Musicians Archive - Seite 28 von 39 - Verbier Festival

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Mit Wurzeln und einer Erziehung, die sich über den Jemen, Israel und die Vereinigten Staaten erstreckt, ist Achinoam Nini, alias Noa, eine Sängerin, Songwriterin, Dichterin, Komponistin, Perkussionistin, Rednerin, Aktivistin und Mutter von drei Kindern.

An der Seite ihres langjährigen musikalischen Kollaborateurs Gil Dor, einem versierten Musiker und Mitbegründer der Rimon Musikschule, veröffentlichte Noa 15 internationale Alben und begeisterte das Publikum auf vielen der wichtigsten und renommiertesten Bühnen der Welt, wie der Carnegie Hall und dem Weißen Haus, und trat auch für drei Päpste auf. Sie wurde von Pat Metheny und Quincy Jones gefördert und teilte die Bühne mit Legenden wie Stevie Wonder, Andrea Bocelli und Sting.

Neben ihrer produktiven musikalischen Tätigkeit gilt Noa als Israels prominenteste kulturelle Verfechterin des Dialogs und der Koexistenz, ihre „Stimme des Friedens“.

Zu ihren zahlreichen Auszeichnungen gehören der Titel „Kommandeurin des Verdienstordens der Italienischen Republik“, eine der höchsten Auszeichnungen Italiens, der „Friedenspilger“ des Franziskanerordens in Assisi (zuvor an Bill Gates und Mutter Teresa verliehen) und der „Crystal Award“ des Weltwirtschaftsforums. Noa ist die erste Botschafterin Israels bei der Ernährungs- und Landwirtschaftsorganisation der Vereinten Nationen und ist als Vorstandsmitglied und öffentliche Fürsprecherin für eine Vielzahl von Menschenrechts- und Friedensorganisationen in Israel und im Ausland tätig.

Die Mezzosopranistin Kitty Whately ist im Vereinigten Königreich seit ihrer Ernennung zur BBC New Generation Artist von 2013 bis 2015 sehr präsent. Mit außergewöhnlicher Vielseitigkeit trat sie in Oper, Chormusik und Lied auf, und ihr Repertoire reicht von Gilbert und Sullivan bis zu zeitgenössischen Werken. Geboren als Catherine Whately 1983 in London, war sie die Tochter des Schauspielers Kevin Whately. Sie trat im Fernsehen als Tochter seiner Bildschirmfigur in der Serie Auf Wiedersehen auf. Whately wuchs teilweise in Nordengland auf und besuchte die Chetham’s School of Music in Manchester. Dort spielte sie die Rolle der Dorothy in Der Zauberer von Oz. Anschließend studierte sie an der Guildhall School of Music and Drama in London und danach an der Royal College of Music International School. Nachdem sie mehrere wichtige Preise gewonnen hatte, wurde sie in die Verbier Festival Akademie aufgenommen, wo sie die Rolle des Cherubino in Mozarts Le nozze di Figaro interpretierte. Diese Erfolge führten zu ihrer Ernennung zur BBC New Generation Artist im Jahr 2013 und zur Möglichkeit, ihr Debütalbum, das Liederrezital This Other Eden, bei Champs Hill aufzunehmen. Seitdem ist Whately eine bekannte Persönlichkeit auf Opernbühnen, und das nicht nur im Vereinigten Königreich. Sie spielte die Rolle der Isabelle in Bernard Herrmanns Wuthering Heights an der Opéra National de Lorraine in Frankreich. Am Royal Opera House in London spielte sie die Rolle der Mother/Other Mother in der Weltpremiere von Mark-Anthony Turnages Oper Coraline und ist bekannt dafür, zeitgenössische Werke zu fördern. Beim Three Choirs Festival war sie in einem neuen Werk von Sally Beamish zu hören, und sie gab einen Liederzyklus des Komponisten Jonathan Dove in Auftrag. Whately hat mehrere weitere Alben bei Champs Hill aufgenommen, und 2019 schloss sie sich dem Bariton Roderick Williams für The Song of Love an, einer Sammlung weniger bekannter Werke von Ralph Vaughan Williams. Sie blieb während der COVID-19-Pandemie aktiv und erschien 2021 auf der Chandos-Veröffentlichung The Harmonious Echo: Songs of Sir Arthur Sullivan sowie auf The Complete Songs of Fauré, Vol. 4 von Signum Classics. Im Jahr 2023 veröffentlichte sie das Solo-Rezital Befreit: A Soul Surrendered bei Chandos. Whately ist Mitbegründerin der Wohltätigkeitsorganisation SWAP’ra (Supporting Women and Parents in Opera).
Biografie von James Manheim

Ian Sullivan ist einer der profiliertesten Pauker seiner Generation. Als Solo-Pauker des Orchesters des New York City Ballet ist er auch im Kammerorchester des Verbier Festivals aktiv. Als gefragter Musiker hat er mit renommierten Ensembles wie der Metropolitan Opera, Yo-Yo Ma und dem Silk Road Ensemble, Alarm Will Sound, The Knights sowie dem Orchestra of St. Luke’s zusammengearbeitet. Er spielte auch am Tanglewood Music Center und wurde als Solo-Pauker von namhaften Orchestern wie dem New York Philharmonic, dem Detroit Symphony Orchestra, dem Seoul Philharmonic, dem Mostly Mozart Festival Orchestra sowie dem Malaysischen Philharmonischen Orchester in Kuala Lumpur eingeladen.

Man konnte ihn in den größten Konzertsälen hören, darunter die Carnegie Hall, das Lincoln Center, die David Geffen Hall (ehemals Avery Fisher Hall), die Alice Tully Hall oder die Seiji Ozawa Hall, im Rahmen zahlreicher Orchester- und Musikprojekte.

Seine Ausbildung führte ihn von der Interlochen Arts Academy an die Universität Michigan, wo er einen Bachelor of Music erwarb. Anschließend setzte er sein Studium an der Juilliard School fort und erlangte dort einen Master of Music. Zwischen 2012 und 2014 war er Mitglied des Ensemble ACJW, einem Exzellenzprogramm für junge Musiker, und arbeitet seitdem weiterhin mit der Carnegie Hall als pädagogischer Künstler und Berater zusammen.

Parallel zu seiner Musikerkarriere engagiert sich Ian Sullivan in der Vermittlung und Lehre. Er gab Meisterkurse an der Juilliard School, der NYU und SUNY Purchase und unterrichtet derzeit an den Musikfakultäten der Columbia University und der Rutgers University.

Geboren 1952 in Israel, lernte Gil in seiner Kindheit Klavier. 1963 begann er Gitarrenunterricht bei Menashe Bakish, einem der renommiertesten Meister der klassischen Gitarre in Israel, zu nehmen. 1974, nach dreijährigem Pflichtdienst in der Unterhaltungseinheit des Zentralkommandos der israelischen Verteidigungskräfte, heiratete Gil Neta Adan* und sie zogen gemeinsam in die Vereinigten Staaten, wo er am Berklee College in Boston und später am Queens College in New York studierte.

Nach seiner Rückkehr nach Israel im Jahr 1981 etablierte sich Gil als professioneller Session-Gitarrist sowie als Komponist und Arrangeur. Er nahm auf und spielte mit führenden Künstlern wie Shalom Chanoch (White Wedding), Gidi Gov (40:06), Chava Alberstein (Voices & Stardust) und Arik Einstein (Made in Israel). In den Jahren 1983 und 1984 unterrichtete er Jazz-Improvisation und Gitarre an der Musikakademie Jerusalem.

1985 war Gil Mitbegründer der Schule für Jazz und zeitgenössische Musik „Rimon“ in Ramat Hasharon, deren akademischer Leiter er war. Er entwickelte und verfasste zahlreiche Grundprogramme sowie fortgeschrittene Kurse. Gil war auch Mitbegründer des schuleigenen Programms „Computergestützte Musik“.

In den folgenden fünf Jahren nahm er an Jazzfestivals teil, präsentierte verschiedene Originalprojekte und arbeitete mit verschiedenen Künstlern zusammen, darunter Al Di Meola während seiner Europatourneen 88-89.

1990 begann Gil eine künstlerische Zusammenarbeit mit Achinoam Nini, alias Noa, wobei er sie begleitete, arrangierte, produzierte und mitschrieb. Ihre Partnerschaft dauert seit drei Jahrzehnten an, in denen sie international aufgetreten sind, kreiert und getourt haben.

Veniamine Borissovitch Smekhov, geboren am 10. August 1940 in Moskau, ist ein russischer Schauspieler, Regisseur, Schriftsteller, Dokumentarfilmer und Fernsehmoderator.

1957 wurde er in die Klasse von Wladimir Etusch am Boris-Schtschukin-Theaterinstitut aufgenommen. Nach seinem Abschluss im Jahr 1961 begann seine Karriere am Dramatheater Samara. Im folgenden Jahr wurde er in das Ensemble des Moskauer Dramen- und Komödientheaters aufgenommen, das 1964 unter der Leitung von Juri Ljubimow zum Taganka-Theater wurde. 1985, nachdem Ljubimow infolge eines 1984 der Times gegebenen Interviews die sowjetische Staatsbürgerschaft entzogen und er durch Anatoli Efros ersetzt worden war, verließ Smekhov dieses Theater und wechselte zum Sowremennik-Theater; 1987 kehrte er zurück.

Seine Filmkarriere begann 1968, doch die wahre Popularität erlangte er mit der Rolle des Athos in Georgi Jungwald-Chilkewitschs „D’Artagnan und die drei Musketiere“.

Als „Offenbarung“ (New York Times) mit „atemberaubender Virtuosität“ (The Observer) gefeiert, ist Ksenija Sidorova die führende Botschafterin des klassischen Akkordeons. Als einzigartige und charismatische Künstlerin ist Ksenija leidenschaftlich daran interessiert, die vielfältigen Möglichkeiten ihres Instruments zu demonstrieren. Ihr Repertoire reicht von Bach bis Piazzolla, von Efrem Podgaits und Václav Trojan bis Erkki-Sven Tüür und George Bizet, sowie eigens für sie komponierte neue Akkordeonkonzerte und eine Vielzahl von Kammermusikprojekten.

In der Saison 2020/21 wird Ksenija unter anderem mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen (Paavo Järvi), dem Orchestre National de Belgique (Aziz Shokhakimov), auf Tournee in Frankreich mit dem Orchestre National d’Île-de-France (Mihhail Gerts) und auf Europatournee mit dem Münchener Kammerorchester und MILOŠ auftreten, um Piazzollas hundertsten Geburtstag zu feiern. Sie wird ihre Zusammenarbeit mit Künstlerkollegen fortsetzen, auf Tournee mit Avi Avital für Auftritte in der Wigmore Hall und beim Bodensee Festival, und mit Camille Thomas für eine Aufführung im KKL Luzern. Ksenija wird außerdem ein Solorezital in der Carnegie Hall, in Princeton und in der Library of Congress in Washington geben.

Ksenija arbeitet mit großen Orchestern zusammen, darunter das NDR Elbphilharmonie Orchester, das Orchestre Philharmonique du Luxembourg, das MDR Sinfonieorchester [Leipzig], die Stuttgarter Philharmoniker, das Kammerorchester des Bayerischen Rundfunks, die Atlanta Symphony, das Tonhalle Orchester Zürich, das NHK Symphony Orchestra Tokyo und das Hong Kong Philharmonic Orchestra, unter der Leitung renommierter Dirigenten wie Paavo Järvi, Thomas Hengelbrock, Vasily Petrenko, Kristjan Järvi, Michał Nesterowicz und Jan Willem de Vriend.

Sie arbeitet regelmäßig mit Avi Avital, Nemanja Radulovic, Andreas Ottensamer, Miloš Karadaglić, Camille Thomas, Leticia Moreno, dem Goldmund Quartett, Tine Thing Helseth, dem brasilianischen DJ Gui Borratto, Juan Diego Flórez, Nicola Benedetti und Joseph Calleja zusammen. Ksenija tritt häufig bei den Festivals Ravinia, Cheltenham, Mostly Mozart, Schleswig-Holstein, Gstaad Menuhin, Verbier und Rheingau auf.

Ksenija wird ihr nächstes Album im Jahr 2021 veröffentlichen, das an ihre früheren Erfolge anknüpft: Classical Accordion (Champs Hill Records, 2011); Fairy Tales (Champs Hill Records, 2013), aufgenommen mit dem National Orchestra of Wales/Clark Rundel; und Carmen (Deutsche Grammophon, 2016) – eine Neuinterpretation der Partitur – aufgenommen mit der Gruppe Nuevo Mundo und dem Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra/Sascha Goetzel. Für Letzteres gewann Ksenija 2017 den ECHO-Preis als bester Instrumentalist des Jahres.

Von ihrer Großmutter ermutigt, Akkordeon zu spielen, und tief in der folkloristischen Akkordeonspieltradition verwurzelt, begann Ksenija im Alter von sechs Jahren unter der Leitung von Marija Gasele in ihrer Heimatstadt Riga, das Instrument zu spielen. Ihr Streben nach einer größeren Auseinandersetzung mit dem klassischen und zeitgenössischen Repertoire führte sie nach London, wo sie unter der Leitung von Owen Murray eine preisgekrönte Bachelor- und Masterstudentin an der Royal Academy of Music wurde.

Im Mai 2012 wurde sie die erste internationale Preisträgerin der Bryn Terfel Foundation, und im Oktober 2015 trat sie anlässlich der Feierlichkeiten zum 50. Geburtstag von Bryn Terfel zusammen mit Sting in der Royal Albert Hall auf. Sie ist Preisträgerin des Martin Music Scholarship des Philharmonia Orchestra und des Friends of the Philharmonia Award sowie der Silbermedaille der Worshipful Company of Musicians. Seit 2016 ist Ksenija Associate der Royal Academy of Music.

Seit seinem Umzug von Kanada nach Deutschland spielte Shawn mit zahlreichen professionellen Orchestern und Kammermusikensembles, verschiedenen zeitgenössischen Musik- und Jazzgruppen, während er gleichzeitig seine eigenen Musikprojekte leitete und dabei wertvolle musikalische Erfahrungen sammelte.

Bis vor kurzem war er Professor für Big Bands und Combos an der Hochschule für Musik Detmold in Deutschland. Auf ausgedehnten Reisen mit seiner Familie in den Jahren 2021/22 verspürte er den starken Wunsch, einen klaren Schritt zur Verwirklichung seiner eigenen künstlerischen Ziele zu unternehmen, im Gegensatz zu den Zielen anderer. Zu diesem Zeitpunkt gab er seine Lehrtätigkeit auf und begann, einen neuen Weg in der Improvisation und Experimentation einzuschlagen.

Er fühlte sich schon immer sehr wohl beim Spielen von Jazz und improvisierter Musik und bewunderte stets Musiker, die ihrer eigenen inneren Stimme folgten. Nun entscheidet er sich, seiner eigenen Intuition zu folgen und freut sich darauf, dabei neue musikalische Freunde und Musikfreunde kennenzulernen.

Shawn ist ein Conn-Selmer Künstler und spielt auf den Posaunen Vincent Bach 12 (1963 Mt. Vernon), Conn 88H und Conn 72H.

Magnus Lindgrens ständige Suche nach neuen musikalischen Ansätzen, gepaart mit einem außergewöhnlichen Talent, hat ihm einen herausragenden Platz in der schwedischen Musikszene eingebracht, die weltweit bewundert und respektiert wird.

Als Preisträger mehrerer Auszeichnungen wie Grammis, Swedish Radio Award für das schwedische Jazzalbum des Jahres, Orkesterjournal Gold Record usw. und zuletzt bei der 65. Verleihung der GRAMMY Awards ® im Februar 2023, gewann Magnus Lindgren zusammen mit John Beasly & The SWR Big Band den GRAMMY® für das beste Arrangement, Instrumental oder A cappella, für „Scrapple From The Apple“ aus dem Album Bird Lives.

Magnus Lindgrens Fähigkeit, sich am Tenorsaxophon, an der Klarinette oder an der Flöte auszudrücken, ist eines wahren Meisters würdig. Als Komponist verfügt er über ein immenses Potenzial, seine künstlerischen Inspirationen zu verwirklichen. Er umhüllt seine Darbietungen mit einer Melodie, die sich perfekt in das stilistische Umfeld einfügt, das ihm zu diesem Zeitpunkt zur Verfügung steht.

Doch am meisten glänzt Magnus Lindgren vielleicht in den Gefühlen, die er beim Arrangieren der Musik empfindet. Die Schönheit liegt darin, wie er Klangfarben, rhythmische Figuren und harmonische Sequenzen zusammenfügt.

Magnus Lindgren ist ständig bestrebt, seinen musikalischen Horizont zu erweitern, indem er verschiedene Kombinationen wie Jazz, Big Bands, Chöre mit Instrumentalsolisten, die Integration klassischer Orchester und Jazz-Ensembles, schwedische Folklore, Funk-Rhythmen, brasilianischen Samba und traditionelle afrikanische Musik erkundet. Unter Magnus Lindgrens aufmerksamem Ohr nehmen musikalische Strukturen und Genres stets neue Dimensionen an.

Die Einflüsse von Magnus Lindgren, die im Post-Bebop des modernen Jazz verwurzelt sind, stammen aus der ganzen Welt, was sich in seinen Kompositionen über mehrere Jahrzehnte hinweg widerspiegelt. Die meisten seiner Werke werden von der Band interpretiert, oft begleitet von Coverversionen des modernen Jazz. Die Band verbindet den Wunsch nach Groove mit lebendiger Energie, während sie eine minimalistische, aber dennoch fesselnde und spielerische Interaktion fördert.

„Improvisierte Musik ist eine Brücke zwischen Menschen. Dank der Musik können wir uns mit Menschen in einer universellen Sprache austauschen, in der Unterschiede verschwinden und wir alle zusammenfinden. Big Bands im Jazz sind vergleichbar mit Sinfonieorchestern in der klassischen Musik. Diese Tradition, große Ensembles und Improvisation zu verbinden, ist das, was ich an der Musik am inspirierendsten finde. Diese Inspiration hat mich dazu gebracht, mit Musikern aus anderen Bereichen zusammenzuarbeiten, die möglicherweise andere Vorlieben haben als ich.“ Magnus Lindgren.

Während er in sein 33. Jahr seiner beruflichen Laufbahn eintritt, engagiert sich Magnus Lindgren dafür, die internationale Szene weiter zu erkunden, mit dem Bestreben, Kooperationen zu vervielfachen und seine eigenen Grenzen zu erweitern.

Der Kontrabassist Brendan Kane ist in ganz Nordamerika, Südamerika, Europa, Asien, dem Nahen Osten und Australien aufgetreten. Im Frühjahr 2022 wurde Herr Kane vom Musikdirektor Lahav Shani zum Solokontrabassisten des Israel Philharmonic Orchestra ernannt. Zuvor war er neun Spielzeiten lang Mitglied des MET Orchestra unter der Leitung der Musikdirektoren James Levine und später Yannick Nézet-Séguin.

Brendan Kane war außerdem Solokontrabassist des Orquestra Filarmônica de Minas Gerais in Brasilien, stellvertretender Solokontrabassist des Vancouver Symphony Orchestra in Kanada und trat auf Einladung von Edo de Waart als Gast-Solokontrabassist mit dem Hong Kong Philharmonic Orchestra auf. Seit über zehn Jahren tourt er als Solokontrabassist des Verbier Festival Chamber Orchestra (VFCO) unter der Leitung von Musikdirektor Gábor Takács-Nagy weltweit, unter anderem im Rahmen jährlicher Residenzen beim Verbier Festival (Schweiz) und auf Schloss Elmau (Deutschland). Darüber hinaus wird Herr Kane regelmäßig von Maestro Iván Fischer eingeladen, mit dem Budapest Festival Orchestra zu spielen, und tritt jedes Jahr im Januar beim Musikfestival von St. Barth in der Karibik auf. Er ist auch mit dem Boston Symphony Orchestra, dem Chicago Symphony Orchestra, dem Detroit Symphony Orchestra, dem National Arts Centre Orchestra (Ottawa), dem New York Philharmonic, dem Orpheus Chamber Orchestra, dem Philharmonia Orchestra (London), dem Pittsburgh Symphony Orchestra, dem Royal Concertgebouw Orchestra, dem Rotterdam Philharmonic Orchestra und dem Saint Paul Chamber Orchestra aufgetreten.

Als Kammermusiker trat Herr Kane mit der Chamber Music Society of Lincoln Center, beim Verbier Festival, auf Schloss Elmau, auf Tournee mit den International Sejong Soloists auf und nahm an zahlreichen Festivals auf beiden Seiten des Atlantiks teil, an der Seite von Musikern wie Pinchas Zukerman, Maxim Vengerov, Leonidas Kavakos, Tabea Zimmermann, Misha Maisky, Sir András Schiff und vielen anderen. Er war Solokontrabassist des New York String Orchestra Seminar sowie Stipendiat des Tanglewood Music Center und der New World Symphony in Miami Beach, wo er auf Einladung von Michael Tilson Thomas mehrfach als Gastdozent zurückkehrte, um die aktuellen Stipendiaten zu unterrichten und mit ihnen zu spielen. Herr Kane war auch Bass-Coach für das Verbier Festival Junior Orchestra und ist es derzeit beim Pan Caucasian Youth Orchestra (PCYO) beim Tsinandali Festival in Georgien, in Zusammenarbeit mit Musikdirektor Gianandrea Noseda. Er wird häufig eingeladen, Masterclasses und Vorträge an Konservatorien und Universitäten in den Vereinigten Staaten, Europa, Brasilien und Israel zu halten. Zu den Lehrern von Herrn Kane gehören Tim Cobb, Don Palma, Brian Liddle, Leigh Mesh und Jim Orleans. Er ist Absolvent des New England Conservatory und der Juilliard School.

Das Time Magazine bezeichnete sie als „führende Diva Afrikas“ und zählte sie 2021 zu den 100 einflussreichsten Persönlichkeiten der Welt. Die BBC nahm sie in ihre Liste der 50 ikonischsten Persönlichkeiten des Kontinents auf, und 2011 listete The Guardian sie unter den 100 inspirierendsten Frauen der Welt. Das Forbes Magazine führte Angelique als erste Frau in seiner Liste der mächtigsten Persönlichkeiten Afrikas auf. Sie ist jüngste Preisträgerin des renommierten Crystal Award 2015, verliehen vom Weltwirtschaftsforum in Davos, Schweiz, des Amnesty International Ambassador of Conscience Award 2016, des Deutschen Nachhaltigkeitspreises 2018, des Vilcek Prize in Music 2023 und des Polar Music Prize 2023.

Als Künstlerin haben ihr ihre beeindruckende Stimme, ihre Bühnenpräsenz und ihre Beherrschung mehrerer Kulturen und Sprachen den Respekt ihrer Kollegen eingebracht und ihr Publikum über die Landesgrenzen hinaus erweitert. Kidjo verband die westafrikanischen Traditionen ihrer Kindheit in Benin mit Elementen des amerikanischen R&B, Funk und Jazz sowie Einflüssen aus Europa und Lateinamerika.