux prix et de la reconnaissance de l’industrie, en mai 2021, Abel a été annoncé comme un participant inaugural Power Up Music Creator dans la nouvelle initiative de la Fondation PRS pour lutter contre le racisme anti-Noir et les disparités raciales dans le secteur de la musique.