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Roberto Olzer, ein Pianist, der sich sowohl in der Welt des Jazz als auch der klassischen Musik zu Hause fühlt, besitzt eine einzigartige musikalische Sensibilität und eine außergewöhnliche Ausdruckskraft – A. Valiante, Jazzitalia
„Olzers einzigartige musikalische Begabung und das intellektuelle Bewusstsein eines kultivierten Menschen haben ihn unbestreitbar als einen Jazzmusiker von bewundernswerter Ausdruckskraft etabliert; dies wird in seiner luziden Inventivität, seiner melodischen und fantasievollen Klarheit, seinen raffinierten und ansprechenden harmonischen Färbungen deutlich.“ – B. Schiozzi, Musica Jazz
„Vernunft kombiniert mit Emotion… verschmilzt zu einer kostbaren Symphonie mit der Kraft, traumhafte Räume und ferne Länder heraufzubeschwören.“ – S. Maccari, Muzik Box
„… Ein zugleich anspruchsvoller, sensibler und sehr ausdrucksstarker Pianist, durchdrungen von klassischen und Jazz-Traditionen…“ – F. Caprera, Dictionary of Jazz, Feltrinelli, 2014
„Diese hochausgereifte Aufnahme des Pianisten Roberto Olzer (Steppin’ Out) ist ein klares Beispiel dafür, wie man mit entwaffnender formaler Einfachheit hochwertige Musik macht, mit einer offensichtlichen Vorliebe für das ‚Schöne‘, frei von unnötigen stilistischen Verzierungen oder übertriebener Virtuosität.“ – F. Peluso, Fedeltà del Suono
„Ein wunderschönes Album (Steppin’ Out) von kostbarem Lyrizismus, des italienischen Pianisten Roberto Olzer … sehr visuell, jedes Stück scheint eine Geschichte zu erzählen.“ – M. James, Only Jazz
„Klarheit der Phrasierung, ein reiner Klang, lyrische Themen, eine starke Neigung zur expressiven Linearität.“ – L. Sforza, All About Jazz
Roberto Olzer, geboren 1971 in Domodossola, Italien, begann schon in jungen Jahren mit dem Klavierunterricht und studierte anschließend Orgel bei Maestro Giancarlo Parodi, unter dessen Leitung er am Conservatorio Giuseppe Verdi in Mailand, Italien, sein Diplom in Orgel und Orgelkomposition erwarb. Parallel zu seinem Philosophiestudium an der Katholischen Universität Mailand studierte er Jazz-Improvisation bei Roberto Ciammarughi. Anschließend verfeinerte er seine Technik durch Kurse und Seminare bei renommierten Klaviermeistern wie S. Battaglia und E. Pieranunzi. Seine musikalische Ausbildung schloss er mit einem Diplom in Klavier ab.
Roberto Olzers erste Aufnahmen stammen aus den Jahren 2002-2003 mit „Folk Songs“, begleitet vom Gitarristen F. Spadea, und „Eveline“, begleitet von einem nach ihm benannten Sextett für das Label Splasc(h). Anschließend arbeitete er mit dem Max De Aloe Quartet zusammen und nahm sechs Alben auf, darunter ein Live-Konzert, das von Abeat Records herausgegeben wurde. Danach nahm er zwei Alben für Splasc(h) und Dodicilune mit dem Michele Gori Quartet auf, eine Aufnahme mit dem Titel „Bill Evans Homage“ mit dem Roberto Mattei Double Quartet und eine CD mit der florentinischen Sängerin Susanna Parigi.
Seine erste Solo-Klavieraufnahme, „Esprit de Finesse“, herausgegeben von Dodicilune, wurde 2009 aufgenommen und ist F. Mendelssohn Bartholdy zum Gedenken an sein zweihundertjähriges Jubiläum gewidmet. Anschließend entwickelte er Themen aus dem klassischen Repertoire als Grundlage für Jazz-Arrangements und Kompositionen mit dem Rudy Migliardi Quartet. „Au Rebours“ ist eine Aufnahme mit dem Kontrabassisten Roberto Mattei von Improvisationen über klassische Themen, herausgegeben von 201 Editions, ebenfalls das Label von „Avorio“, einer Aufnahme mit der Sängerin Elisa Marangon.
Eine neuere Formation ist das JMT (Just Music Trio) mit Yuri Goloubev und Fabrizio Spadea. Das Trio hat „Standpoint“ aufgenommen, herausgegeben von Caligola.
Das Roberto Olzer Jazz Trio wurde 2011 mit dem Kontrabassisten Yuri Goloubev und dem Perkussionisten Mauro Beggio gegründet. Ihr erstes Album „Steppin’ Out“, das 2013 beim Label Abeat erschien, wurde von Musikkritikern und Publikum gleichermaßen gefeiert. Insbesondere wurde es vom japanischen Magazin „Jazz Critique Magazine“ (HIHYO) als bestes Instrumentalalbum des Jahres 2013 in einer Kategorie ausgezeichnet, die weltbekannte Namen wie Chick Corea, Dave Holland oder Steve Swallow umfasst. Seit dem Debüt des Trios im renommierten Moods Jazz Club in Zürich, Schweiz, verfeinern sie ihren Sound kontinuierlich, der durch die starken solistischen Talente jedes Mitglieds und ihre kreative Wechselseitigkeit hervorgehoben wird.
Roberto Olzer tritt weiterhin konzertant auf, nicht nur als Jazzpianist, sondern auch als klassischer Pianist und Organist in Italien, der Schweiz, Frankreich und England, in Theatern, auf Festivals, in Clubs und bei wichtigen Veranstaltungen wie Time in Jazz (Sardinien, Italien), Fano Jazz by the Sea (Italien), Musica sulle Bocche, Iseo Jazz, Gallarate Jazz Festival, MITO, Blue Note (Mailand, Italien), House of Jazz (Rom), Piazza Verdi (Radio Rai 3, Italien), Moods Jazz Club (Zürich, Schweiz), Villa Streuli (Winterthur, Schweiz), Auditorium de la Radio Suisse (Lugano, Schweiz), Conservatoire de Paris, Conservatoire du Choletais (Frankreich), Bangor New Music Festival (Vereinigtes Königreich) und vielen anderen.
Roberto Olzer ist auch als Komponist und Arrangeur für Bands, Streichquartette und renommierte Ensembles tätig. Er hat Kompositionen wie „Homage to Nino Rota“, „Xilophonia“, „Rhapsody in Blue“ und „John Williams Suite“ für das Decimino d’Ottoni (Blechbläserensemble) der Mailänder Scala arrangiert. Er arrangierte auch die Tangos von Astor Piazzolla, eine Hommage an Ennio Morricone usw. für das Symphonieorchester des Teatro Coccia (Novara, Italien).
Seine Zusammenarbeit mit dem Blechbläserensemble der Mailänder Scala als Arrangeur und Solist in Gershwins „Rhapsody in Blue“ (Domodossola, Italien, 2013) entwickelte sich zu einem neuen Projekt namens „American Sweets“, wo er in Kombination mit seinem eigenen Trio und dem Blechbläserensemble seine Originalarrangements von Musik von Leonard Bernstein und John Williams spielt.
Zu Roberto Olzers veröffentlichten Werken als Komponist gehören „Tetragono“ für Klarinette und Klavier (Bim Vuarmarens Editions Schweiz), „Sciccareddu“ und „Monte Rosa“ (Wicky Editions in Mailand), „Per Geometrico Destino“ für Solisten, Chor und Orchester, in Auftrag gegeben zum hundertjährigen Jubiläum des Simplontunnels (Schweiz), und zwei Orgelkompositionen, die von M° Parodi in Auftrag gegeben wurden: „Prelude, Fugue et Chorale“ und „Fantasy on B.A.C.H.“
Neben den oben genannten Musikern hat er mit Musikern wie Chris Collins, Paolo Tomelleri, Emilio Soana, Bruno de Filippi, Roberto Rossi, Asaf Sirkis, Luciano Zadro, Emanuele Cisi, Bebo Ferra, Andrea Dulbecco, Ramberto Ciammarughi, Mauro Negri, Steve Mead zusammengearbeitet und gespielt, sowie mit außergewöhnlichen italienischen Sängerinnen wie Diana Torto, Barbara Casini, Susanna Parigi, Antonella Ruggero, Tosca Donati.
Der Klarinettist Pierre Génisson, einer der renommiertesten Vertreter der französischen Bläserschule, hat einen Exklusivvertrag bei Warner Classics/Erato unterzeichnet.
Das erste Album dieser neuen Zusammenarbeit, das Mozart gewidmet ist und mit dem Concerto Köln entstand, ergänzt eine bereits umfangreiche und von der Kritik einstimmig gelobte Diskografie (Diapason d’or, Choc de l’année de Classica, ffff de Télérama, „CD of the week“ der Sunday Times, Gramophone, Clef d’Or de Resmusica…)
Im Jahr 2018 mit dem Preis „Cino del Duca“ der Académie des Beaux-Arts de l’Institut de France ausgezeichnet, ist Pierre Génisson auch Preisträger renommierter internationaler Wettbewerbe wie des Internationalen Carl-Nielsen-Wettbewerbs, des Internationalen Jacques-Lancelot-Wettbewerbs in Tokio sowie der Stiftungen Banque Populaire, Safran und „Musique et Vin au clos Vougeot“.
Pierre Génisson studierte am Conservatoire national supérieur de musique de Paris bei Michel Arrignon für Klarinette und bei Claire Désert, Amy Flammer und Jean Sulem für Kammermusik. Nachdem er in beiden Disziplinen einstimmig die ersten Preise erhalten hatte, setzte er seine Ausbildung an der University of Southern California in Los Angeles bei Yehuda Gilad fort, wo er ein Artist Diploma erwarb.
Sowohl auf modernen als auch auf historischen Instrumenten versiert, wird Pierre Génisson regelmäßig als Solist von renommierten Orchestern eingeladen, darunter das Deutsche Symphonie-Orchester Berlin, das Tokyo Philharmonic Orchestra, die BBC Orchestras, das Orchestre Métropolitain de Montréal, das Odense Symphony Orchestra, das Sichuan Symphony, das Orchestre Philharmonique Royal de Liège, das Düsseldorfer Symphonieorchester, das Insula Orchestra… und arbeitet unter anderem mit Dirigenten wie Krystof Urbansky, Olari Elts, Darell Ang, Sacha Goetzel, Alexandre Bloch, Laurence Equilbey oder Lionel Bringuier zusammen.
Neben seinen solistischen Tätigkeiten sucht Pierre Génisson musikalische Begegnungen mit einigen der berühmtesten Streichquartette (Ebène, Modigliani, Jerusalem, Zemlinsky, Hermès, Van Kuijk…), sowie mit Solisten wie Maxim Vengerov, Alexander Sitkovetsky, Nemanja Radulovic, Marc Bouchkov, Miguel Da Silva, Lise Berthaud, Jean-Frédéric Neuburger, David Kadouch, Franck Braley, Michel Dalberto, David Bismuth, Bruno Fontaine, den Solisten der Metropolitan Opera New York, Patrick Gallois, Marielle Nordmann, Emmanuel Ceysson, Karine Deshayes oder Delphine Haidan.
Als engagierter Verfechter der zeitgenössischen Musik verbreitet Pierre Génisson die französische Musik im Ausland und arbeitet mit zahlreichen Komponisten zusammen, darunter Tristan Murail, Thierry Escaich, Eric Montalbetti, Karol Beffa oder Eric Tanguy, denen er mehrere Konzerte und Kammermusikstücke gewidmet hat.
Pierre Génisson widmet einen Teil seiner Zeit auch der Lehre, durch zahlreiche Meisterkurse weltweit und an der École normale de musique de Paris Alfred Cortot, wo er unterrichtet.
Geboren 1992 in Sankt Petersburg, absolvierte er das Rimski-Korsakow-Musikkolleg in Sankt Petersburg (Klasse von Pavel Krichashvili) und das Sankt Petersburger Konservatorium (Klasse von Alexander Mikhailov). Er perfektionierte sein Können bei Peter Sadlo, Marinus Komst, Nick Woud, Raymond Curfs und anderen Schlagzeugern. Preisträger nationaler und internationaler Wettbewerbe.
Seit 2013 ist er Mitglied des Orchesters des Mariinski-Theaters und seit 2018 Solo-Pauker, zudem spielt er im Ensemble „Renaissance Percussion“.
Er unterrichtet am Sankt Petersburger Konservatorium und ist seit 2022 Coach für das Verbier Festival Orchestra (Schweiz). Seine Schüler arbeiten heute an der Pariser Oper, im Orchestre National de Bretagne und in anderen renommierten Institutionen.
Er studiert derzeit Orchesterleitung am Sankt Petersburger Konservatorium bei Alexander Polishchuk.
Nach einem Psychologiestudium begann Hanna Schwarz ihre Gesangsausbildung an der Musikhochschule Hannover, wo sie auch ihr Operndebüt als Sigrune in Wagners Die Walküre gab. Nachdem sie einen Gesangswettbewerb in Berlin gewonnen hatte, wurde sie an die Hamburgische Staatsoper engagiert.
1975 debütierte sie in Bayreuth, wo ihr mit der Rolle der Fricka in Chéreau/Boulez’ Ring der internationale Durchbruch gelang. In den folgenden Jahren trat Hanna Schwarz in Bayreuth auch in den Rollen der Erda, Brangäne und Waltraute auf.
Es folgte eine internationale Karriere, die sie auf die größten Bühnen führte, wo sie mit renommierten Dirigenten zusammenarbeitete. Sie wirkte unter anderem an
Hanna Schwarz brilliert auch auf der Konzertbühne. Sie trat mit dem Cleveland Orchestra, den Wiener und Berliner Philharmonikern, dem London Symphony Orchestra, dem Boston Symphony Orchestra und dem Concertgebouw Orchestra in den renommiertesten Sälen Europas und Amerikas auf, wie der Carnegie Hall in New York, den Philharmonien in Berlin und Köln, dem Wiener Musikverein und dem Concertgebouw in Amsterdam, um nur einige zu nennen.
Sie wirkte auch an zahlreichen Rundfunkkonzerten und Aufnahmen mit, interpretierte Das Lied von der Erde, Gurrelieder, Sinfonien und Lieder von Gustav Mahler sowie Verdis Requiem unter der Leitung von Dirigenten wie Böhm, Ozawa, Levine, Mehta, Sinopoli, Maazel, Sawallisch, Dohnanyi und Bernstein. Die Künstlerin zeichnete sich auch durch ihre Interpretationen zeitgenössischer Musik aus, indem sie Werke von Maurizio Kagel, Hans Werner Henze, Pierre Boulez, Alfred Schnittke und Leonard Bernstein aufführte.
Zu ihren jüngsten Projekten gehören Neuproduktionen von Dialogues des Carmélites und Pique Dame in Basel, Konzerte von Die Dreigroschenoper in Wien, London, Paris und Hamburg, Salome in Valencia, Das Rheingold in Sevilla, Salome am New National Theatre in Tokio und eine Neuproduktion von Jenůfa an der Deutschen Oper Berlin.
Bei den Salzburger Osterfestspielen 2011 sang Hanna Schwarz die Herodias in Salome unter der Leitung von Sir Simon Rattle, sowie Neuproduktionen von Die Soldaten an der Bayerischen Staatsoper in München und am Opernhaus Zürich, sowie Jenůfa und Salome ebenfalls in Zürich. Zu ihren weiteren Engagements gehören Neuproduktionen von Tschaikowskys
Boris Kuschnir, 1948 in Kiew geboren, studierte Violine bei Boris Belenkij und Kammermusik bei Valentin Berlinskij am Moskauer Konservatorium. Beeinflusst von Dmitri Schostakowitsch, mit dem er an den letzten Quartetten zusammenarbeitete, und David Oistrach, begann seine Karriere 1969, nachdem er den All-Union-Wettbewerb in Leningrad gewonnen hatte, wo er Beethovens Violinkonzert unter der Leitung von Juri Temirkanow interpretierte.
Seit 1984 Professor in Wien und seit 1999 in Graz, bildete Kuschnir bedeutende Geiger wie Julian Rachlin, Nikolaj Znaider, Maria Dueñas und Sergey Dogadin aus, deren zahlreiche Wettbewerbserfolge die Exzellenz seines Unterrichts belegen. Er ist zudem Honorarprofessor am Zentralen Musikkonservatorium Peking.
Kuschnir gründete das Vienna Schubert Trio und das Brahms Trio, erhielt zahlreiche renommierte Auszeichnungen und trat an bekannten Orten wie dem Wiener Musikverein, der Mailänder Scala und der Wigmore Hall in London auf. Er ist Träger des Großen Ehrenzeichens für Verdienste um die Republik Österreich und des Österreichischen Ehrenkreuzes für Wissenschaft und Kunst.
Wolfgang Emanuel Schmidt zählt zu den großen deutschen Cellisten und ist auch ein sehr gefragter Dirigent. Als Preisträger der Rostropowitsch-, Tschaikowski- und Leonard-Rose-Wettbewerbe trat er als Solist mit renommierten Orchestern wie dem Gewandhausorchester Leipzig, dem Orchestre Philharmonique de Radio France, der Sinfonia Varsovia, dem Tokyo Symphony Orchestra und dem Houston Symphony unter der Leitung von Charles Dutoit, Marek Janowski, Jiri Belohlavek und anderen auf. Als leidenschaftlicher Kammermusiker spielte er an der Seite von Lang Lang, Emanuel Ax, Gil Shaham und Leonidas Kavakos und war Mitglied der Chamber Music Society Two des Lincoln Center in New York. Seine Aufnahmen bei Sony Classical und Capriccio wurden von der Kritik gefeiert und mit einem Diapason d’Or sowie dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik ausgezeichnet. Als Gründer und Chefdirigent des Ensembles Metamorphosen Berlin leitet er dieses Orchester regelmäßig in ganz Europa, oft sowohl als Solist als auch als Dirigent. Er spielt ein Violoncello von Matteo Goffriller, das Hugo Becker gehörte.
Estelle Revaz tritt in zahlreichen Ländern Europas, Asiens, Afrikas und Südamerikas auf. Sie ist Gast bei Festivals wie dem Gstaad Menuhin Festival, dem Verbier Festival, dem Sion Festival, dem Festival International de Colmar oder dem Festival Pablo Casals mit musikalischen Partnern wie Gautier Capuçon, Renaud Capuçon, Alexandra Conunova, Raphaëlle Moreau, Tai Murray, Lena Neudauer, Sergey Ostrovsky, Tedi Papavrami, Pierre Génisson, Ralph Manno, Dana Ciocarlie, Finghin Collins, Anais Crestin, Christian Chamorel, Gaspard Dehaene, Shani Diluka, François Dumont, François-Frédéric Guy, François Killian, Cédric Pescia oder dem Quatuor Sine Nomine, um nur einige zu nennen. Sie spielt auch regelmäßig in renommierten Sälen wie der Victoria Hall in Genf, dem Musée du Louvre in Paris, dem NCPA in Peking, dem Oriental Art Center in Shanghai, dem CCK in Buenos Aires oder dem Auditorium del Sodre in Montevideo.
Ihr Repertoire mit Orchester reicht von den Konzerten von C.P.E. Bach bis zu den Konzerten von Gulda oder Ligeti. Ab der Saison 2017/2018 und für die Dauer von 3 Jahren war Estelle Revaz „Artist in Residence“ beim Orchestre de Chambre de Genève unter der Leitung von Arie van Beek. Zu ihren weiteren Projekten gehört die Aufnahme des Albums JOURNEY TO GENEVA, das den Konzerten von Frank Martin und einer Uraufführung von Xavier Dayer gewidmet ist. Erschienen im Jahr 2021, erhielt diese CD die höchsten Lobeshymnen der Presse und wurde unter anderem mit 5 Diapasons und 5 Etoiles Classica ausgezeichnet.
Die Kritik nahm ihre erste CD mit dem Titel CANTIQUE (NEOS 2015) begeistert auf, auf der sie Solistin der Konzerte von Ernest Bloch (Schelomo) und Andreas Pflüger (Pitture-Création) ist. Le Temps hebt hervor: „Eine ernsthafte, prägnante und anspruchsvolle CD, auf der Orchester und Solistin mit Finesse und Intelligenz spielen.“ Ihr Album für Violoncello solo BACH&FRIENDS (Solo Musica/Sony 2017) wurde ebenfalls von der Fachpresse mit Begeisterung aufgenommen. Pizzicato schreibt: „Der Klang ist von perfekter Reinheit, die Phrasierungen sind äußerst klar und die Dynamik ist außergewöhnlich raffiniert.“ während Musik und Theater von „einem der besten Cellokonzepte der Gegenwart“ spricht. Ihre Duo-CD mit dem Pianisten François Killian mit dem Titel FUGATO (Solo Musica/Sony 2019) mit Sonaten von Beethoven, Brahms und Strauss wurde ebenfalls von den Journalisten sehr herzlich gelobt. Zuletzt wurde ihr fünftes Werk INSPIRATION POPULAIRE (Solo Musica/Sony 2022) im Duo mit der Pianistin Anaïs Crestin von den Medien als strahlend, sensibel, bewegend, erfinderisch und kontrastreich beschrieben.
Während der COVID-19-Pandemie engagierte sich Estelle Revaz unermüdlich, um zu zeigen, wie wesentlich Kultur ist, und um die Anliegen der Kulturschaffenden an die Politik heranzutragen. Ihr Kampf geht weiter… denn sie wurde 2023 in den Schweizer Nationalrat gewählt. Sie hat insbesondere bereits zwei Projekte zum Abschluss gebracht, eines zur sozialen Absicherung von Kulturschaffenden und das andere zur Armutsbekämpfung.
Estelle Revaz war zu Gast in Sendungen von Radio France, RTBF, Deutschlandfunk, WDR3, SWR sowie bei Radio Télévision Suisse. Sie war auch mehrmals Gast in der Tagesschau des RTS und war in diesem Rahmen Gegenstand einer Reportage zusammen mit Gautier Capuçon. Zuletzt koproduzierte sie eine fünfteilige Radioserie mit dem Titel „Estelle und das Cello“, die auf Espace 2/RTS ausgestrahlt wurde.
Nach ihren Anfängen in der Schweiz studierte sie in Frankreich am CRR Boulogne-Billancourt (Xavier Gagnepain), am Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris (Jérôme Pernoo) sowie in Deutschland an der Hochschule für Musik und Tanz Köln (Maria Kliegel). Dabei erwarb sie mit höchsten Auszeichnungen einen Master als Solistin, einen Master in Interpretation zeitgenössischer Musik sowie einen Master in Instrumentalpädagogik.
Estelle Revaz ist Preisträgerin mehrerer Stiftungen oder Institutionen, die sie auf ihrem Weg sowohl durch Stipendien als auch durch die Organisation von Konzerten unterstützen. Dazu gehören die Stadt Genf, der Kanton Wallis, der Fonds Français Instrumental sowie die Stiftungen Leenaards, Little Dreams, Dénéréaz, Kremer, Thiébaud-Frey und Patiño. Im Jahr 2014 wurde sie für die Akademie des Verbier Festivals ausgewählt und erhielt in diesem Rahmen den „Rotary Preis“.
Seit 2015 ist Estelle Revaz Mitglied des „Forum des 100“, das Persönlichkeiten vereint, die die Zukunft der Schweiz gestalten.
Seit 2017 ist Estelle Revaz als Professorin für Violoncello und Kammermusik an der Kalaidos Musikhochschule in Zürich (CH) akkreditiert. Sie gibt auch regelmäßig und mit Begeisterung Masterclasses/Workshops in Europa, Asien und Südamerika. Zuletzt hat sie eine Forschungsarbeit über „die Entwicklung der künstlerischen Identität in der höheren Instrumentalausbildung“ verfasst, die im März 2019 bei l’Harmattan (Reihe Musikpädagogik) erschienen ist.
Estelle Revaz spielt derzeit ein Violoncello von G. Grancino (1679) und einen Bogen von J. Eury (1825), die ihr von großzügigen Schweizer Mäzenen zur Verfügung gestellt werden.
Arthur Trælnes wurde 2002 in Lausanne geboren. Er begann im Alter von 6 Jahren mit dem Geigenunterricht und trat mit 16 Jahren in die Klasse von Gyula Stuller an der Haute École de Musique de Lausanne (HEMU) ein, wo er 2022 sein Bachelor-Diplom erwarb. Anschließend wechselte er in die Klasse von Alexander Kerr (ehemaliger erster Konzertmeister des Royal Concertgebouw Orchestra, Amsterdam) an der Jacobs School of Music der Indiana University (Bloomington, USA), wo er 2023 ein Solo Performance Diploma erwarb, bevor er dort sein Masterstudium fortsetzte.
Arthur gewann zahlreiche Preise bei nationalen und internationalen Wettbewerben als Solist, darunter den 3. Preis und den Publikumspreis beim Tibor Varga Junior Wettbewerb 2018, gefolgt von einer Einladung Gidon Kremers, als Solist mit seinem Orchester in Lettland aufzutreten. Er gewann außerdem den 1. Preis beim Finale des Internationalen Wettbewerbs für Violine und Orchester „Premio Rotary per la musica“ in Novi Ligure, Italien (2019), den 4. Preis beim Tibor Varga Wettbewerb (2021), den Preis für zeitgenössische Musik beim Spohr-Wettbewerb in Weimar 2022, sowie den 3. Preis beim Finale des Franco Gulli Wettbewerbs in Rom 2024.
Arthur trat mehrfach als Solist in der Schweiz, Deutschland, Georgien, Italien, Lettland und den Vereinigten Staaten auf und war von 2022 bis 2024 erster Konzertmeister des Verbier Festival Orchestra, wobei er eng mit renommierten Dirigenten wie Simon Rattle, Gianandrea Noseda, Klaus Mäkelä und Lahav Shani zusammenarbeitete. Er ist seit 2023 auch Mitglied des Verbier Festival Chamber Orchestra.
Er wird regelmäßig eingeladen, bei Meisterkursen aufzutreten, insbesondere beim Kronberg Academy Festival 2021 (Kolja Blacher) und an der Thüringer Landes Musikakademie Sondershausen (Friedemann Eichhorn) 2022, wo er Tschaikowskys Konzert mit Orchester interpretiert. Im November 2024 interpretiert er das 5. Mozart-Konzert mit Orchester in der Carnegie Hall in New York anlässlich eines Meisterkurses mit Maxim Vengerov.
Arthur spielt auf einer Violine von Giovanni Battista Ceruti aus dem Jahr 1797 (Cremona, Italien). Bei der Ausgabe 2023 des Verbier Festivals hatte er die Gelegenheit, auf einer Stradivari („Hrimali“, 1712) aufzutreten.
Er tritt regelmäßig als Jazzgeiger auf, insbesondere mit seinem Quintett „Crome“, das bereits zwei Alben (Komorebi, 2020 und Oneiroi, 2023) veröffentlicht hat.
Zofia Neugebauer wurde 1994 in der Stadt Wodzislaw Slaski, Polen, geboren und begann im Alter von fünf Jahren mit dem Klavierspiel. Ihre Faszination für die subtilen Möglichkeiten der Flöte führte sie jedoch dazu, bereits im Alter von zehn Jahren Flöte zu spielen, und ihre anhaltende Leidenschaft für den reichen und zarten Klang dieses Instruments entwickelte sich zu einer erfüllten und kreativen Karriere. Ihre Karriere als Soloflötistin begann, als sie im Alter von 13 Jahren mit dem Sinfonieorchester Katowice auftrat, was sie später dazu führte, in zahlreichen renommierten Musikzentren Europas aufzutreten, an Wettbewerben teilzunehmen und zu studieren.
Um ihre musikalischen Kenntnisse zu vertiefen, schloss Zofia ihre Sekundarschulausbildung in Breslau an der spezialisierten Musikschule „Karol Szymanowski“ unter der Leitung von Cezary Traczewski ab. In dieser Zeit hatte sie die Gelegenheit, mehrere inspirierende Künstler und Lehrer kennenzulernen und von ihnen zu lernen, darunter Professor Felix Renggli. Nach einem Meisterkurs mit ihm beschloss Zofia, für seine Klasse an der Hochschule für Musik Basel vorzuspielen. In den folgenden Jahren arbeitete sie eng mit Professor Renggli an ihrer musikalischen Entwicklung zusammen und entdeckte gleichzeitig neue Möglichkeiten, mit kleinen Ensembles und Orchestern bei Festivals in Deutschland und der Schweiz aufzutreten.
Zofia schloss ihr Bachelorstudium (mit Bestnote und Auszeichnung) 2016 in Basel ab und begann sofort ein Masterstudium in Performance an derselben Institution. Ihre postgradualen Studien wurden jedoch unterbrochen, als sie 2017 als Mitglied der Karajan-Akademie der Berliner Philharmoniker ausgewählt wurde. In den folgenden zwei Jahren lernte und entwickelte sie sich in dieser prestigeträchtigen Institution unter der Leitung von Mathieu Dufour weiter. Seitdem hatte sie die Gelegenheit, bei den renommiertesten Musikfestivals Europas aufzutreten, darunter das Verbier Festival, die Gezeiten Konzerte, die Dresdner Musikfestspiele, Krzyżowa Music und der Bad Kissinger Sommer.
Zofia wurde zur Soloflötistin des Luzerner Sinfonieorchesters ernannt, wo sie von 2019 bis 2021 spielte und die Gelegenheit schätzte, die großen Werke des Orchesterrepertoires in einer anspruchsvollen und künstlerisch exzellenten Atmosphäre zu interpretieren. Sie hat nun eine temporäre Position beim Sinfonieorchester Basel inne. Sie tritt auch regelmäßig als Solistin mit Orchestern wie dem Gürzenich Orchester Köln, der Camerata Zürich und dem Verbier Festival Chamber Orchestra auf, nachdem sie mit Dirigenten wie Simon Rattle, Iván Fischer, Zubin Mehta und Paavo Järvi zusammengearbeitet hat.
Sie hat auch erfolgreich an zahlreichen Wettbewerben in ganz Europa teilgenommen und erhielt 2018 ein Stipendium der Mozart Gesellschaft Dortmund sowie 2022 von Villa Musica. Sie war auch Stipendiatin des polnischen Kulturministeriums.
Trotz all dieser Erfolge und Auftritte engagiert sich Zofia weiterhin für ihre eigene künstlerische und persönliche Entwicklung. Sie sucht ständig nach neuen Ausdrucksformen. Sie komponiert eigene Werke und künstlerische Kreationen, was ihr hilft, ihr Verständnis für Emotionen und klassische Musik zu vertiefen.
Amanda Håøy Horn ist eine norwegische Geigerin mit Sitz in Oslo. Kammermusik spielte eine wichtige Rolle in ihrem musikalischen Leben, und sie wurde zu mehreren norwegischen Festivals eingeladen. Nach Abschluss ihres Studiums bei Elise Båtnes an der Norwegischen Musikakademie vertiefte sie ihre Kenntnisse als Akademistin im Philharmonischen Orchester Oslo und beim Pacific Music Festival in Japan, wo sie unter der Leitung von Valery Gergiev spielte. Dies führte sie dazu, ihre Karriere im Philharmonischen Orchester Oslo, der Norwegischen Oper und Ballett, dem Norwegischen Rundfunkorchester (Norwegian Radio Orchestra) und dem Ensemble Allegria fortzusetzen, sowie auf Tourneen beim Salzburger Festival, den BBC Proms und dem Lucerne Festival. Sie spielt auf einer von Gaetano Pollastri gefertigten Geige und Bögen von Sartory und Rolland.