Brad Mehldau

Brad Mehldau ist, wie der New Yorker 2023 schrieb, „wohl der bedeutendste derzeit aktive Jazzpianist“. Dies trifft sicherlich zu, auch wenn diese Formulierung dem Umfang seiner Begabungen kaum gerecht wird. Er etablierte sich vor über dreißig Jahren rasch und direkt als eine Art Jazz-Phänomen und hat seither die Grenzen des Genres stetig erweitert, während er gleichzeitig Erfolge in anderen Disziplinen feierte. Im Laufe seiner Karriere fand Mehldau ebenso geniale wie explorative Strategien, um seine verschiedenen Leidenschaften zu vereinen. Dabei spürte er die Schnittpunkte zwischen Jazz, Rock, Pop, Poesie und vielen anderen Interessengebieten auf – darunter jene deutsche Romantik, die seinem Werk eine so tiefgreifende emotionale Intensität verleiht. Dadurch wurde er zu einem der einflussreichsten lebenden Musiker.

Die Offenbarungen und Innovationen waren von Anfang an präsent. Ab Mitte der 1990er-Jahre, als Mehldau und seine Partner, der Kontrabassist Larry Grenadier und der Schlagzeuger Jorge Rossy, noch in ihren Zwanzigern waren, schufen sie eine frische und einzigartige Ästhetik für das Jazz-Pianotrio. Ihre Konzerte brachten eine Reihe erstaunlich fließender Widersprüche hervor: lyrisch und introspektiv, aber auch mitreißend und rhapsodisch. Sie erkundeten ungewöhnliche Taktarten und stellten gängige Vorstellungen über kollektive Interaktion infrage, während sie in jedem Moment einen Eindruck von Leichtigkeit und Staunen vermittelten. Auf die eine oder andere Weise gelang es Mehldau, die beiden markantesten Dimensionen seiner Kunst gleichberechtigt nebeneinander zu stellen: seine aus dem Innersten kommenden Improvisationserkundungen und seine Liebe zur Songform.

Im Jahr 1996 begann das Trio eine Serie von fünf Alben, die unter dem Titel The Art of the Trio veröffentlicht wurden und die Weitsicht der Gruppe sowie Mehldaus Bestreben, das Jazz-Repertoire zu erweitern, bestätigten. Für Songs: The Art of the Trio Volume Three, das 1998 erschien, wählte er „Exit Music (For a Film)“ von Radiohead und „River Man“ des rätselhaften Singer-Songwriters Nick Drake aus. Diese Auswahl war von einer ganz natürlichen Selbstverständlichkeit – als Jazzmusiker der Generation X studierte Mehldau die Standards, während er gleichzeitig die Entwicklung des Rock aufmerksam verfolgte –, doch ihre Wirkung war beträchtlich.
Mehldau bewies, dass Alternative Rock und andere zeitgenössische Stile ebenso solide wie anregende Grundlagen für Improvisationen sein konnten – diese Aufnahmen waren keineswegs kommerzielle Zugeständnisse – und die Jazz-Avantgarde trägt seither die Handschrift dieses Fortschritts. Noch vor seinem dreißigsten Lebensjahr hatte sich der Pianist als unumgängliche Figur der Jazzkultur etabliert. Seine Trio-Konzerte im Village Vanguard wurden zum Pflichttermin für jeden, der sich für den Stand der Kunst interessierte. Er entwickelte eine Improvisationssprache, die jüngere Musiker als Verpflichtung zur Analyse empfanden.

1999 veröffentlichte Mehldau sein erstes Solo-Klavieralbum, Elegiac Cycle, und bekräftigte damit seinen einzigartigen Ansatz für ein bereits weitgehend erforschtes Format. Anstatt Standards weiterzuentwickeln, präsentierte er eine Reihe von improvisationsreichen Stücken, die tief von der klassischen Musik und den zirkulären narrativen Innovationen von James Joyces Ulysses inspiriert waren. Dieses Werk beeinflusste auch Places, das im folgenden Jahr erschien – ein klangliches Reisetagebuch, das Trio-Stücke und Solo-Darbietungen mischte. Danach tat er sich mit dem Produzenten und Musiker Jon Brion zusammen, um 2002 Largo zu konzipieren, eine Fusion aus Jazz-Ideen und experimentellem Pop, deren Einfluss sich als beträchtlich erweisen sollte und dazu beitrug, den Sound der improvisierten Musik des 21. Jahrhunderts zu definieren.

Klanglich kühn und von bemerkenswerter Textur, zeigt Largo Mehldau und Brion vereint in einer melodischen Sensibilität, die von einer filmischen Bittersüße geprägt ist, in einem Programm aus Originalkompositionen und Coverversionen von Radiohead, Lennon-McCartney und Jobim. „Ich habe gesehen, wie sich Bands um ein einziges Stück dieser Platte herum gebildet haben“, vertraute Brion der New York Times an. Um ihre Zusammenarbeit fortzusetzen, ohne sie zu wiederholen, konzipierten Mehldau und Brion 2010 Highway Rider, wobei sie Musiker wie den Saxophonisten Joshua Redman hinzuzogen und ein Kammerorchester integrierten. Redman war bereits zu Beginn von Mehldaus Karriere eine wesentliche Figur gewesen, als der Pianist sich zwei für ihre Generation prägenden Mitstreitern – dem Kontrabassisten Christian McBride und dem Schlagzeuger Brian Blade – im Quartett des Saxophonisten anschloss. Ihre Alchemie wurde erstmals auf Redmans wegweisendem Album MoodSwing (1994) dokumentiert, und später auf Mehldaus Debüt bei Warner Bros. im Jahr 1995, wo er einen virtuosen und unprätentiösen Kontrapunkt zu der eher eigenwilligen Achse von Grenadier und Rossy bildete. Mehldau und Redman destillierten ihre Verbundenheit bis zu ihrer telepathischsten Essenz auf dem Duo-Album Nearness, das 2011 auf Tournee aufgenommen wurde.

2004 erschien Live in Tokyo, ein bemerkenswertes Beispiel dafür, was ein Solo-Rezital von Mehldau sein kann. Weitere von der Kritik gefeierte Zeugnisse folgten, darunter Live in Marciac (2011) und das umfangreiche Boxset 10 Years Solo Live (2015), das Jazz, klassische Musik und Neuinterpretationen großer Pop-Klassiker vereint. Im Jahr 2005, nach zehn gemeinsam aufgenommenen Alben, präsentierte der Pianist mit Day Is Done ein neues Trio. Grenadier blieb auf seinem Posten, doch die neue Gruppe begrüßte den Schlagzeuger Jeff Ballard, dessen Spiel, ähnlich wie das von Rossy, fein interaktiv, wenn auch weniger luftig und robuster ist. Diese Formation nahm neun Alben zusammen auf, das letzte war das 2018 für einen Grammy nominierte Seymour Reads the Constitution!, 2018 für einen Grammy Award nominiert.

Ende 2005 tat sich Mehldau mit einem seiner Vorbilder, dem Gitarristen Pat Metheny, für zwei Projekte zusammen: Metheny/Mehldau, das im folgenden Jahr erschien und hauptsächlich aus Duos bestand (mit Ballard und Rossy bei zwei Stücken), sowie Metheny/Mehldau Quartet im Jahr 2007, bei dem dieselbe Rhythmusgruppe auf der gesamten Platte mitwirkt. Auf beiden Alben steuerten die beiden Co-Leader jeweils Originalkompositionen bei und fanden eine begeisternde gemeinsame Basis, wobei sie ihre geteilte melodische Intuition sowie den Rausch einer swingenden Post-Bop-Formation in voller Entfaltung genossen.

Im selben Jahr, in dem er seine Zusammenarbeit mit Metheny vorstellte, enthüllte Mehldau ein weiteres Projekt an der Schnittstelle seiner langjährigen Leidenschaften für Poesie, Melodie und klassische Erzählkunst. Gemeinsam mit der Sopranistin Renée Fleming rückt Love Sublime die kaleidoskopische Musik ins Rampenlicht, die Mehldau für das Stunden-Buch des Dichters Rainer Maria Rilke komponiert hatte. Ebenso vertonte Mehldau für Love Songs, ein 2007 erschienenes Doppelalbum-Projekt mit der Mezzosopranistin Anne Sofie von Otter, eine vielfältige Auswahl an Gedichten und Liebesliedern von Sara Teasdale, E. E. Cummings, Philip Larkin, Joni Mitchell und vielen anderen.

Mehldau war 35 Jahre alt, als Love Sublime erschien – ein Alter, das eine gewisse kreative Bequemlichkeit oder gar ein Nachlassen des reinsten künstlerischen Ehrgeizes vermuten lassen könnte. Dem ist nicht so: Seit zwei Jahrzehnten bewegt sich Brad Mehldau in einer ungebrochenen kreativen Kühnheit. Betrachtet man seine Diskografie auf dem Papier, kann man sich berechtigterweise fragen, wie derart vielfältige Projekte demselben Künstler entspringen können. Doch das Geheimnis dieser Alchemie liegt in seiner Fähigkeit, die tragenden Linien herauszuarbeiten und einen Klavieranschlag sowie eine melodische und harmonische Sensibilität kultiviert zu haben, die in jedem Kontext intensiv persönlich bleibt.

2013 arbeitete er mit dem Orpheus Chamber Orchestra zusammen, um Variations on a Melancholy Theme aufzunehmen (erschienen 2021), das wie der Soundtrack zu einem noch kommenden filmischen Meisterwerk wirkt. Mit dem groove-begeisterten Schlagzeuger Mark Guiliana bildete er das Duo Mehliana und veröffentlichte 2014 Taming the Dragon, ein postmodernes, elektronisch gespeistes Panorama-Werk. An der Seite des Akustikmusik-Wunderkinds Chris Thile erkundete er auf einem gleichnamigen, 2017 erschienenen Album eher wurzelbetonte Gefilde, das Originalkompositionen und Coverversionen von Joni Mitchell, Bob Dylan und anderen vereinte.

Im letzten Jahrzehnt hat Mehldau einige seiner kühnsten Werke in radikal unterschiedlichen Maßstäben abgeliefert. Finding Gabriel, das 2019 erschien und mit einem Grammy ausgezeichnet wurde, versammelt eine beeindruckende Riege erstklassiger Kollaborateure für eine genreübergreifende Tour de Force, die von Mehldaus Bibelstudien inspiriert wurde. Jacob’s Ladder aus dem Jahr 2022 versammelt eine ebenso breite Besetzung und schöpft direkter aus dem Progressive Rock, einer von Mehldaus allerersten musikalischen Leidenschaften. Beide Projekte verbinden agil Akustik und Elektronik, Wohlklang und Dissonanz, Vergangenheit und Zukunft, mit Ergebnissen, die bisweilen regelrecht surreal anmuten.

Als Solopianist zeigte er sich nicht weniger furchtlos. Suite: April 2020 ist eine ebenso schöne wie zugängliche Meditation über die Erfahrung der Pandemie. Auf den Alben After Bach (2018), , After Bach II (2024) und Après Fauré (2024) vermischt Mehldau klassisches Repertoire mit davon inspirierten Originalkompositionen und beleuchtet so die verkannte Seele und den Improvisationsgeist der europäischen klassischen Tradition. (Auf unerklärliche Weise erreichen Mehldaus Stücke emotionale Tiefen, die jene der Originalwerke bisweilen übertreffen.) Your Mother Should Know: Brad Mehldau Plays the Beatles, das bei seinem Erscheinen 2023 große Beachtung fand, ist eine ergreifende Hommage an die größten Songwriter der Rock-Ära. Elliott Smith, wohl der bedeutendste Songwriter in der Geschichte des Indie-Rock, erfährt eine ebenso zärtliche Behandlung auf Ride Into the Sun, einer 2025 erschienenen Ensemble-Aufnahme. Your Mother Should Know: Brad Mehldau Plays the Beatles, bei seiner Veröffentlichung 2023 viel beachtet, ist eine ergreifende Hommage an die größten Singer-Songwriter der Rockära. Elliott Smith, wohl der bedeutendste Singer-Songwriter der Indie-Rock-Geschichte, erfährt eine ebenso von Zärtlichkeit geprägte Behandlung auf Ride Into the Sun, einer 2025 erschienenen Ensembleaufnahme.

Neben seiner umfangreichen Produktion als Leader und Solopianist hat sich Mehldau als großzügiger Begleiter und Kollaborateur erwiesen – insbesondere gegenüber den Musikern, mit denen er in den 1990er-Jahren in New York aufgewachsen ist. Das 2024 erschienene Album Solid Jackson lässt, um nur ein Beispiel zu nennen, eine swingende Gruppe namens MTB wieder aufleben, die Mehldau, den Saxophonisten Mark Turner und den Gitarristen Peter Bernstein (zusammen mit Grenadier und dem Schlagzeuger Bill Stewart) vereint. Ihr erstes Album, Consenting Adults, war 1994 in derselben Besetzung aufgenommen worden, mit Ausnahme des Schlagzeugers Leon Parker. Inmitten eines so thematischen und intellektuell anspruchsvollen Werks erinnern Aufnahmen wie Solid Jackson daran, dass Mehldau vor allem ein aktiver Jazzmusiker bleibt, für den Hard-Bop-Platten heilige Texte sind.

In den letzten Jahren hat sich die historische Besetzung des Joshua Redman Quartetts aus der Mitte der 1990er-Jahre – mit Mehldau, Christian McBride und Brian Blade – für zwei Alben wieder zusammengefunden: RoundAgain im Jahr 2020 und LongGone im Jahr 2022. Mehldaus weitere bemerkenswerte Beiträge sind zu zahlreich, um sie hier alle aufzuführen; dazu gehören Aufnahmen an der Seite so abenteuerlustiger Figuren wie Lee Konitz, Charlie Haden, Charles Lloyd, Paul Motian, Michael Brecker, Kurt Rosenwinkel, Chris Potter und Wayne Shorter, an dessen Grammy-prämiertem Album Alegría er mitwirkte. Außerhalb des Jazz sind die Kollaborationen ebenso zahlreich: Mehldau trug zu Alben von Willie Nelson und Scott Weiland (Stone Temple Pilots) bei, zusätzlich zu umfangreicher Arbeit für den Film, darunter eine Trio-Version von „Blame It on My Youth“ für Stanley Kubricks Eyes Wide Shut .

Im Laufe dieses Jahrhunderts sind viele von Mehldaus Aufnahmen, insbesondere jene mit klassischer Inspiration, aus Kompositionsaufträgen renommierter Institutionen wie der Carnegie Hall hervorgegangen. Diese Institution hat unter anderem zu mehreren der wichtigsten Erfolge der letzten zwanzig Jahre beigetragen, darunter The Folly of Desire (2019), eine anspruchsvolle Verbindung von Jazz, klassischer Musik und Poesie mit dem Tenor Ian Bostridge, und 14 Reveries (2022), eine Sammlung prägnanter und rhapsodischer Solostücke in der konzeptionellen Nachfolge von Suite: April 2020. Wie so oft bei Mehldau können sich diese „Reveries“ als technisch und zeitlich anspruchsvoll erweisen, während sie gleichzeitig mit der Unmittelbarkeit populärer Musik kommunizieren.

Für all jene, die Mehldaus Vorgehensweise und Ambitionen besser verstehen möchten, hat er sich glücklicherweise als einer der feinsinnigsten und leidenschaftlichsten Autoren der improvisierten Musik erwiesen, indem er Liner Notes, Essays und andere Texte voller Reflexion und Präzision verfasste. Im Jahr 2026 startete er Watching Rome Burn, einen Substack-Newsletter, in dem er die Entsprechungen zwischen Kunst, Geschichte, Politik, Theologie und Philosophie erkundet, oft geprägt von einer willkommenen autobiografischen Offenheit.

Drei Jahre zuvor hatte er Formation: Building a Personal Canon, Part One veröffentlicht, Memoiren, die sein Leben bis Mitte seiner Zwanziger abdecken. Das Buch erzählt die Geschichte eines Kindes von großer Intelligenz und extremer Sensibilität, das in Florida geboren wurde, hauptsächlich in Connecticut aufwuchs und schließlich nach New York zog, um an der New School Jazz zu studieren, wo er Mentoren und Vaterfiguren in brillanten Musikern wie dem Pianisten Fred Hersch fand. Es ist zudem für ein Werk dieser Art ein Text von bemerkenswertem Mut: Der Künstler thematisiert darin die Traumata, mit denen er konfrontiert war, von seiner Adoption über seine ersten Fragen zu seiner Sexualität bis hin zur Sucht, die ihn beinahe zerbrochen hätte.

„Es ist ein unglaublicher Schreibstil“, vertraute der Regisseur Paul Thomas Anderson an. „Es ist frei, präzise, scharf wie eine Klinge. Brad schreibt, wie er Klavier spielt: mit einer zarten Kraft und der Gabe, seine Erinnerungen wiederzufinden und sie in dichte Emotionen zu verwandeln.“