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Originaire de la ville rose, c’est après des études en sciences politiques que Matthieu Toulouse se consacre au chant lyrique et se forme à la Schola Cantorum de Paris, où il obtient son diplôme de concert à l’unanimité avec les félicitations du jury. Il suit depuis les enseignements de Didier Laclau-Barrère.
Il fait ses premiers pas sur scène avec les rôles du Sprecher et du 2ème homme d’arme dans la Flûte Enchantée au Festival de Saint-Céré, à l’Opéra de Clermont-Ferrand et à l’Opéra de Massy. Depuis, il s’est produit à l’Opéra de Reims, au théâtre du Châtelet, à l’opéra de Versailles, au théâtre du Capitole de Toulouse, à l’opéra de Ho Chi Minh, à l’Opéra de Massy, de Clermont-Ferrand ainsi qu’au festival de Saint Céré, à l’Opéra de Monte-Carlo… dans les rôles de Leporello/Don Giovanni, Ariodate/Sersé de Haendel, le Gouverneur/Le Comte Ory, Pandolfe/Cendrillon de Massenet, Alidoro/La Cenerentola, le 1er artisan/Wozzeck (mise en scène Michel Fau), Ame/Hulda de César Franck avec le Palazetto Bru Zane (Philharmonies de Liège et Namur, Théâtre des Champs-Elysées), assure la doublure de Rocco/Fidelio (Opéra de Nice) ; Le Pilote/Tristan und Isolde.
Remarqué pour son tempérament, la profondeur de ses graves et sa diction, il est aussi régulièrement sollicité pour les messes de Requiem de Mozart, de Fauré, ou encore de Duruflé. Il a également interprété la basse solo dans le Messie de Haendel, la Messa di Gloria de Puccini, la Création de Haydn.
Parmi ses projets : il reprend le 1er artisan/Wozzeck au Festival d’Aix-en-Provence et Alcandro/L’Olimpiade en tournée (dont au Festival International d’Opéra Baroque de Beaune) avec L’Ensemble Matheus de Jean-Christophe Spinosi ; se produit à Bordeaux avec l’ensemble baroque Orfeo, etc.
Bruce Liu a attiré l’attention du monde entier lorsqu’il a remporté en 2021, à Varsovie, le premier prix au 18e Concours international de piano Chopin.
Suite à ce succès, le jeune pianiste entame immédiatement une tournée mondiale: Théâtre des Champs-Elysées à Paris, Konzerthaus à Vienne, BOZAR à Bruxelles, Tokyo Opera City, Sala São Paulo, Royal Festival Hall avec l’Orchestre Philharmonia, tournée aux États-Unis avec l’Orchestre philharmonique de Varsovie, l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg, l’Orchestre symphonique national de la radio polonaise, l’Orchestre symphonique de la NHK et l’Orchestre philharmonique de Séoul. Ses performances importantes du passé comprennent celles avec l’Orchestre de Cleveland et l’Orchestre philharmonique d’Israël, ainsi qu’une tournée en Amérique du Nord avec l’Orchestre NCPA de Chine.
Ses principaux engagements à venir incluent début avec l’Orchestre philharmonique royal, tournée européenne avec l’Orchestre symphonique de Montréal, Musikverein avec l’Orchestre symphonique de Vienne, apparitions dans des festivals tels que la Roque d’Anthéron, Klavier-Festival Ruhr, Rheingau, Edinburgh, Chopin et son Europe, Duszniki, et Gstaad Menuhin.
Artiste d’enregistrement exclusif avec Deutsche Grammophon, son premier album, mettant en vedette ses performances gagnantes au Concours Chopin, a remporté un Prix Fryderyk après avoir reçu une reconnaissance internationale y compris le Choix des Critiques et le Choix de l’Éditeur du Gramophone Magazine, et a été inclus par celui-ci dans sa liste des Meilleurs albums classiques de 2021.
« Ce que nous avons tous en commun, c’est notre différence », aime dire le jeune pianiste. Né à Paris, des parents d’origine chinoise, Bruce Liu a grandi à Montréal. Sa vie s’est imprégnée de la diversité culturelle, ce qui a façonné ses différences d’attitude, de personnalité et de caractère. Il puise dans diverses sources d’inspiration pour son art: raffinement européen, tradition millénaire chinoise, dynamisme et esprit d’ouverture nord-américains. Suivant son chemin d’artiste avec optimisme et sourire, ses professeurs incluent Richard Raymond et Dang Thai Son.
Nicolas Henchoz est le directeur fondateur de l’EPFL+ECAL Lab. Il est le Art Papers Chair de SIGGRAPH 2023, la conférence de référence mondiale sur l’infographie et les techniques d’interaction. Ingénieur, chercheur, directeur artistique, manager, il a développé une vision unique de l’innovation, mêlant créativité culturelle, pratiques scientifiques et observation humaine pour favoriser une adoption durable.
Ses projets ont donné lieu à de nombreuses contributions et récompenses universitaires. Il a également organisé plus de 30 expositions dans des institutions telles que l’American Institute of Architecture (New York), le Royal College of Art (Londres), le Musée des Arts décoratifs de Paris et l’Université de Harvard. Cofondateur de l’Alliance mondiale pour l’innovation dans les médias (GAMI), il a été fait Chevalier des Arts et des Lettres par le ministre français de la culture et de la communication.
La violoniste Irène Duval est l’une des voix les plus singulières de sa génération — saluée pour son « énergie à la fois posée et intrépide, son intelligence chambriste et sa finesse musicale » (Charlotte Gardner, 2024), ainsi que pour sa « maîtrise du phrasé et de la dimension dramatique » (Diapason). Elle figure parmi les « dix étoiles montantes à suivre » de Bachtrack pour 2025–2026.
Au cœur de son identité artistique se trouve une passion pour l’association d’œuvres majeures du répertoire avec des joyaux méconnus. Son deuxième disque, Fauré and Friends, paru chez Capriccio en 2024, met en regard deux sonates pour violon n°2 rarement jouées — celles de Fauré et d’Enescu.
Parmi ses temps forts récents figurent sa participation au concert célébrant les 85 ans de Stephen Kovacevich au Wigmore Hall aux côtés de Martha Argerich, ses débuts avec le Philharmonia Orchestra lors du premier concert symphonique donné par un orchestre international à Maurice, ses débuts avec le Chamber Orchestra of Europe lors du concert inaugural du Casals Forum à Kronberg, sa première apparition au Verbier Festival aux côtés de Janine Jansen, un concert Debussy avec Jean-Efflam Bavouzet au Wigmore Hall, ainsi que sa quatrième collaboration avec le Royal Philharmonic Orchestra. En novembre 2024, elle a participé à une série de cinq concerts célébrant le centenaire de Gabriel Fauré au Wigmore Hall, interprétant des sonates et des œuvres de musique de chambre avec Joshua Bell, Jeremy Denk, Blythe Engstroem, Steven Isserlis et Connie Shih.
En tant que soliste, elle a collaboré avec de grands orchestres tels que la Dresdner Philharmonie, le Royal Northern Sinfonia, l’Orchestre d’Auvergne, l’Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, Sinfonia Varsovia et Kremerata Baltica, sous la direction de chefs tels que Maxim Emelyanychev, Michael Sanderling et Karel Mark Chichon.
Irène se produit en récital dans des salles et festivals prestigieux en Europe, au Japon et en Australie, notamment au Konzerthaus de Berlin, au Wigmore Hall, au Théâtre des Champs-Élysées, à la Salle Gaveau, au Kulturpalast de Dresde, aux Sommets Musicaux de Gstaad, à la Philharmonie de Paris, à l’Académie Liszt de Budapest, ainsi qu’aux Folles Journées de Nantes, Niigata et Tokyo. Elle se produit régulièrement avec les pianistes Sam Armstrong, Alasdair Beatson, Ariel Lanyi, Mishka Rushdie Momen et Angus Webster.
La musique de chambre occupe une place essentielle dans son cœur, et elle participe chaque année à Open Chamber Music à IMS Prussia Cove en Cornouailles, au Krzyżowa Chamber Music Festival en Pologne, ainsi qu’au festival « Chamber Music Connects the World » à Kronberg.
Née en France d’un père français et d’une mère coréenne, Irène Duval a grandi au Japon, en Indonésie et à Hong Kong avant de revenir en France à l’âge de 11 ans. Elle a étudié auprès de Suzanne Gessner et Jean-Jacques Kantorow avant d’intégrer en 2008 le Conservatoire national supérieur de musique de Paris dans la classe de Roland Daugareil. En 2014, elle rejoint la Kronberg Academy en Allemagne, où elle étudie pendant trois ans auprès de Mihaela Martin.
Elle a été soutenue par ArteMusica Stiftung, la Fondation pour la vocation Marcel Bleustein-Blanchet, la Fondation d’Entreprise Banque Populaire, la Günther Caspar Stiftung, la Fondation de l’Or du Rhin et la Fondation Safran pour la musique. En 2021, elle est lauréate des Young Classical Artists Trust International Auditions.
Irène joue sur un violon de Giovanni Battista Guadagnini, généreusement mis à sa disposition par un mécène privé.
Le ténor américain Neil Shicoff, internationalement reconnu comme l’un des ténors les plus éminents de sa génération, s’est produit dans les opéras les plus renommés du monde, a collaboré avec les plus grands chefs d’orchestre et metteurs en scène, et est un artiste nommé aux GRAMMY® Awards, avec une vaste discographie d’enregistrements en solo et d’opéras complets. Parmi les nombreuses distinctions qu’il a reçues, citons le titre de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, l’Ehrenmitglied et le Kammersänger de l’Opéra d’État de Vienne, ainsi que le Masque d’or, la plus haute distinction russe en matière de chant et d’interprétation, pour son interprétation d’Éléazar dans La Juive. Entre 2015 et 2017, il a également été chef de l’opéra du théâtre Mikhailovsky de Saint-Pétersbourg. Ces dernières années, il s’est fait connaître en tant que professeur et juge de renom et est très sollicité, tant en privé qu’en tant que professeur / juge invité dans le cadre de programmes et de concours destinés aux jeunes artistes dans le monde entier.
Sandra Albukrek, diplômée des Arts-Décoratifs à Paris, est une artiste-réalisatrice et scénographe qui manie avec poésie le dessin, la peinture, la sculpture, l’écriture et les arts de la performance. Suite à sa collaboration avec Pina Bausch, elle s’est tournée également vers un plus petit format : le livre. Son oeuvre est une sorte de conversation philosophique visuelle, où la couleur est langage formant un cabinet de curiosité d’objets magiques et de bestiaires oniriques. Créatrice indomptable, l’artiste décide de lier sa recherche visuelle à la musique classique. Elle crée en 2018 un dispositif inédit : des films de peintures animées pour des oeuvres jouées en live. Ses créations très personnelles dont elle est la productrice et directrice artistique ont été montrées lors de nombreux festivals avec des musiciens tels que Martha Argerich, Nelson Goerner, Kai Schumacher, Ivry Gitlis, Gábor Takács-Nagy. L’artiste a créé pour le Gala, une oeuvre unique de plus de deux cent peintures originales et un scénario plein de magie et d’humour.
Jason Marsalis was born in New Orleans, LA on March 4, 1977. He was the sixth son of Ellis and Dolores Marsalis and the fourth son, after Branford, Wynton, and Delfeayo, to pursue music. After receiving a toy drum set at age 3, Jason first studied violin at age 5 and then received a real drum set at age 6. After sitting in at age 7 with his father, pianist Ellis Marsalis, career moments started to happen at an early age. He studied with New Orleans legend James Black, traveled to Boston a month before his 9th birthday to perform on his older brother Delfeayo’s recital at the Berklee College of Music. At age 13, he appeared on the PBS TV show “Mister Rogers Neighborhood” with his father and brothers Branford and Delfeayo and then a year later, performed on “The Tonight Show with Jay Leno” in Delfeayo’s band.
During his senior year in high school in 1994, Marsalis ascended to the drum throne of a new group lead by virtuoso pianist and former sideman for Wynton Marsalis, Marcus Roberts. It was on the day after graduation that Marsalis flew to New York to split time working with his father’s trio at the Iridium while recording his first album with Roberts, “Portraits in Blue”. The album was a fresh take on George Gershwin’s “Rhapsody in Blue” with the drums in between a jazz band and symphony orchestra. This concept would be developed with Roberts over the years to come. Despite a demanding touring schedule with Roberts, Marsalis furthered his educational goals by attending Loyola University in New Orleans, as well as studying composition with notable classical composer, Roger Dickerson. While Marsalis made appearances with such international jazz luminaries as Joe Henderson and Lionel Hampton, he was visible on the New Orleans scene working with a diverse cross section of bands from Casa Samba (Brazilian), Neslort (jazz fusion) Summer Stages (children’s theater), Dr. Michael White (traditional jazz) and many others. It was in 1998 that he cofounded the Latin-jazz group Los Hombres Calientes. While recording two albums with the group, Marsalis also produced two albums under his own name, Year of the Drummer (1998) and Music in Motion (2000), as well as producing reissues and current recordings of his father on their self-owned label, ELM Records.
In 2000, Jason left the Los Hombres group to attain more focus with the Marcus Roberts Trio. It was around that time the Marsalis started to play the vibraphone on gigs in New Orleans. This evolved in yet another chapter in Marsalis’ career as he recorded on the vibes with clarinetist Tim Laughlin and drummer Shannon Powell while starting to lead his own band on vibes. In 2005, Marsalis’ made a recording of George Gershwin’s “Concerto in F” with the Marcus Roberts Trio and the Saito Kinen Orchestra. It was a project that involved fusing jazz and classical music and it was an important moment for the Trio. While this exciting event was taking place in Tokyo, Japan, it was marred by the events happening in his hometown, Hurricane Katrina. Even though his career took a slight hit after that event and living in Brooklyn for a year, Jason returned to New Orleans in 2007 to put the pieces back together.
After returning to New Orleans in 2007, his reach with the types of bands widened considerably. Early that year he recorded with John Ellis and Double-wide on a well received album entitled “Dance Like There’s No Tomorrow”. He also recorded and produced an album of Thelonious Monk’s music with his father entitled “An Open Letter to Thelonious”. In January of 2008, the New Orleans Center for Creative Arts (NOCCA) called for him to start teaching the students. He also started working on the traditional jazz scene with musicians such as Lars Edegran and Tommy Sancton at Preservation Hall and Palm Court Jazz Cafe. It was in April of 2008 that Marsalis was asked to play the vibraphone with the legendary Lionel Hampton Orchestra at the Ogden Museum in New Orleans. In fall of that year, he was on a double-bill tour with Doublewide and a jazz-fusion group from Denton, Texas, Snarky Puppy. After that tour, Marsalis would make guest appearances with the group and has developed a following amongst the groups fans.
In 2009, the Marsalis Family would receive the NEA Jazz Masters award. In June of that year, the family would appear at the White House and the Kennedy Center to do a tribute show to their father. The concert was made into an album entitled, “Music Redeems”. Later that year, Marsalis would release his first new album in 9 years and his debut album on vibes, “Music Update”. In 2010, the bassist from the Lionel Hampton Orchestra, Christian Fabien, called him to participate in a recording session with drummer Ed Littlefield and pianist Reuel Lubag. The made two records, Christian’s “West Coast Session” and Ed’s “Walking Between Worlds”. The latter would include folk songs from the leader’s native Alaskan Tlingit tribe from his hometown of Sitka, Alaska. That project inspired the group to be named the Native Jazz Quartet, a group that would arrange folk songs into jazz tunes. Their first recording of that concept was “NJQ Stories”, recorded in 2012. Also in 2012, Marsalis was involved in another genre-breaking collaboration as the Marcus Roberts Trio released an album with banjoist Bela Fleck. The combination of jazz and bluegrass was entitled “Across the Imaginary Divide” and the unit toured successfully that year. Marsalis also managed to do a performance on various percussion at the 2012 Essence Music Festival in New Orleans with Aretha Franklin. Ironically, Franklin would contact Marsalis to do some performances on vibes but sadly, she passed away before anything came to fruition.
2013 was a monumental year in which Marsalis released his next recording as a leader on vibes entitled “In a World of Mallets”. The album went to number 1 on the CMJ Radio Charts and also won an Offbeat Magazine award, a New Orleans music magazine, for best Contemporary Jazz Album. There was even recordings from the drum kit as Marcus Roberts released three recordings that year. Two with Wynton Marsalis, “Together Again – In the Studio” and “Together Again – Live in Concert”, and the ambitious original trio suite from Roberts, “From Rags to Rhythm”. Marsalis’ latest recordings included the follow-up album as a leader, « The 21st Century Trad Band », and an album he produced for his father entitled « On the Second Occasion », both released in 2014. 2016 brings the newest release entitled « Heirs of the Crescent City », a soundtrack to the film « Heirs », a documentary about the traditions and cultures of New Orleans passed on through generations.
In recent years, Jason has worked more with the Jazz at Lincoln Center Orchestra. He’s recorded three albums, “The Ever Fonky Lowdown”, “A Swingin’ Sesame Street Celebration”, the latter also being a TV special, and “Swing Symphony” with the St. Louis Symphony Orchestra conducted by David Robertson. Marsalis is currently teaching adjunct at the John J. Cali School of Music at Montclair State University in New Jersey.
A renowned jazz saxophonist and clarinetist, Goines has been a member of the Jazz at Lincoln Center Orchestra with Wynton Marsalis and the Wynton Marsalis Septet he was named President & CEO of Jazz St. Louis in September 2023.
Clarinetist, saxophonist, and educator Victor L. Goines is a member of the Jazz at Lincoln Center Orchestra and the Wynton Marsalis Septet since 1993, touring throughout the world and recording over twenty-one releases, including Marsalis’ Pulitzer Prize-winning recording Blood on the Fields (Columbia Records, 1997) and The Ever Fonky Lowdown (2020), Marsalis and Eric Clapton (2011), Jazz at Lincoln Center’s A Swingin’ Sesame Street Celebration (2020), The Fifties: A Prism (2020), Black, Brown and Beige (2020), The Music of Wayne Shorter (2020), Jazz for Kids (2019), Swing Symphony (2019), Una Noche con Ruben Blades (2018), United We Swing (2018), Handful of Keys (2017), The Music of John Lewis (2017), The Abyssinian Mass (2016), Big Band Holidays (2016), Live in Cuba (2015) all from Blue Engine Records and, as well as the soundtracks for Ken Burns’ acclaimed documentaries, JAZZ, 1999; Unforgivable Blackness: The Rise and Fall of Jack Johnson, 2004 and The War, 2007. Goines has collaborated on three video projects with Cuban clarinetist Janio Abreu. Two videos, Nuestra Herencia Musical (Our Musical Heritage) (2018), Juntos Otra Vez (Together Again) (2019), are with Abreu’s ensemble Aires de Concerto; and the third, Vic and I (2020), is with La Orquesta de Cåmara de la Habana conducted by Daiana Garcia. He is an acclaimed solo artist and leads his own quartet. As a leader, Mr. Goines has ten recordings including A Dance at The Mardi Gras Ball (2016), Morning Swing (2013), and Twilight (2012), all from Rosemary Joseph Records.
A gifted composer, Goines has more than 200 original works to his credit. His commissions include The Four Winds Suite (2021) and Suite for Bird (2014) for the Music Institute of Chicago; Untamed Elegance (2016) and Crescent City (2014) featuring Branford Marsalis for Jazz at Lincoln Center; Benny: Then, Now, Forever! (2009) for The ASCAP Foundation and Columbia College Chicago with support from the Louis Armstrong Educational Foundation, and Base Line (2002) for the Juilliard School to support the original choreography by Juilliard alumnus Robert Battle and other countless works for hire.
Mr. Goines has recorded, performed, and collaborated with many noted jazz and popular artists such as Terence Blanchard, Ruth Brown, Paquito D’Rivera, Dianne Reeves, Jack McDuff, Dizzy Gillespie, Lionel Hampton, Freddie Hubbard, B.B. King, Branford Marsalis, Delfeayo, Ellis Marsalis, Jason Marsalis, Jimmy Heath, James Moody, Dianne Reeves, Marcus Roberts, Wayne Shorter, Chucho Valdez, and Stevie Wonder. Additionally, Goines can be heard on the film scores for the motion pictures Undercover Blues, When Night Falls on Manhattan and Rosewood as well as on music videos featuring Chick Corea, Garth Fagin, Bobby McFerrin, Wynton Marsalis, Marcus Roberts, and Linda Ronstadt, and a host of other renowned musicians and ensembles.
Throughout his career, Goines has been deeply committed to the field of jazz education. In November 2007 he was named director of jazz studies and professor of music at Northwestern University in Evanston, Illinois. Prior to that appointment, Goines was for seven years inaugural artistic director of the jazz program at the Juilliard School and a faculty member in jazz clarinet and saxophone. During his tenure at Juilliard, the department expanded from a collaborative program with Jazz at Lincoln Center to include formal Bachelor and Master of Music degrees. He has also served on the faculties of Florida A&M University, the University of New Orleans, Loyola University in New Orleans, and Xavier University.
A native of New Orleans, he began studying clarinet at age eight. He received his Bachelor of Music Education from Loyola University in New Orleans in 1984, and his Master of Music from Virginia Commonwealth University in Richmond in 1990.
Don Vappie est un ténor banjoiste / guitariste américain originaire de la Nouvelle-Orléans. Il a reçu le prestigieux prix STEVE MARTIN BANJO en 2021 et a été nommé au BANJO HALL OF FAME en 2022. Musicien depuis toujours, Don se produit également en tant que bassiste et chanteur. Il est éducateur, conférencier et expert du jazz de la Nouvelle- Orléans, mais aussi de sa place et de son importance sur la scène musicale contemporaine. Avec 8 albums en tant que leader, Don a également enregistré et joué avec de nombreux artistes, dont Peggy Lee, Terence Blanchard, Wynton Marsalis, Eric Clapton, Dee Dee Bridgewater, Dr. Michael White, Bela Fleck et bien d’autres. Son dernier album, The Bluebook of storyville, est un hommage au jazz créole, la fusion des cultures contenant les influences des Caraibes dans le jazz de la Nouvelle-Orléans, et a été choisi comme le meilleur album de jazz de 2020 par le Sunday Times de Londres. «Vappie apporte les traditions de Crescent City a pratiquement tout ce qu’il touche.» – Howard Reich – Chicago Tribune