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Aleksandar Madžar was born in Belgrade in 1968. He started playing the piano under the guidance of Gordana Malinović at the age of six, and later studied in Novi Sad, Belgrade, Moscow and Brussels, with Arbo Valdma, Elisso Virsaladze and Daniel Blumenthal.
He won prizes in Geneva, Leeds, the Busoni and Umberto Micheli competitions and gave his debut with the Berlin Philharmonic Orchestra and Ivan Fischer in 1990. He has since then been performing regularly all over Europe, enjoying a rich and varied career in recital, concertos (with André Previn, Marcello Viotti, Paavo Järvi, Andris Nelsons) and chamber music, occasionally also touring North and South America, South Africa and the Far East and Australia.
Aleksandar Madžar is a frequent guest of the Wigmore Hall in London, the Theatre de la Ville in Paris, the Brussels Bozar, the Amsterdam Concertgebouw, as well as the Conservatorio in Milan; the Delft, Lockenhaus, Peasmarsh and Juventus (Cambrai) summer festivals. His regular chamber music partners include, among others, the Takács Quartet, Anthony Marwood, Nicolas Altstaedt, Vilde Frang, and the soprano Juliane Banse.
Aleksandar Madžar teaches at the Royal Flemish Conservatoire in Brussels and at the Hochschule für Musik
Manfred Honeck s’est fermement établi comme l’un des plus grands chefs d’orchestre au monde, dont les interprétations uniques, distinctives et révélatrices sont très appréciées sur le plan international. Depuis plus de dix ans, il est directeur musical de l’Orchestre symphonique de Pittsburgh. Au cours de la saison 2020-21, il célébrera le 125e anniversaire de l’orchestre, qui est marqué par des concerts, une programmation et des partenariats spéciaux pour commémorer l’occasion. Manfred Honeck et l’orchestre sont célébrés à la fois à Pittsburgh et à l’étranger. Parmi les invités réguliers, citons le Carnegie Hall et le Lincoln Center de New York, ainsi que les grandes villes et festivals de musique européens tels que les BBC Proms, le Musikfest Berlin, le Festival de Lucerne, le Festival de musique du Rheingau, le Beethovenfest Bonn et le Festival Grafenegg. L’étroite relation avec le Musikverein de Vienne s’est poursuivie avec une résidence à l’automne 2019 dans le cadre de la dernière tournée européenne de l’orchestre, qui l’a conduit dans dix villes de cinq pays.
Le succès de son travail à Pittsburgh est largement documenté par dix enregistrements sur le label Reference Recordings. Tous les SACD contenant des œuvres de Strauss, Beethoven, Bruckner, Tchaïkovski et d’autres ont reçu une multitude de critiques et de prix exceptionnels, dont un certain nombre de nominations aux Grammy. L’enregistrement de la Symphonie n°5 de Chostakovitch et de l’Adagio de Barber a remporté le Grammy de la « meilleure interprétation orchestrale » en 2018. L’année suivante, la Symphonie n°9 de Bruckner a reçu trois nominations aux Grammy. Un enregistrement de la Symphonie n°4 de Tchaïkovski, associé à la première mondiale du Double Concerto pour clarinette et basson de Jonathan Leshnoff, est sorti en mai 2020.
Né en Autriche, Manfred Honeck a complété sa formation musicale à l’Université de musique de Vienne. Ses nombreuses années d’expérience en tant que membre de la section d’alto de l’Orchestre philharmonique et de l’Opéra d’État de Vienne ont eu une influence durable sur son travail de chef d’orchestre. Son art de l’interprétation est basé sur sa détermination à s’aventurer dans les profondeurs de la musique. Il a commencé sa carrière de chef d’orchestre comme assistant de Claudio Abbado et comme directeur de l’Orchestre des jeunes de Vienne. Par la suite, il a été engagé par l’Opéra de Zurich, où il a reçu le Prix européen de direction d’orchestre en 1993.
Depuis, il a été l’un des trois chefs d’orchestre principaux de l’Orchestre symphonique du MDR de Leipzig, le directeur musical de l’Opéra national de Norvège, le premier chef d’orchestre invité de l’Orchestre philharmonique d’Oslo et de l’Orchestre philharmonique tchèque, et le chef d’orchestre principal de l’Orchestre symphonique de la radio suédoise à Stockholm.
De 2007 à 2011, Manfred Honeck a été directeur musical du Staatsoper Stuttgart. Il y a dirigé, entre autres, les premières des Troyens de Berlioz, d’Idomeneo de Mozart, d’Aida de Verdi, du Rosenkavalier de Richard Strauss, des Dialogues des Carmélites de Poulenc et des Lohengrin et Parsifal de Wagner. Ses représentations à l’opéra l’ont conduit au Semperoper de Dresde, au Komische Oper de Berlin, au Théâtre de la Monnaie de Bruxelles, à l’Opéra royal de Copenhague, au Festival des Nuits blanches de Saint-Pétersbourg et au Festival de Salzbourg. En 2020, année anniversaire de Beethoven, il a dirigé une nouvelle mise en scène de Fidelio (version 1806) au Theater an der Wien. Au-delà du podium, Manfred Honeck a conçu une série de suites symphoniques, dont Jenůfa de Janáček, Elektra de Strauss et Rusalka de Dvořák. Il a enregistré tous ces arrangements avec l’Orchestre symphonique de Pittsburgh, et les joue régulièrement avec des orchestres du monde entier.
En tant que chef d’orchestre invité, Manfred Honeck a été au podium de tous les grands orchestres internationaux, notamment l’Orchestre symphonique de la radio bavaroise, l’Orchestre philharmonique de Berlin, le Gewandhausorchester Leipzig, la Staatskapelle Dresden, la Tonhalle-Orchester Zürich, le Royal Concertgebouw Orchestra, le London Symphony Orchestra, l’Orchestre de Paris, l’Accademia di Santa Cecilia Rome et le Philharmonique de Vienne. Aux États-Unis, il a dirigé tous les grands orchestres américains, notamment le New York Philharmonic, le Cleveland Orchestra, le Chicago Symphony Orchestra, le Los Angeles Philharmonic, le Philadelphia Orchestra, le Boston Symphony Orchestra et le San Francisco Symphony. Il a également été directeur artistique des Concerts internationaux Wolfegg en Allemagne pendant vingt-cinq ans. Manfred Honeck a été honoré par plusieurs universités aux États-Unis en tant que docteur honoris causa et a également reçu le titre honorifique de professeur par le président fédéral autrichien. Le jury des International Classical Music Awards l’a sélectionné comme « Artiste de l’année » 2018.
Né en 1986 à Paris, Jean-Frédéric Neuburger étudie l’orgue, le piano et la composition avant d’intégrer à treize ans le Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, d’où il ressort en 2005 muni de cinq premiers prix. Il se perfectionne par la suite à Genève auprès de Michael Jarrell et Pascal Dusapin pour la composition. Depuis lors il a une double activité de compositeur et de pianiste reconnu pour l’extrême variété de son répertoire.
Jean-Frédéric Neuburger reçoit de nombreuses commandes, notamment du Boston Symphony Orchestra, du Festival d’Evian, de Radio-France, du Concours International Long-‐Thibaud, des Folles Journées de Nantes, et ses œuvres ont été jouées par l’Orchestre de Paris et le Boston Symphony Orchestra sous la direction de Christoph von Dohnanyi et le Chœur et l’Orchestre Philharmonique de Radio France sous la direction de Pascal Rophé. Ses œuvres de musique de chambre ont été jouées par Henri Demarquette, François Salque, Nicolas Dautricourt, Lise Berthaud, Raphaël Sévère, Bertrand Chamayou en des lieux tels que le Lincoln Center, Lucerne Festival, Musikverein Vienna.
Il se produit en soliste avec les orchestres les plus prestigieux (New-York Philharmonic, San Francisco Symphony, Philadelphia Orchestra, NHK Symphony, Orchestre Philharmonique de Radio France, Orchestre de Paris, Orchestre du Capitole de Toulouse…) et collabore avec des chefs renommés comme François-Xavier Roth, Paavo Jarvi, David Zinman, Jonathan Nott, Michael Tilson Thomas. Il a aussi travaillé avec Pierre Boulez notamment pour étudier sa Deuxième Sonate pour piano. En janvier 2014, l’Auditorium du Louvre lui a offert une carte blanche de six concerts.
Il est invité par les plus grands festivals internationaux (Verbier, Lucerne, Klavier-Festival Ruhr, La Roque d’Anthéron, Saratoga, La Jolla Music Society) et en tant que chambriste il se produit avec les plus brillants musiciens de sa génération, comme le Quatuor Modigliani, Bertrand Chamayou, Renaud Capuçon, Raphaël Sévère.
Récemment, on a pu l’entendre au Brésil et au Festival Musica de Strasbourg avec Jean-François Heisser dans Mantra de Stockhausen, à Boston avec Christoph von Dohnányi pour le Concerto pour piano de Schumann, ainsi qu’au Lincoln Center de New York pour la première aux Etats-Unis de sa pièce Plein Ciel. En février 2018, il a donné la première encensée par la critique de son propre concerto pour piano avec l’Orchestre Philharmonique de Radio France et Jonathan Stockhammer. Il a également joué à la Philharmonie de Berlin, à la Philharmonie de Paris et au Lucerne Festival avec un programme d’œuvres de Rihm et Schumann, ainsi que la première d’Alavo de Vito Zuraj avec les musiciens de la Berlin Philharmonic Academy.
Il consacre une partie importante de son activité d’interprète à la diffusion de la musique d’aujourd’hui : il crée en 2012 le Concerto pour piano de Philippe Manoury avec l’orchestre de Paris dirigé par Ingo Metzmacher ainsi que des œuvres de Bruno Mantovani, Phillip Maintz, Yves Chauris. Ses disques ont été salués par la presse internationale. Le « Live at Suntory Hall » paru en 2008 obtint un « Choc » du Monde de la Musique et son enregistrement des Concertos pour piano de Ferdinand Herold a reçu un « Choc » de Classica.
Jean-Frédéric Neuburger reçoit le prix Lili et Nadia Boulanger de l’Académie des Beaux-Arts et le Prix Hervé Dugardin de la Sacem 2015.
L’innovation incessante d’Esa-Pekka Salonen le pousse à repositionner constamment la musique classique au 21e siècle. Il est connu à la fois comme compositeur et chef d’orchestre et est actuellement le chef d’orchestre principal et conseiller artistique du Philharmonia Orchestra de Londres. Il est le directeur musical désigné de l’Orchestre symphonique de San Francisco ; la saison 2020-21 sera sa première en tant que directeur musical. Il est artiste associé à l’Opéra et au Ballet national finlandais. Il a récemment rejoint la faculté de la Colburn School de Los Angeles, où il a développé, dirigé et mis en place le programme pré-professionnel de direction d’orchestre pour les Negaunee.
Il est chef d’orchestre lauréat de l’Orchestre symphonique de la radio suédoise et de l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, dont il a été le directeur musical de 1992 à 2009. Salonen a cofondé – et de 2003 à 2018 a été directeur artistique – le festival annuel de la mer Baltique, qui invite des artistes célèbres à promouvoir l’unité et la conscience écologique parmi les pays autour de la mer Baltique.
Né à Marseille en 1981, Jonathan Gilad commence l’étude du piano au Conservatoire National de Région de Marseille dans la classe de Pierre Pradier. Il remporte en 1992 le Premier Grand Prix de la ville de Marseille en classe de piano et la Médaille d’or en classe de musique de chambre. En 1991, Jonathan Gilad obtient le prix de l’Académie d’été à Salzbourg. Il est également lauréat de la Fondation Natexis pour l’année 2002. A partir de 1991, Jonathan Gilad suit l’enseignement de Dmitry Bashkirov à Madrid ainsi qu’à Salzbourg. Entre 1992 et 2000, il travaille également auprès de Tatiana Dernovski et de 1999 à 2001, il étudie à la Fondation Internationale de Piano de Cadenabbia (Lac de Côme) où il a l’occasion de se perfectionner auprès de Karl-Ulrich Schnabel, Leon Fleisher ou encore Fou-Tsong.
Habitués de nombreux festivals (Ravinia, Aspen, Klavier Ruhr Festival, Lucerne ou encore Verbier), il joue dans de prestigieuses salles (Carnegie Hall à New York, Herkulessaal à Munich, Wigmore Hall à Londres, la Philharmonie à Berlin mais encore le Concertgebouw à Amsterdam). Il a déjà eu également l’occasion de se produire avec de nombreux orchestres tels que l’Orchestre Symphonique de Chicago, l’Orchestre Symphonique de Boston, l’Orchestre Symphonique de Baltimore, l’Orchestre de Paris, l’Orchestre National de France, l’Orchestre Philharmonique d’Israël, l’Orchestre Philharmonique de Saint-Pétersbourg, la Camerata Academica de Salzbourg, l’Orchestre del Maggio Musicale de Florence, l’Orchestre Symphonique de l’Etat de Saõ Paulo, l’Orchestre de la Suisse Romande, l’Orchestre de Chambre de Lausanne, sous la direction de Daniel Barenboim, Sir Neville Marriner, Zubin Mehta, Eiji Oue, Seiji Ozawa, Vladimir Spivakov, Yuri Temirkanov, Sandor Vegh, Alain Lombard ou encore Tugan Sokhiev.
Jonathan Gilad joue régulièrement en musique de chambre avec des partenaires tels que Julia Fischer, Viviane Hagner, Danjulo Ishizaka, Mihaela Martin, Nikolaj Znaider, Frans Helmerson, Daniel Müller-Schott, Renaud et Gautier Capuçon. Ses engagements récents le conduisent à Munich (Philharmonie avec l’Orchestre National de Russie), Francfort (Alte Oper avec le Frankfurter Museumsorchester et la Junge Deutsche Philharmonie), Paris (au Théâtre du Châtelet et au Théâtre des Champs-Elysées avec l’Orchestre National de France), à Cologne (Philharmonie) ainsi qu’à Verbier, Stavanger ou encore à Jérusalem.
Il a publié un disque chez EMI dans la série « Début » et dans lequel il interprète des œuvres de Mozart, Beethoven et Brahms. Ce disque lui a valu une nomination aux « Victoires de la Musique Classique 1999 ». Chez Lyrinx, Jonathan Gilad a enregistré 3 CDs (Beethoven, Mozart puis Rachmaninov et Prokofiev). Avec Daniel Müller-Schott et aux côtés de Julia Fischer, il a gravé, chez PentaTone, les trios de Mendelssohn. Ce disque a été récompensé par un Diapason d’Or. Toujours avec Daniel Müller-Schott, chez Orfeo, il a enregistré un CD consacré au répertoire pour violoncelle et piano de Mendelssohn.
Alisa Weilerstein est l’une des plus grandes violoncellistes de notre temps. Reconnue pour son art consommé, son investissement émotionnel et sa rare profondeur d’interprétation, elle a reçu une bourse MacArthur « Genius Grant » en 2011. Aujourd’hui, sa carrière est véritablement mondiale, l’emmenant sur les scènes internationales les plus prestigieuses pour des récitals en solo, des concerts de chambre et des collaborations de concerto avec tous les chefs et orchestres les plus éminents du monde.
« Weilerstein est un retour à un âge antérieur d’interprètes classiques : non contente de servir de réceptacle aux souhaits du compositeur, elle habite pleinement une pièce et la tourne à ses propres fins », s’émerveille le New York Times. « Le violoncelle de Weilerstein est son idole. Elle ne donne pas du tout l’impression que faire de la musique implique une volonté. Elle et le violoncelle semblent simplement être une seule et même chose », convient le Los Angeles Times. Comme l’a dit le Telegraph britannique, « Weilerstein est vraiment un phénomène ».
Weilerstein s’est produit avec tous les grands orchestres des États-Unis, d’Europe et d’Asie, collaborant avec des chefs d’orchestre tels que Marin Alsop, Daniel Barenboim, Jiří Bělohlávek, Semyon Bychkov, Thomas Dausgaard, Sir Andrew Davis, Gustavo Dudamel, Sir Mark Elder, Alan Gilbert, Giancarlo Guerrero, Bernard Haitink, Pablo Heras-Casado, Marek Janowski, Paavo Järvi, Lorin Maazel, Cristian Măcelaru, Zubin Mehta, Ludovic Morlot, Yannick Nézet-Séguin, Peter Oundjian, Rafael Payare, Donald Runnicles, Yuri Temirkanov, Michael Tilson Thomas, Osmo Vänskä, Joshua Weilerstein, Simone Young et David Zinman.
En 2009, elle a été l’une des quatre artistes invitées par Michelle Obama à participer à un événement de musique classique de grande envergure et largement célébré à la Maison Blanche, comprenant des ateliers d’étudiants animés par la Première Dame et des représentations devant un public comprenant le Président Obama et la Première Famille. Un mois plus tard, Mme Weilerstein a effectué une tournée au Venezuela en tant que soliste avec l’orchestre symphonique Simón Bolívar dirigé par M. Dudamel. Depuis, elle a effectué de nombreuses visites pour enseigner et se produire avec l’orchestre dans le cadre du célèbre programme d’éducation musicale El Sistema.
Née en 1982, Alisa Weilerstein a découvert son amour pour le violoncelle à seulement deux ans et demi, lorsqu’elle a eu la varicelle et que sa grand-mère a assemblé un ensemble d’instruments de fortune à partir de boîtes de céréales pour la divertir. Bien qu’immédiatement attirée par le violoncelle en boîte des Rice Krispies, Alisa Weilerstein a vite été frustrée par le fait qu’il ne produisait aucun son. Après avoir persuadé ses parents de lui acheter un vrai violoncelle à l’âge de quatre ans, elle a développé une affinité naturelle pour cet instrument et a donné sa première représentation publique six mois plus tard. À 13 ans, en 1995, elle a fait ses débuts en concert professionnel, jouant les Variations « Rococo » de Tchaïkovski avec l’Orchestre de Cleveland, et en mars 1997, elle a fait sa première apparition au Carnegie Hall avec le New York Youth Symphony.
Diplômée du Young Artist Program du Cleveland Institute of Music, où elle a étudié avec Richard Weiss, Weilerstein est également titulaire d’un diplôme d’histoire de l’université de Columbia. Elle a été diagnostiquée avec le diabète de type 1 (T1D) à l’âge de neuf ans, et est une ardente défenseuse de la communauté T1D, en tant que consultante pour la société de biotechnologie eGenesis et en tant que défenseur des célébrités pour la FRDJ, le leader mondial de la recherche sur le T1D. Née dans une famille de musiciens, elle est la fille du violoniste Donald Weilerstein et de la pianiste Vivian Hornik Weilerstein, et la sœur du chef d’orchestre Joshua Weilerstein. Elle est mariée au chef d’orchestre vénézuélien Rafael Payare, avec lequel elle a un jeune enfant.
Acclamé dans le monde entier pour sa musicalité profonde et sa maîtrise technique, le violoncelliste britannique Steven Isserlis mène une carrière particulièrement variée en tant que soliste, musicien de chambre, pédagogue, auteur et animateur. Il se produit avec les orchestres et chefs d’orchestre les plus prestigieux et donne des récitals dans les grandes capitales musicales. En musique de chambre, il a conçu des cycles de concerts pour de nombreux lieux prestigieux, notamment le Wigmore Hall à Londres, le 92nd Street Y à New York et le Festival de Salzbourg. De manière inhabituelle, il dirige également des orchestres de chambre depuis le violoncelle dans des programmes classiques.
Il s’intéresse particulièrement à la musique historique, travaillant avec de nombreux orchestres sur instruments d’époque et donnant des récitals avec clavecin et pianoforte. Il est également un fervent interprète de musique contemporaine et a créé de nombreuses œuvres, dont The Protecting Veil de Sir John Tavener, Lieux retrouvés de Thomas Adès, trois œuvres pour violoncelle seul de György Kurtág, ainsi que des pièces de Heinz Holliger et Jörg Widmann.
La discographie très variée de Steven comprend les suites pour violoncelle seul de J. S. Bach (récompensées par le Gramophone Instrumental Album of the Year), l’intégrale des œuvres pour violoncelle et piano de Beethoven, les concertos de C. P. E. Bach et Haydn, les concertos d’Elgar et de Walton, ainsi que le double concerto de Brahms avec Joshua Bell et l’Academy of St Martin in the Fields.
Depuis 1997, Steven est directeur artistique du International Musicians Seminar à Prussia Cove, en Cornouailles. Il prend également plaisir à jouer pour les enfants et a créé trois histoires musicales avec la compositrice Anne Dudley. Ses deux livres pour enfants, publiés par Faber & Faber, ont été traduits en de nombreuses langues ; son dernier ouvrage pour Faber est un commentaire sur Conseils aux jeunes musiciens de Schumann, et un livre consacré aux suites de Bach a été publié en 2021. Il a également conçu et écrit deux soirées mêlant textes et musique, l’une décrivant les dernières années de Robert Schumann, l’autre consacrée à Marcel Proust et ses salons, et a présenté de nombreux programmes radiophoniques, dont des documentaires sur deux de ses héros : Robert Schumann et Harpo Marx.
Récompensé par de nombreux prix, Steven a reçu notamment un CBE pour ses services rendus à la musique, le Prix Schumann de la ville de Zwickau, le Prix Piatigorsky et le Maestro Foundation Genius Grant aux États-Unis, le Glashütte Award en Allemagne, la Médaille d’or décernée par le Ministère arménien de la Culture et la Wigmore Medal.
Steven joue le Stradivarius “Marquis de Corberon” de 1726, prêté par la Royal Academy of Music.
Anastasia Kobekina est née en 1994 à Yekaterinburg en Russie. A l’àge de 4 ans, elle commence à jouer du violoncelle. A partir de 2006, elle étudie à la Central Musical School à Moscou, dans la classe de Mme Galochkina. Elle a joué comme soliste avec le « Moscow Virtuosi » Orchestra, le Vienna’s Symphony Orchestra,
le Svetlanov Symphonic Orchestra de Russie, le « Sinfonia Varsovia » Orchestra sous la baguette de Krzysztof Penderecki et l’Orchestre du Théâtre Mariinsky et Valery Gergiev. Elle a participé à des masterclasses auprès d’éminents violoncellistes tels que Gary Hoffman, Gautier Capuçon ou David Geringas et à de prestigieuses académies comme la Verbier Festival Academy, le projet Chamber Music Connects the World à Kronberg, avec avec Gidon Kremer, András Schiff et Yuri Bashmet.
Elle a joué au Berlin Koncerthaus, au Henry le Boeuf Hall Brussels, au Théâtre du Bolchoï de Moscou et au Avery Fisher Hall Lincoln Centre New York.
Depuis octobre 2012, la jeune Russe étudie en tant que jeune soliste à la Kronberg Academy avec Frans Helmerson. Elle joue un violoncelle de Giovanni Guadagnini 1745.
« Violoncelliste remarquable » selon le New York Times ou « pure perfection » selon Gramophone, Kian Soltani tisse un lien avec son public par son habileté à créer des univers musicaux édifiants. Il a été propulsé sur le devant de la scène en gagnant l’International Paulo Cello Competition à Helsinki en 2013. Titulaire d’une bourse de la Fondation Anne-Sophie Mutter, il a étudié à la Musik-Akademie Basel et s’est perfectionné au sein du Young Soloist Programme de la Kronberg Academy. Il étend la portée de ses collaborations avec des musiciens d’exception en Europe et aux États-Unis, en musique de chambre ou aux côtés de chefs tels que Daniel Barenboim et Tugan Sokhiev. Il joue le violoncelle « Londres, ex–Boccherini » d’Antonio Stradivari.