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Hannah Chan-Hartley est une musicologue, active en tant que rédactrice, éditrice de livres de programmes, productrice de contenu, instructrice, conférencière et chercheuse auprès de diverses organisations, notamment l’Orchestre du Centre national des Arts du Canada, l’Opéra de Détroit et la Fondation Barnes à Philadelphie. En 2023, elle revient au Verbier Festival en tant que musicologue en résidence à l’invitation de la Verbier Festival Academy et d’UNLTD, un rôle qu’elle a également assumé en 2018 et 2022. Elle était auparavant directrice de la rédaction et musicologue à l’Orchestre symphonique de Toronto.
Chan-Hartley est la créatrice des Visual Listening Guides (symphonygraphique.com), un nouveau type de guide d’écoute graphique pour la musique symphonique, qui a été primé et salué à l’échelle internationale. Depuis son développement initial en 2015, des centaines de milliers de personnes dans 22 pays du monde entier ont utilisé et apprécié les Guides – en version imprimée avec les livres de programmes de concerts (notamment au Canada, en Australie, en Finlande, au Royaume-Uni et aux États-Unis), lors de conférences et d’ateliers, y compris au Verbier Festival, et en tant que publications individuelles disponibles en ligne. Hannah a rédigé un chapitre sur le guide d’écoute visuel pour The Oxford Handbook of Public Music Theory (2022), édité par J. Danny Jenkins.
Hannah est titulaire d’un baccalauréat en musique avec spécialisation en interprétation au violon de l’Université McGill, d’une maîtrise en musicologie et en interprétation de l’Université d’Oxford et d’un doctorat en musicologie de l’Université de l’Illinois à Urbana-Champaign. Elle s’est produite professionnellement en tant que violoniste d’orchestre et aime jouer de la musique de chambre. Hannah s’intéresse à l’histoire sociale et culturelle de la musique et des institutions musicales, en se concentrant sur le contexte transatlantique Europe-Amérique du Nord du XIXe siècle à nos jours, ainsi qu’à l’histoire de l’interprétation et de la réception de l’opéra et de la musique orchestrale, sujets sur lesquels elle a écrit et présenté lors de grandes conférences.
Après un début de carrière d’enseignant, René-Claude Emery change d’orientation en 2002 et se lance dans le métier d’acteur. Il est diplômé de L’Ecole de théâtre Serge Martin en 2005.
Au Teatro Comico à Sion, chez les Artpenteurs et au Pulloff à Lausanne, au Théâtre des Osses de Fribourg, il se frotte aux classiques comme le Roman de Renart, le Fabuleux La Fontaine, L’Orestie d’Eschyle, Peer Gynt d’Ibsen, Les Bas-Fonds de Gorki, Macbeth de Shakespeare, différents Molière, Sénèque ou encore Oedipe Roi de Sophocle.
Dans un registre plus contemporain, il interprète des textes de Louis Calaferte, Blandine Costaz, Jean-Claude Blanc, Eric Masserey, Bastien Fournier, Julien Mages, Howard Barker et dernièrement Coline Ladetto et Jon Fosse. Il a encore participé à un duo de clowns dans une sélection de classiques du genre.
Il a réalisé en 2015 sa première mise en scène professionnelle autour du texte radiophonique d’Antonin Artaud Pour en finir avec le jugement de dieu dans les jardins de l’hôpital psychiatrique de Malévoz. Parallèlement, il écrit pour le théâtre et a fondé sa propre Compagnie : La Compagnie du CHARIOT-MIROIR.
La soprano russo-américaine Erika Baikoff en est à sa deuxième année dans le programme de développement des jeunes artistes Lindemann. Cette saison au Met, elle chante les rôles de Xenia dans Boris Godunov de Moussorgski (début), sous la direction de Sebastian Weigle, et de Barbarina dans Le Nozze di Figaro de Mozart, sous la direction musicale de Yannick Nézet-Séguin. Parmi les autres engagements de la saison, citons Marzelline dans Fidelio avec le North Carolina Opera.
De 2018 à 2020, Erika a été membre du Studio de l’Opéra national de Lyon, où elle a notamment interprété les rôles de Le Feu/ Princesse/ Rossignol dans L’Enfant et les Sortilèges de Ravel et Juliette dans Roméo et Juliette de Boris Blacher. Elle a également été soliste soprano dans la 4e Symphonie de Mahler avec l’Orchestre de l’Opéra national de Lyon, sous la direction de Daniele Rustioni. Plus récemment, elle a chanté le rôle de Musetta dans La Bohème de Puccini, dans le cadre de l’Atelier Lyrique du Verbier Festival. En 2022, elle fera ses débuts au Musikverein Graz dans le rôle d’Anna dans Nabucco de Verdi.
Erika a été finaliste du concours international de musique Reine Sonja en 2021 et demi-finaliste du concours du Metropolitan Opera en 2020. Elle est également lauréate du premier prix du Concours international de lied Helmut Deutsch 2019 et du 10e Concours Nadia et Lili Boulanger avec son partenaire de duo, Gary Beecher. Parmi ses autres récompenses, citons la bourse Career Bridges 2019, le prix Mondavi Young Artist Founders 2018 et la bourse Bouchaine Young Artist 2013.
Erika est titulaire d’une licence en études françaises de l’Université de Princeton et d’un master en musique de la Guildhall School of Music and Drama.
Né à Hyères en 1999, Kim BERNARD étudie le piano dès l’âge de 5 ans avec Michelle MARY. Il rencontre début 2008 Bernard d’ASCOLI et Eleanor HARRIS et devient dès lors étudiant de « Piano Cantabile ». Il intègre parallèlement la même année le conservatoire à rayonnement régional de Toulon en troisième cycle dans la classe de Célimène DAUDET. En juin 2011, il obtient, à tout juste 12 ans, son D.E.M de piano à l’unanimité avec félicitations du jury. En mars 2012, il remporte le Premier Prix du Concours International de Montrond-les-Bains dans la catégorie des moins de 17 ans. Deux mois plus tard, il obtient le Prix « jeune talent » au Concours International d’Ile-de-France et remporte en août le Premier Prix du Concours National des « Nuits Pianistiques » d’Aix-en Provence, face à des concurrents deux fois plus âgés que lui. En mai 2015, il remporte le Prix Kurtàg au Concours International « brin d’herbe » d’Orléans. A l’automne 2013, a 14 ans il est admis avec dérogation au concours d’entrée du Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon. Dans la classe de Florent BOFFARD Il obtient en juin 2016 sa licence puis en 2018 son MASTER II avec Laurent CABASSO. En novembre 2018, il entame un cycle concertiste au CRR de Paris avec Jérôme GRANJON et il est finaliste du concours CZIFFRA ou il obtient le 3ème prix ex-æquo. Il a joué au MuCEM de Marseille et a des festivals en pays varois cet été 2019, puis dans le cadre « Jeunes Talents » a Versailles (septembre 2019) et a l’auditorium du Petit Palais – Musée des Beaux Arts de la ville de Paris (octobre 2019).
Né en 1956, Nils Landgren a commencé à jouer de la batterie à l’âge de six ans, avant de découvrir le trombone à l’âge de 13 ans. Entre 1972 et 1978, Nils a étudié le trombone classique au collège de musique de Karlstad avec David Maytan, ainsi qu’à l’université d’Arvika avec Ingemar Roos.
La rencontre avec le légendaire pionnier du Folk-Jazz suédois Bengt-Arne Wallin ainsi qu’avec le fantastique tromboniste Eje Thelin a persuadé Nils de passer des études classiques strictes à l’improvisation et de commencer à développer sa propre approche.
Après son diplôme, Nils s’installe à Stockholm pour travailler comme tromboniste professionnel.
Il ne tarde pas à partir en tournée avec la pop star suédoise la plus populaire de l’époque, le « Blue Swede » de Björn Skifs, qui atteint la première place du hit-parade américain avec « Hooked on a feeling ».
En 1981, Thad Jones invite le Suédois dans son nouveau projet de big band « Ball of Fire », pour prendre la place de trombone solo. Depuis cette époque, Nils Landgren s’est impliqué dans la plupart des styles de manière égale : Jazz et Rock, Soul et Hip-Hop, sessions de Big Band, et selon ses propres estimations, des centaines d’albums incluant des stars internationales telles que ABBA, The Crusaders, Eddie Harris, Bernard « Pretty » Purdie, Wyclef Jean et Herbie Hancock.
Il a enregistré et sorti son premier album solo en 1984 et en a fait quatre autres en Suède avant d’être découvert et signé par Siggi Loch et le label allemand ACT en 1994, qui est aujourd’hui le plus grand label de jazz indépendant en Europe. Depuis le premier album « Live in Stockholm », il a enregistré et sorti 30 albums en tant que leader et 20 autres en tant que sideman et/ou producteur, tous sur le label ACT.
1998 Nils a commencé sa longue collaboration avec le NDR Bigband à Hambourg, d’abord comme tromboniste de section, puis comme conseiller artistique, jusqu’en 2012.
2001 Nils a été nommé directeur artistique du prestigieux Jazzfest Berlin, un poste qu’il a occupé pendant cinq ans avec beaucoup de succès.
En 2007, Nils a également été nommé directeur artistique de l’un des deux bigbands professionnels suédois, le Bohuslän Bigband à Göteborg, un poste qu’il a occupé jusqu’en 2015, date à laquelle il a décidé de passer à autre chose.
En 2009, il a lancé le projet « Funk for Life » avec son groupe Funk Unit, une collaboration unique avec MSF – Médecins sans frontières. Ce projet vise les écoles des bidonvilles de Nairobi, Kayelitsha au Cap et Soweto à Johannesburg, en leur présentant des instruments de musique pour apporter de la joie et de nouvelles possibilités aux enfants de tous âges, ainsi que pour collecter des fonds pour MSF et leur formidable travail.
Ce projet est l’engagement de toute une vie pour Nils et, pour l’instant, il se concentre sur l’aide aux jeunes hommes et femmes qui ont besoin d’un soutien financier pour leurs études, afin de construire un meilleur avenir pour eux-mêmes et leurs familles.
L’année 2012 marque le début d’une nouvelle ère pour le festival Jazz Baltica, l’un des plus grands festivals d’Allemagne depuis sa création en 1991 sous l’impulsion de son fondateur Rainer Haarmann. Nils s’est produit en tant que musicien à ce festival depuis le début et en 2012, il a été nommé directeur artistique du festival. Depuis que Nils a pris les rênes, le festival a fait l’objet d’une délocalisation de Salzau, près de Kiel, à Niendorf puis à Timmendorfer Strand, tous deux au bord de la mer Baltique. Avec son équipe, il a réussi à faire passer le festival de 6000 visiteurs à Salzau à 19000 à Timmendorfer Strand.
Nils a été décoré de deux médailles par le roi Carl Gustaf de Suède, « Letteris et Artibus » et « Medaljen för tonkonstens främjande » et de la « Bundesverdienstkreuz » allemande par le président fédéral Frank Walther Steinmeier.
Il est docteur (h.c.) à l’université de Karlstad et professeur à la Hochschule für Musik und Theater de Hambourg.
Nils Landgren : artiste exclusif d’ACT/Redhorn Music AB/Redhorn Talent/Redhorn Records.
Acknowledged for his “virtuosic poetry” (Tiroler Tageszeitung) and “extraordinarily subtle and intoxicating playing” (Liechtensteiner Volksblatt), David Bergmüller is regarded as one of the most adventurous and exciting lutenists of his generation. He is committed to creating a new legacy for the lute. His approach is to bridge the gap between historically informed/inspired practice and contemporary performance.
David Bergmüller has performed at venues including the Wigmore Hall, Philharmonie Berlin, Philharmonie Cologne, Vienna Konzerthaus, Vienna Musikverein, Zurich Tonhalle, Alte Oper Frankfurt. He has appeared as a soloist at the Schleswig Holstein Music Festival, Utrecht Ode Musik Festival, Bozar Brussels, 20 fast forward, Schubertiade Hohenems, Innsbrucker Festwochen der Alten Musik, Barocktage Melk, Wien Modern & LIGITA Liechtensteiner Gitarrentage.
He has collaborated extensively with Maurice Steger, Avi Avital, David Orlowsky, Sergio Assolini, Hille Perl & Rolf Lislevand and with ensembles ZKO- Zurich Chamber Orchestra, ensemble resonanz, Bach Consort Vienna & Company of music, among others.
David Bergmüller has released numerous recordings of early, contemporary and electronic music. Not only does he play his own compositions for his instruments, combining acoustic with electronic sounds, but he is also the dedicatee of numerous contemporary works by composers including Pia Palme, Arturo Fuentes, Gilad Hochman, Manuel Durauo and Franz Bauer.
As a sought-after basso continuo player he has performed with such renowned ensembles as Concentus Musicus Vienna, Collegium 1704, I Baroccisti, La Cetra Barockorchester, Barucco & Ars Antiqua Austria and has worked in opera productions at Theater an der Wien, Staatsoper Hannover, Opera de Lille, Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg, Theater Bonn, Nationaltheater Mannheim and The Bolshoi Theatre Moscow.
Forthcoming engagements include concerts at Verbier Festival, Philharmonie Essen, Innsitu: BTV Innsbruck, West Cork Music Festival , Grafenegg Festival, Shakespear Festival Neuss, Köthener Bachfesttage, MITO Settembre Musica etc.
David Bergmüller was the first lute player to win the Franz Aumann Preis at the HIF Biber Early Music Competition. With his ensemble sferraina he was nominated for Preis der deutschen Schallplattenkritik in the category “Grenzgänger” (breaking boundaries). Born in Hall in Tirol/Austria in 1989 he began learning the guitar at the age of eight. During his time in Stefan Hackl’s guitar class he became fascinated by the lute. He studied with Hopkinson Smith and Rolf Lislevand. After graduating from the Schola Cantorum Basiliensis and the Hochschule für Musik Trossingen, he became one of the youngest ever appointed music professors in 2018, teaching lute at Hochschule für Musik und Tanz Köln. He is currently based in Vienna.
Musician, gamba-player, has played music as long as she can think. For her, music is the foremost means of communication between human beings, more precise and intense and unmistakable than language, of greater emotional significance than any other experience besides love. To her, music is a means of connecting not only the past and the future but also a way of socially integrating the most conflicting aspects of existence.
She travels the world, playing concerts and recording CDs with different groups or soloizing, or with her main partner, the lutenist and composer Lee Santana. They mostly perform in the field of 17th and 18th century music, but they also let the music take them to places they never even dreamed of.
When she is not travelling she lives in a farmhouse in northern Germany with her family and a few chickens, horses, cats and rabbits.
She passionately teaches her twelve students at the Hochschule der Künste in Bremen, Germany, everything she knows about music, playing the gamba, and how not to be jealous if someone plays better than you.
People of the world: relax…
Sebastian Wienand lives in Basel and performs worldwide on historic keyboard instruments as a soloist, chamber music partner, and continuo player. He has collaborated with musicians and ensembles such as the Freiburg Baroque Orchestra, the Academy for Ancient Music Berlin, Les musiciens du Louvre, Millennium Orchestra, Maurice Steger, Gottfried von der Goltz, Rebeka Rusó and many others.
Prior to studying harpsichord, fortepiano and figured bass he founded the ensemble L’Ornamento. This work was rewarded by successes such as first prize and audience award for the ensemble at Musica Antiqua Bruges and the audience award at the Mecklenburg-Vorpommern festival, where the ensemble has been an almost annual guest ever since.
As musical assistant to the Belgian conductor René Jacobs, he has contributed to internationally acclaimed opera productions at venues such as the Theater an der Wien or La Monnaie in Brussels. He has been invited several times to join his most important partner, the Freiburg Baroque Orchestra, for example to play Beethoven’s „Chorfantasie“ at Berlins Philharmonie to celebrate the anniversary of the fall of the wall in 2014. A further highlight was a concert moderated by Andreas Staier with an all-Haydn programme at the Schwetzinger Festspiele in 2013, where he was invited again in 2016 to lead the six Brandenburg concertos together with La Cetra Basel.
Some CDs feature him as a soloist and chamber musician, for example Cembalo concertos of the Bach family with the Brandenburg State Orchestra and Howard Griffiths as well as Bach’s fifth Brandenburg concerto with the Freiburg Baroque Orchestra.
Sebastian Wienand has been a scholarship recipient of the German Music Council, the Deutsche Stiftung Musikleben, the Credit Suisse Emerging Artists Series, the Mozart Foundation Dortmund, and the Arts Foundation Baden-Württemberg.
Catherine Edwards mène une carrière variée au piano et à l’orgue, se produisant, diffusant et enregistrant en tant que pianiste de chambre, accompagnatrice et soliste. Son expérience de la musique de chambre avec des groupes tels que Capricorn, The Nash Ensemble, Endymion et Composers’ Ensembles comprend un répertoire classique et contemporain, et elle a travaillé en étroite collaboration avec des compositeurs tels que Pierre Boulez, Luciano Berio, Steve Reich et John Adams. Catherine Edwards a étudié le piano avec Phyllis Sellick et Vlado Perlemuter, et l’orgue avec Ralph Downes et Gillian Weir. Elle est pianiste et coordinatrice de la classe de violoncelle de la Verbier Festival Academy depuis plusieurs années.