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Alisa Weilerstein est l’une des plus grandes violoncellistes de notre temps. Reconnue pour son art consommé, son investissement émotionnel et sa rare profondeur d’interprétation, elle a reçu une bourse MacArthur « Genius Grant » en 2011. Aujourd’hui, sa carrière est véritablement mondiale, l’emmenant sur les scènes internationales les plus prestigieuses pour des récitals en solo, des concerts de chambre et des collaborations de concerto avec tous les chefs et orchestres les plus éminents du monde.
« Weilerstein est un retour à un âge antérieur d’interprètes classiques : non contente de servir de réceptacle aux souhaits du compositeur, elle habite pleinement une pièce et la tourne à ses propres fins », s’émerveille le New York Times. « Le violoncelle de Weilerstein est son idole. Elle ne donne pas du tout l’impression que faire de la musique implique une volonté. Elle et le violoncelle semblent simplement être une seule et même chose », convient le Los Angeles Times. Comme l’a dit le Telegraph britannique, « Weilerstein est vraiment un phénomène ».
Weilerstein s’est produit avec tous les grands orchestres des États-Unis, d’Europe et d’Asie, collaborant avec des chefs d’orchestre tels que Marin Alsop, Daniel Barenboim, Jiří Bělohlávek, Semyon Bychkov, Thomas Dausgaard, Sir Andrew Davis, Gustavo Dudamel, Sir Mark Elder, Alan Gilbert, Giancarlo Guerrero, Bernard Haitink, Pablo Heras-Casado, Marek Janowski, Paavo Järvi, Lorin Maazel, Cristian Măcelaru, Zubin Mehta, Ludovic Morlot, Yannick Nézet-Séguin, Peter Oundjian, Rafael Payare, Donald Runnicles, Yuri Temirkanov, Michael Tilson Thomas, Osmo Vänskä, Joshua Weilerstein, Simone Young et David Zinman.
En 2009, elle a été l’une des quatre artistes invitées par Michelle Obama à participer à un événement de musique classique de grande envergure et largement célébré à la Maison Blanche, comprenant des ateliers d’étudiants animés par la Première Dame et des représentations devant un public comprenant le Président Obama et la Première Famille. Un mois plus tard, Mme Weilerstein a effectué une tournée au Venezuela en tant que soliste avec l’orchestre symphonique Simón Bolívar dirigé par M. Dudamel. Depuis, elle a effectué de nombreuses visites pour enseigner et se produire avec l’orchestre dans le cadre du célèbre programme d’éducation musicale El Sistema.
Née en 1982, Alisa Weilerstein a découvert son amour pour le violoncelle à seulement deux ans et demi, lorsqu’elle a eu la varicelle et que sa grand-mère a assemblé un ensemble d’instruments de fortune à partir de boîtes de céréales pour la divertir. Bien qu’immédiatement attirée par le violoncelle en boîte des Rice Krispies, Alisa Weilerstein a vite été frustrée par le fait qu’il ne produisait aucun son. Après avoir persuadé ses parents de lui acheter un vrai violoncelle à l’âge de quatre ans, elle a développé une affinité naturelle pour cet instrument et a donné sa première représentation publique six mois plus tard. À 13 ans, en 1995, elle a fait ses débuts en concert professionnel, jouant les Variations « Rococo » de Tchaïkovski avec l’Orchestre de Cleveland, et en mars 1997, elle a fait sa première apparition au Carnegie Hall avec le New York Youth Symphony.
Diplômée du Young Artist Program du Cleveland Institute of Music, où elle a étudié avec Richard Weiss, Weilerstein est également titulaire d’un diplôme d’histoire de l’université de Columbia. Elle a été diagnostiquée avec le diabète de type 1 (T1D) à l’âge de neuf ans, et est une ardente défenseuse de la communauté T1D, en tant que consultante pour la société de biotechnologie eGenesis et en tant que défenseur des célébrités pour la FRDJ, le leader mondial de la recherche sur le T1D. Née dans une famille de musiciens, elle est la fille du violoniste Donald Weilerstein et de la pianiste Vivian Hornik Weilerstein, et la sœur du chef d’orchestre Joshua Weilerstein. Elle est mariée au chef d’orchestre vénézuélien Rafael Payare, avec lequel elle a un jeune enfant.
Acclamé dans le monde entier pour sa musicalité profonde et sa maîtrise technique, le violoncelliste britannique Steven Isserlis mène une carrière particulièrement variée en tant que soliste, musicien de chambre, pédagogue, auteur et animateur. Il se produit avec les orchestres et chefs d’orchestre les plus prestigieux et donne des récitals dans les grandes capitales musicales. En musique de chambre, il a conçu des cycles de concerts pour de nombreux lieux prestigieux, notamment le Wigmore Hall à Londres, le 92nd Street Y à New York et le Festival de Salzbourg. De manière inhabituelle, il dirige également des orchestres de chambre depuis le violoncelle dans des programmes classiques.
Il s’intéresse particulièrement à la musique historique, travaillant avec de nombreux orchestres sur instruments d’époque et donnant des récitals avec clavecin et pianoforte. Il est également un fervent interprète de musique contemporaine et a créé de nombreuses œuvres, dont The Protecting Veil de Sir John Tavener, Lieux retrouvés de Thomas Adès, trois œuvres pour violoncelle seul de György Kurtág, ainsi que des pièces de Heinz Holliger et Jörg Widmann.
La discographie très variée de Steven comprend les suites pour violoncelle seul de J. S. Bach (récompensées par le Gramophone Instrumental Album of the Year), l’intégrale des œuvres pour violoncelle et piano de Beethoven, les concertos de C. P. E. Bach et Haydn, les concertos d’Elgar et de Walton, ainsi que le double concerto de Brahms avec Joshua Bell et l’Academy of St Martin in the Fields.
Depuis 1997, Steven est directeur artistique du International Musicians Seminar à Prussia Cove, en Cornouailles. Il prend également plaisir à jouer pour les enfants et a créé trois histoires musicales avec la compositrice Anne Dudley. Ses deux livres pour enfants, publiés par Faber & Faber, ont été traduits en de nombreuses langues ; son dernier ouvrage pour Faber est un commentaire sur Conseils aux jeunes musiciens de Schumann, et un livre consacré aux suites de Bach a été publié en 2021. Il a également conçu et écrit deux soirées mêlant textes et musique, l’une décrivant les dernières années de Robert Schumann, l’autre consacrée à Marcel Proust et ses salons, et a présenté de nombreux programmes radiophoniques, dont des documentaires sur deux de ses héros : Robert Schumann et Harpo Marx.
Récompensé par de nombreux prix, Steven a reçu notamment un CBE pour ses services rendus à la musique, le Prix Schumann de la ville de Zwickau, le Prix Piatigorsky et le Maestro Foundation Genius Grant aux États-Unis, le Glashütte Award en Allemagne, la Médaille d’or décernée par le Ministère arménien de la Culture et la Wigmore Medal.
Steven joue le Stradivarius “Marquis de Corberon” de 1726, prêté par la Royal Academy of Music.
Anastasia Kobekina est née en 1994 à Yekaterinburg en Russie. A l’àge de 4 ans, elle commence à jouer du violoncelle. A partir de 2006, elle étudie à la Central Musical School à Moscou, dans la classe de Mme Galochkina. Elle a joué comme soliste avec le « Moscow Virtuosi » Orchestra, le Vienna’s Symphony Orchestra,
le Svetlanov Symphonic Orchestra de Russie, le « Sinfonia Varsovia » Orchestra sous la baguette de Krzysztof Penderecki et l’Orchestre du Théâtre Mariinsky et Valery Gergiev. Elle a participé à des masterclasses auprès d’éminents violoncellistes tels que Gary Hoffman, Gautier Capuçon ou David Geringas et à de prestigieuses académies comme la Verbier Festival Academy, le projet Chamber Music Connects the World à Kronberg, avec avec Gidon Kremer, András Schiff et Yuri Bashmet.
Elle a joué au Berlin Koncerthaus, au Henry le Boeuf Hall Brussels, au Théâtre du Bolchoï de Moscou et au Avery Fisher Hall Lincoln Centre New York.
Depuis octobre 2012, la jeune Russe étudie en tant que jeune soliste à la Kronberg Academy avec Frans Helmerson. Elle joue un violoncelle de Giovanni Guadagnini 1745.
« Violoncelliste remarquable » selon le New York Times ou « pure perfection » selon Gramophone, Kian Soltani tisse un lien avec son public par son habileté à créer des univers musicaux édifiants. Il a été propulsé sur le devant de la scène en gagnant l’International Paulo Cello Competition à Helsinki en 2013. Titulaire d’une bourse de la Fondation Anne-Sophie Mutter, il a étudié à la Musik-Akademie Basel et s’est perfectionné au sein du Young Soloist Programme de la Kronberg Academy. Il étend la portée de ses collaborations avec des musiciens d’exception en Europe et aux États-Unis, en musique de chambre ou aux côtés de chefs tels que Daniel Barenboim et Tugan Sokhiev. Il joue le violoncelle « Londres, ex–Boccherini » d’Antonio Stradivari.
La pianiste Elena Bashkirova, née à Moscou, a étudié au Conservatoire Tchaïkovski dans la classe de maître dirigée par son père, le célèbre pianiste et professeur de musique Dimitrij Bashkirov. Les différentes facettes de son activité créative – pièces d’orchestre, musique de chambre, récitals, accompagnement de chansons et programmation – sont toutes aussi importantes pour Elena Bashkirova, et ses expériences dans chaque domaine sont une source constante d’inspiration pour son travail dans les autres. Elena Bashkirova explore le répertoire classique et romantique ainsi que la musique du XXe siècle ; son travail a été fortement influencé par les collaborations et les échanges avec des artistes tels que Pierre Boulez, Sergiu Celibidache, Christoph von Dohnányi et Michael Gielen. Elle bénéficie de partenariats de longue date avec des chefs d’orchestre tels que Lawrence Foster, Karl-Heinz Steffens, Ivor Bolton, Manfred Honeck et Antonello Manacorda.
Il y a vingt ans, elle a fondé le Festival international de musique de chambre de Jérusalem, un événement qui se déroule chaque année en septembre et dont elle continue à assurer la direction artistique. Le festival est devenu un élément important de la vie culturelle israélienne. Depuis 2012, un festival partenaire a lieu chaque année en avril au Musée juif de Berlin ; il s’est également révélé très populaire.
Grâce aux prestations de l’ensemble du « Jerusalem Chamber Music Festival » dans des séries de musique de chambre renommées à Berlin, Paris, Londres, Salzbourg, Vienne, Luxembourg, Lisbonne, Budapest, Buenos Aires et São Paulo, ainsi que dans des festivals d’été internationaux tels que le Lucerne Festival, le Verbier Festival, le Rheingau Musik Festival, le George Enescu Festival de Bucarest, le Ruhr Piano Festival et le Bonn Beethovenfest, le rayonnement du festival dépasse largement les frontières d’Israël.
L’éblouissante virtuosité de Michael Collins et sa sensibilité musicale lui ont valu d’être reconnu comme l’un des artistes les plus éminents d’aujourd’hui et comme l’un des principaux représentants de son instrument. À 16 ans, il a remporté le prix des bois lors du premier concours du jeune musicien de l’année de la BBC, avant de faire ses débuts américains au Carnegie Hall de New York à l’âge de 22 ans. Depuis, il s’est produit en soliste avec de nombreux orchestres parmi les plus importants du monde et a noué des liens étroits avec les plus grands chefs d’orchestre. Collins a également la distinction d’être le soliste à vent le plus souvent invité aux BBC Proms, y compris plusieurs apparitions à la célèbre Last Night of the Proms.
Au cours des dernières saisons, Collins est devenu de plus en plus considéré comme un chef d’orchestre et en septembre 2010, il a pris le poste de chef d’orchestre principal du City of London Sinfonia. Son succès dans ce rôle témoigne de son talent naturel de musicien et de son leadership galvanisant, qui se manifeste tant dans son jeu que dans sa direction.
Il a notamment dirigé le Philharmonia, l’Academy of St Martin in the Fields, les London Mozart Players, le BBC Scottish Symphony Orchestra, l’Ulster Orchestra, le Kymi Sinfonietta, le Philharmonia d’Auckland et l’Orchestre symphonique de Tasmanie.
Très demandé en tant que chambriste, Collins se produit avec des collègues musiciens tels que les quatuors Belcea et Takács, Martha Argerich, Stephen Hough, Mikhail Pletnev, Lars Vogt, Joshua Bell et Steven Isserlis. Lors de sa résidence au Wigmore Hall, il a joué avec András Schiff, Piers Lane et le quatuor à cordes Endellion. Son ensemble, London Winds, fêtera son vingt-cinquième anniversaire en 2013, avec une composition entièrement inchangée durant cette période. Le groupe tient un agenda chargé avec des engagements de haut niveau tels que les BBC Proms, le Festival d’Aldeburgh, le Festival d’Edimbourg, le Festival de la City de Londres, le Festival international de Cheltenham et le Bath Mozartfest. Collins est également directeur artistique du Liberation International Music Festival à Jersey.
Lars Vogt s’est imposé comme l’un des musiciens les plus importants de sa génération. Né dans la ville allemande de Düren en 1970, il s’est fait connaître du public pour la première fois lorsqu’il a remporté le deuxième prix du Concours international de piano de Leeds en 1990. Il mène une carrière variée depuis plus de vingt-cinq ans. Sa polyvalence en tant qu’artiste va du répertoire classique de base de Mozart, Beethoven, Schumann et Brahms aux romantiques Grieg, Tchaïkovski et Rachmaninov en passant par l’éblouissant concerto de Lutoslawski.
Au cours de sa carrière prestigieuse, Lars s’est produit avec de nombreux grands orchestres du monde entier, notamment l’Orchestre du Royal Concertgebouw, l’Orchestre de Paris, l’Orchestre de Santa Cecilia, le Berliner Philharmoniker, le Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, le Bayerischer Rundfunk Munich, la Staatskapelle Dresden, le Wiener Philharmoniker, le London Philharmonic, le London Symphony Orchestra, le New York Philharmonic, le Philadelphia Orchestra, le Boston Symphony et le NHK Symphony.
Depuis septembre 2015, Lars est directeur musical de la Royal Northern Sinfonia à Sage Gateshead au Royaume-Uni, un poste qu’il occupe depuis cinq ans. La saison 2019/20 marque sa dernière saison avant qu’il ne devienne le principal partenaire artistique de l’orchestre. En tant que chef d’orchestre, Lars a également travaillé avec de nombreux orchestres de premier plan, notamment les orchestres de chambre de Cologne et de Zurich, l’Orchestre de chambre de Paris, la Camerata Salzburg, la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, l’Orchestre de l’Opéra de Hanovre, le Frankfurt Museumorchester, l’Orchestre philharmonique de Varsovie et les orchestres symphoniques de Sydney, Singapour et Nouvelle-Zélande. En mai 2019, il a entrepris une tournée très remarquée en Allemagne et en France à la tête du Mahler Chamber Orchestra, avec des concerts à Berlin, Munich et Paris.
Depuis 2017, Stephen McHolm est directeur de la Verbier Festival Academy. McHolm a apporté une approche nouvelle à l’Aacademy dès son arrivée, avec une passion pour le travail avec les jeunes artistes afin de créer des connexions avec les publics contemporains. M. McHolm a également lancé la division UNLTD du Festival, un concept inventif qui vise à perturber les normes, à repousser les limites et à éveiller la curiosité musicale. UNLTD met en lumière les talents émergents, notamment les étudiants de la Verbier Festival Academy et ces anciens élèves, et propose des spectacles interactifs attrayants pour toutes les générations. Pendant les douze années qui ont précédé son arrivée en Suisse, M. McHolm a fait de la Fondation du concours international de piano Honens l’une des organisations internationales de musique classique les plus respectées et les plus étendues du Canada, découvrant, soutenant, présentant et promouvant les talents de concertistes émergents. Il a été décrit comme un « rebelle et un révolutionnaire » par le magazine Avenue de Calgary, ce qui témoigne de son travail de construction de nouveaux publics pour la musique classique et de formation d’artistes prêts à entamer une carrière au XXIe siècle. Le programme de développement artistique et de carrière de Honens, ainsi que le label d’enregistrement Honens, qu’il a fondé en 2008, ont été présentés comme des modèles pour les principaux concours internationaux de musique et les fonds de développement des artistes dans le monde.