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Avec une oeuvre qui embrasse et défie les traditions classiques occidentales, Gabriel Prokofiev et sa nouvelle approche de la musique classique se sont imposé sur la scène internationale, en ce début de XXIe siècle. Après avoir terminé ses études musicales aux universités de Birmingham et de York, et insatisfait du monde « insulaire » de la musique classique contemporaine, il a développé une carrière musicale parallèle en tant que producteur d’électro et de hip-hop. Cette formation en musique de danse, mêlée à ses racines classiques, donne à sa musique un son unique et résolument contemporain.
Gabriel Prokofiev s’est constitué un vaste corpus d’œuvres orchestrales et de musique de chambre, et a composé sept concertos (dont trois pour platine vinyle), ainsi que de nombreuses œuvres électroniques, associant souvent synthétiseurs et sampleurs à instrumentation classique. Ses œuvres ont été jouées dans le monde entier par des orchestres tels que le Seattle Symphony, le Detroit Symphony, le St Petersburg Philharmonic, le Moscow State Symphony, le BBC Philharmonic, le MDR Leipzig, le Copenhagen Phil, le Luxembourg Philharmonique, le Buenos Aires Filharmonica, le Porto Symphony et le Real Orquesta de Sevilla. De plus, il collabore fréquemment avec des danseurs contemporains et a travaillé avec des compagnies telles que le Stuttgarter Ballet, Rambert Dance, Bern Ballet, Shobana Jeyasingh, Birmingham Royal Ballet, Alexander Whitley Dance et Gandini Juggling. En 2019, son premier opéra complet Elizabetta a été créé par l’Opéra de Ratisbonne en Bavière.
Gabriel est également commissaire d’événements, producteur et fondateur de la maison de disques Nonclassical et des évènements associés qui accueillent une foule d’artistes défiant les conventions. Grâce à Nonclassical, il a été l’un des principaux artisans d’une nouvelle manière de présenter la musique classique dans des lieux inhabituels ; et il se produit régulièrement dans les boîtes de nuit, les entrepôts et les festivals de musique électronique de l’est de Londres, souvent en tant que DJ et en effectuant des remixes en direct des œuvres qui viennent d’être jouées.
Gabriel Prokofiev a étudié la composition électroacoustique avec Jonty Harrison à Birmingham, et possède un master en composition effectué avec Ambrose Field & Roger Marsh. Il est publié par Faber Music et Mute Song, et réside à Hackney, à Londres, avec sa femme et leurs trois jeunes enfants.
Joshua Bell est un violoniste américain récompensé aux GRAMMY®, considéré comme l’un des artistes les plus célèbres de sa génération. Sa carrière, qui s’étend sur près de quatre décennies, l’a vu se produire comme soliste, chambriste, chef d’orchestre et directeur musical de l’Academy of St Martin in the Fields depuis 2011, succédant à Sir Neville Marriner.
Il se produit avec les plus grands orchestres du monde, dont le Philharmonique de Berlin, l’Orchestre National de France et le New York Philharmonic. Ses projets récents incluent des tournées en Europe, Amérique du Sud et aux États-Unis, ainsi que des collaborations avec des artistes tels que Steven Isserlis, Jeremy Denk, Renée Fleming, Chick Corea, Sting ou Anoushka Shankar.
Bell est aussi un défenseur de la musique contemporaine, créant des œuvres de John Corigliano, Edgar Meyer, Behzad Ranjbaran ou Nicholas Maw. Il a participé à la bande originale de films, notamment The Red Violin (Oscar pour Corigliano) et Ladies in Lavender, et a innové avec des projets numériques et éducatifs, dont des expériences VR et la collaboration avec l’application Trala pour l’enseignement du violon.
Son engagement pédagogique se manifeste avec Education Through Music et Turnaround Arts, ainsi que par des masterclasses et concerts familiaux autour du projet The Man With The Violin.
Joshua Bell joue sur le violon Huberman Stradivarius de 1713 et a enregistré plus de 40 albums, recevant de nombreux prix dont GRAMMY®, Gramophone et OPUS KLASSIK. Il a commencé le violon à 4 ans, a étudié avec Josef Gingold, et a fait ses débuts avec Riccardo Muti et l’Orchestre de Philadelphie à 14 ans, puis à Carnegie Hall à 17 ans.
Le pianiste russe Daniil Trifonov, primé aux Grammy Awards, est applaudi pour sa technique hors pair, sa rare sensibilité et son jeu profond. Il connaît une spectaculaire ascension depuis son accession au Premier Prix et au Grand Prix du Conservatoire international Tchaïkovski en 2011. Sacré Artist of the Year par Musical America (2019) et Gramophone (2016), Martha Argerich ne tarit pas d’éloges à son sujet : « Il a tout, et plus encore… la tendresse, tout comme la part démoniaque. Je n’ai jamais rien entendu de tel ». La saison actuelle lui fait enchaîner concertos avec l’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia et Antonio Pappano, ou encore avec l’Israel Philharmonic et Lahav Shani, programme à deux pianos avec Sergei Babayan au Teatro alla Scala, et récitals solos au Carnegie Hall et au Wiener Konzerthaus. Trifonov est un artiste exclusif Deutsche Grammophon, chez qui il a récemment enregistré Bach: The Art of Life.
Ana Chumachenco est l’une des professeurs de violon les plus reconnues internationalement. Son père, disciple du grand Leopold Auer, l’encourage dès l’âge de quatre ans à travailler le violon et se charge lui-même de ses premières leçons. À l’âge de dix-huit ans, elle remporte le premier prix du Concours international de violon Carl Fleisch, à Londres. Yehudi Menuhin, Joseph Sigeti et Sandor Vegh comptent alors parmi ses mentors. Si elle apparaît comme une soliste hors pair, passionnée par la musique de chambre, Ana Chumachenco affiche aussi un attrait particulier pour l’enseignement.
Fondatrice et directrice pédagogique de la Bulle d’Air—la Musique qui se partage—, Martine Pernoud est musicothérapeute, psychologue, flûtiste, chanteuse et gestionnaire d’entreprise. Elle anime des ateliers d’éveil musical et donne des cours de flûte depuis plus de 30 ans. Spécialiste en instruments Baschet, elle développe, coordonne et conduit des projets musicaux auprès d’enfants et d’adultes en situation de handicap. Formatrice d’adultes dans les institutions de la petite enfance, dans des institutions spécialisées, dans le cadre d’écoles supérieures, d’organismes de formation continue en Suisse et en France, elle assure également les formations annuelles auprès de l’équipe de la Bulle d’Air.
Augustin Dumay a débuté sa carrière en 1980 grâce à Herbert von Karajan qui l’a invité à jouer en soliste avec le Philharmonique de Berlin. Depuis, il s’est produit avec des orchestres de premier plan, sous la direction de chefs célèbres tels que Seiji Ozawa, Charles Dutoit, Yuri Temirkanov et Kurt Masur, ainsi qu’avec les grands chefs de la nouvelle génération. Augustin Dumay est également très actif dans le monde entier comme chef d’orchestre et est, depuis 2011, le Directeur musical de l’Orchestre philharmonique du Kansai. Très impliqué auprès de la jeune génération, il est Maître en résidence à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth, où il enseigne à de jeunes violonistes de très haut niveau. Ses 50 enregistrements pour EMI et Deutsche Grammophon ont remporté de multiples prix internationaux. Le violoniste français joue un Guarnerius del Gesu de 1743, qui était le violon de Leonid Kogan.
Recherché comme accompagnateur de chant et musicien de chambre, Jonathan Ware se produit régulièrement dans les plus grandes salles du monde, avec des apparitions récentes au Wigmore Hall de Londres, au Carnegie Hall de New York, au John F. Kennedy Center de Washington, à l’Elbphilharmonie de Hambourg, à la Philharmonie du Luxembourg, à L’Auditori de Barcelone, au Concertgebouw d’Amsterdam, au Théâtre des Champs-Élysées de Paris et à la Pierre Boulez Saal de Berlin.
Ware ouvre la saison 2021/22 avec une série de dates au Royaume-Uni aux côtés du violoniste Randall Goosby, de l’altiste Timothy Ridout et du violoncelliste Maciej Kułakowski, se produisant au St David’s Hall, Cardiff, au St George’s Hall, Bristol, au Town Hall de Leeds et au Wigmore Hall. Il se produit ensuite en Europe, notamment à la Kölner Philharmonie avec le contre-ténor Bejun Mehta, au Staatsoper unter den Linden et au Lied Festival Würzburg. Conçu avec la soprano Golda Schultz, le duo de longue date présente son nouveau programme de compositrices à travers l’Europe et l’Amérique du Nord, notamment à Philadelphie, San Francisco, Londres, Édimbourg, Berlin, Cologne et Aix-en-Provence. Intitulé « This Be Her Verse », ce programme a été enregistré pour une sortie en CD sur Alpha Classics en 2022.
Randall Goosby, violoniste américain ayant signé en exclusivité avec Decca Classics en 2020 à l’âge de 24 ans, est réputé pour sa musicalité sensible et intense, ainsi que pour son engagement à rendre la musique plus inclusive et plus accessible. Il défend les compositeurs sous-représentés et inspire les autres par son art.
Les temps forts de la saison 2023/24 de Goosby comprennent des débuts avec le Boston Symphony, le National Symphony, et des débuts européens avec le Rotterdam Philharmonic, le Danish National Radio Symphony, et le Oslo Philharmonic. En tant qu’artiste en résidence au Southbank Centre de Londres, Goosby interprétera le Concerto pour violon n° 3 de Mozart avec le London Philharmonic et se produira en récital à travers l’Europe et les États-Unis.
Goosby a fait ses débuts au festival Mostly Mozart en 2023, en interprétant le concerto pour violon de Tchaïkovski. Il a déjà collaboré avec des orchestres de premier plan, notamment l’Orchestre de Philadelphie, l’Orchestre philharmonique de Los Angeles et l’Orchestre national royal d’Écosse. Son premier album de concertos avec Yannick Nézet-Séguin et l’Orchestre de Philadelphie comprend des œuvres de Max Bruch et de Florence Price, et Gramophone a salué son jeu expressif.
Son premier album, Roots, est une célébration de la musique afro-américaine, explorant son évolution depuis les spirituals jusqu’aux compositions modernes. L’album comprend des enregistrements en première mondiale de musique de Florence Price et d’œuvres de William Grant Still et de Coleridge-Taylor Perkinson, ainsi qu’une pièce nouvellement commandée à Xavier Foley.
Fervent défenseur de l’éducation et de la sensibilisation, Goosby a travaillé avec des organisations telles que l’Opportunity Music Project et Concerts in Motion. Il a organisé une résidence avec l’Iris Collective à Memphis, reliant l’histoire familiale à la musique et encourageant la collaboration communautaire.
Goosby a reçu de nombreuses récompenses, dont les Young Concert Artists International Auditions 2018 et l’Avery Fisher Career Grant 2022. Il a étudié à l’école Juilliard avec Itzhak Perlman et joue sur un Stradivarius 1708 « ex-Strauss », généreusement prêté par la Samsung Foundation of Culture.
Artiste multimédia, né à Athènes en 1967, Marc Philippin a d’abord exercé le métier de comédien avant de se consacrer entièrement à sa passion pour les arts. Il entre aux Arts Décoratifs puis à l’École Supérieure d’Art Visuel de Genève, où il obtient son diplôme en 1992. Il s’engage ensuite dans une carrière de peintre. En 2006 il fonde le Kitchen-Project avec sa compagne Soômi Dean, un duo d’artistes multimédias qui utilisent la vidéo comme moyen d’expression scénique.
Ils développent un instrument visuel à quatre mains, qui propose une nouvelle forme de cinéma à la fois expérimentale et accessible à un large public. Aujourd’hui, Marc Philippin continue en solo ce projet artistique et a ouvert en 2013 KP, un espace virtuel d’art contemporain visible sur le web. Il propose actuellement des stages pour les enfants à l’institut Jaques-Dalcroze et participe au UNLTD du Verbier Festival en créant des ateliers d’art et d’animation proposés au jeune public.