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Cantante d’opera e d’oratorio, incarna un’eredità che mescola le radici russe delle montagne degli Urali, a Mednogorsk, e la pianura dell’Ucraina, a Melitopol, città gemellata con Melito di Napoli, in Italia.
Ha studiato canto, pianoforte e fisarmonica. Il suo percorso artistico si è sviluppato principalmente in Europa, e più in particolare in Italia, paese di cui è diventata italiana di cuore.
Innamorata dell’Italia, ora vi risiede e vi promuove la musica lirica e la cultura in generale.
È vincitrice di numerosi concorsi, premi e riconoscimenti nazionali e internazionali:
Ekaterina Bakanova è ospite regolare dei più grandi teatri d’opera internazionali e collabora con i direttori d’orchestra più prestigiosi.
Ha stretto una proficua collaborazione con l’Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI e si è esibita più volte con i Maestri Fabio Luisi, Steven Mercurio e Juraj Valčuha, nonché con l’Ensemble Matheus sotto la direzione di Jean-Christophe Spinosi, e al fianco di Plácido Domingo, Myung-Whun Chung, Dan Ettinger, Daniele Rustioni, Nello Santi, Daniele Callegari.
Ha partecipato a produzioni di registi rinomati come Mario Martone, Franco Zeffirelli, Achim Freyer, Calixto Bieito, Robert Carsen, Henning Brockhaus, Richard Eyre, Hugo de Ana, Renaud Doucet, Andrea de Rosa.
Dopo il suo acclamato debutto alla Royal Opera House di Londra nel ruolo di Violetta Valéry, la critica ha elogiato la finezza della sua interpretazione. Da allora, è invitata sui palcoscenici più prestigiosi: Staatsoper di Dresda, Arena di Verona, Teatro Real di Madrid, Gran Teatre del Liceu di Barcellona, Royal Opera di Versailles, Israeli Opera a Tel Aviv, Opernhaus di Zurigo, NCPA di Pechino, e molti altri.
Johanna Vaude è un’artista multidisciplinare, il cui universo cinematografico e musicale si dispiega come una perpetua ricerca di poesia e innovazione. Le sue opere, spesso definite furiose, poetiche e intense, esplorano i confini mutevoli tra i generi, fondendo il visivo e il sonoro in un’alchimia narrativa unica.
Le sue prime proiezioni in istituzioni culturali e festival di cortometraggi hanno rapidamente attirato l’attenzione del pubblico e della critica, che hanno elogiato la sua audacia, la sua padronanza delle tecniche e la sua arte molto personale (focus sulla sua opera al MK2 Beaubourg, Côté Court de Pantin, Forum des images, Commune Image, Cinémathèque Française, Collège des Bernardins, Festival Silhouette, Cabaret Vert,…)
Il canale Arte dedica un ritratto dell’artista nella sua rivista Court-Circuit. Segue l’edizione del DVD monografico Hybride a cura dell’etichetta Lowave con il supporto del CNC. Questa nozione di ibridazione artistica – una teoria che definisce attraverso i concetti di “Innesto, fusione, ereditarietà”, riflessione sulla relazione tra arte e scienza, pubblicata dalla rivista scientifica Corps (leggi) e studio sugli usi plastici e tecnici dell’immagine, le è valsa una carta bianca per programmazioni d’avanguardia alla Cinémathèque Française (leggi).
Da diversi anni è ospite regolare della trasmissione Blow Up su Arte tv, che le lascia carta bianca per realizzare, sotto forma di montaggio e musica, video in omaggio alla Settima Arte. Tra questi, molti sono stati notati: interviste su France Culture, piattaforma mediatica alla Gaîté Lyrique, proiezione al Ministero delle Finanze e dell’Economia, riportato dal media Nowness come Super-Edit, articoli su Première, Konbini, Télé Star e Les Inrockuptibles (Innamorarsi di Scarlett Johansson in 5 minuti /// Cadavre Exquis).
Riceve il Prix Label Image dai Passeurs de Lumière alla SCAM, consacrandola come “Alchimista dell’immagine”.
Estratti di film di Johanna Vaude sono integrati in due installazioni concettualizzate dall’artista Dominique Gonzalez-Foerster: L’œil sauvage per TH.2058 alla Tate Modern di Londra, e Hypnotic per l’evento Evento a Bordeaux. Il suo video I’m more than a machine fa parte dell’esposizione Electro alla Philharmonie di Parigi, che prosegue al Design Museum di Londra e al Kunstpalast di Düsseldorf.
La piattaforma di streaming medici tv, specializzata in musica classica e jazz, le dà carta bianca per un video musicale in omaggio al mondo della musica e per ricordare l’importanza della cultura: “Art is a garanty of sanity”.
Télérama seleziona Samouraï sulla sua piattaforma, assegnandogli 3 TTT e poi 4 TTTT per esprimere il loro entusiasmo: “Un montaggio frenetico sull’arte del samurai ci trascina nella spirale poetica di un’artista furiosa.”
Altri media esprimono anche la loro esaltazione: Best video Essay 2022 su Sight and Sound per Conforme et Au Cinéma!, Best video Essay 2023 sul British Film Institute per Searching for Incognita e Mind Autopsy.
Sasha Rozhdestvensky è considerato uno dei più grandi violinisti russi contemporanei. Yehudi Menuhin lo ha definito “uno dei violinisti più talentuosi e raffinati della sua generazione”.
Si è esibito sui palcoscenici internazionali con prestigiose formazioni come la Bayerische Staatsorchester, la Boston Symphony Orchestra, la Chamber Orchestra of Europe, l’Orchestra Filarmonica d’Israele, l’Orchestra Filarmonica di Radio France, la London Symphony Orchestra, la Royal Philharmonic Orchestra, l’Orchestra del Teatro alla Scala, la Mariinsky Orchestra, le orchestre filarmoniche di Mosca e San Pietroburgo, la Tonhalle Orchester Zurich, la Sydney Symphony Orchestra, la Yomiuri Nippon Symphony Orchestra, tra gli altri.
Tra i direttori con cui ha collaborato figurano Vladimir Ashkenazy, Andrey Boreyko, Jean-Claude Casadesus, Valery Gergiev, Theodor Guschlbauer, Vernon Handley, Vladimir Jurowski, Valery Polyansky, Gennady Rozhdestvensky, Yuri Simonov, Giuseppe Sinopoli, Gerard Schwarz, Christopher Warren-Green…
Sasha ha registrato, tra l’altro, il Concerto Grosso n. 6 di Alfred Schnittke con la Royal Stockholm Philharmonic (Chandos). Ha creato quest’opera, scritta per lui e Viktoria Postnikova. Ha poi registrato il
Sasha Rozhdestvensky si è esibito in numerosi festival prestigiosi come i BBC Proms, Tanglewood, Schleswig-Holstein, Gstaad, Colmar, Ravinia, Florida, Lockenhaus, Montreux, Rheingau… Ha suonato in sale rinomate come la Carnegie Hall, la Royal Albert Hall, il Barbican e le Festival Halls di Londra, il Concertgebouw, la Philharmonie di Berlino, la Suntory Hall a Tokyo, la Salle Pleyel e il Théâtre du Châtelet a Parigi, il Mann Auditorium a Tel Aviv, o la Scala di Milano.
Ha condiviso il palco nella musica da camera con Marc Coppey, Gary Hoffman, Steven Isserlis, Josiane Marfurt, Jeremy Menuhin, Kun Woo Paik, Michel Portal, Viktoria Postnikova, Michael Rudy.
Il suo impegno a favore della musica contemporanea è caratterizzato dai suoi stretti legami con grandi compositori come Alfred Schnittke, Sofia Gubaidulina, Giya Kancheli, Arvo Pärt o Ian Venables.
Dedica anche tempo all’interpretazione della musica tradizionale latinoamericana, in particolare con il gruppo strumentale Ambar, i cui registrazioni includono El Diablo Suelto (Delos) e O voo da mosca (FHR). Recentemente, il gruppo ha creato un concerto per violino composto per Sasha da Francisco Gonzalez con l’Orchestra Nazionale della Colombia.
Sasha ha studiato alla Scuola Centrale di Musica di Mosca, al Conservatorio di Mosca, al Conservatorio di Parigi e al Royal College of Music di Londra.
Oggi è professore al Royal College of Music di Londra e all’Alta Scuola di Musica di Ginevra.
Annie Dutoit-Argerich è nata in Svizzera. Ha studiato latino e greco e ha conseguito una laurea in letteratura comparata presso l’Università di Princeton. Ha poi conseguito un master in giornalismo presso l’Università di New York e un dottorato in filologia francese e romanza presso la Columbia University. Mentre proseguiva la sua carriera accademica, Annie ha scoperto una passione per l’arte performativa e da allora lavora come attrice e recitatrice. Ha interpretato opere di Milhaud, Liszt, Stravinsky, Cage, Prokofiev, integrando testo, performance e musica in sale internazionali. Una registrazione del Carnevale degli Animali di Saint-Saëns su un testo di Francis Blanche, con Antonio Pappano e Martha Argerich, è stata pubblicata nel settembre 2017 da Warner Classics. Nel giugno 2019, ha interpretato il ruolo del narratore e del soldato in « Le avventure de L’Histoire du soldat » di Michel Van Zele sotto la direzione di Charles Dutoit. Si esibisce in francese, inglese e spagnolo. Annie Dutoit-Argerich è la conduttrice di una nuova serie prodotta da Arte ZDF e dalle produzioni BelAir intitolata « Concert privé ». Il primo episodio presenterà Daniel Barenboim.
Il pianista svizzero Lionel Monnet ha conseguito nel 2003 un diploma di virtuosismo con “Distinzione” nella classe di Christian Favre presso l’Alta Scuola di Musica di Losanna. Ha proseguito la sua formazione con il suo mentore Abdel Rahman El Bacha a Parigi. Ha anche lavorato con Manahem Pressler del “Beaux-Arts Trio di New York” e con il Trio Wanderer di Parigi.
Dal 1999 è il pianista del Trio Nota Bene, con il quale continua a esibirsi regolarmente sulla scena svizzera e internazionale.
Lionel Monnet ha vinto il 1° Premio del Concorso Internazionale di Musica di Rotterdam, ha ottenuto il 1° Premio all’unanimità della giuria al 28° Concorso per Trio Strumentale – Premio Géraldine Whittaker a Neuchâtel, si è distinto vincendo il Premio Philippe Chaignat, che ha riconosciuto la qualità della sua esibizione ai Sommets Musicaux di Gstaad, e si è aggiudicato il Premio del Pubblico all’edizione 2009 del Premio Zulawski-Ville de Chamonix.
Lionel Monnet si esibisce sulla scena internazionale, tra cui il Festival Internazionale di Sion, il Concertgebouw di Amsterdam, la Roque d’Anthéron, le Folles Journées di Nantes, il Festival di Lubiana, il Festival di Castres, lo Zermatt Music Festival, la Tonhalle di Zurigo, il Festival di Bodrum, il Festival di Lubiana, lo Zermatt Festival, il Jerusalem Music Center, il Museum di Tel Aviv, il Festival di Nizza e come solista con l’Orchestre de Chambre de Lausanne, con la KammerOrchester di Zurigo, con l’Orchestre des Concerts Européens.
Lionel Monnet si esibisce con artisti di fama mondiale come Tibor Varga, Renaud Capuçon, Svetlin Roussev, Fabio di Càsola, Malin Hartelius, Rachel Harnisch, Christoph Schiller, Shlomo Mintz, Nobuko Imai, Gérard Caussé, Pierre Amoyal, Ilya Gringolts, Blythe Teh Engström, Ophélie Gaillard, Svetlana Makarova, Quatuor Terpsycordes, Quatuor Sine Nomine, Edgar Moreau, Michel Dalberto, Brigitte Engerer, Fabio di Casola, Dany Bonvin o Shmuel Ashkenasi.
Lionel Monnet è sostenuto dalla fondazione Irène Dénéréaz, dal compositore Henri Dutilleux e dalla “Swiss Global Artistic Foundation”.
Dal 2011 è professore di pianoforte al Conservatorio cantonale di musica del Vallese. Nel luglio 2016 è stato nominato professore di pianoforte e musica da camera all’Accademia internazionale di Biarritz, Costa Basca.
Nel gennaio 2017 è stato invitato per un tour americano ai festival di New York, Filadelfia, Princeton… Nello stesso anno, è stato anche membro della giuria di pianoforte del Concorso “Musique Riviera” a Vevey.
È il pianista del “Quinteto del Fuego”, specializzato nella musica di Astor Piazzolla.
È fondatore e direttore artistico della sala da concerto e dello studio di registrazione “l’Espace Consonance” di Saxon in Svizzera.
Lionel Monnet è rappresentato dalle etichette discografiche svizzera “Claves” e americana “Naxos”.
Loris Mittaz trascorre l’infanzia nelle montagne vallesane, a Chermignon. All’età di 8 anni, scopre che una malattia gli farà perdere progressivamente la vista. La sua disabilità lo costringerà a rinunciare a molte delle sue attività preferite.
È allora che si appassiona alla musica e al pianoforte. Scopre un’affinità speciale con questo strumento, che diventa un mezzo per trascendere gli ostacoli, una fonte inesauribile di resilienza e creatività.
Il suo percorso, tanto quanto la sua musica, è un’ode alla perseveranza, un caloroso invito a incontrare il suo pubblico in un’esperienza autentica e toccante.
Con una formazione classica (EJMA), Loris si esibisce con diversi progetti da quando aveva 15 anni. Musicalmente curioso, i suoi progetti e le collaborazioni musicali sono vari, spaziando dal rap (Oxmo Puccino, Moodjo) alla musica elettronica (Feder, Marieposa), passando per il rock psichedelico (The Doors Revival) o ancora il pop (Mia Oud).
Parallelamente, esplora le possibilità della composizione e si lancia nel suo progetto musicale personale. Viene subito notato e fa i suoi primi passi da solista su palchi importanti (Crans-Montana Classics, Autumn Festival Montreux) già dal 2022.
Tra classica, jazz e musica contemporanea, la sua musica è un viaggio melodioso, profondo e colorato. Loris ci invita a intraprendere un viaggio con lui, con l’idea che ognuno possa chiudere gli occhi e immaginare il proprio film di ciò che ascolta.
Dopo essersi diplomato al Lipetsk College of Music, Alexander Naoumenko ha proseguito i suoi studi al Conservatorio Čajkovskij di Mosca sotto la guida del prolifico tenore georgiano Zurab Sotkilava. Ha continuato la sua formazione al Moscow Opera Studio e ha partecipato a masterclass con artisti celebri come Alfredo Kraus, Renata Scotto, Renato Capecchi, Ernst Haefliger, Nancy Evans e Aldo Baldin.
Attualmente, Alexander Naoumenko è vocal coach al prestigioso Royal Opera House di Londra, dove continua a trasmettere le sue vaste conoscenze ed esperienza alla nuova generazione di cantanti d’opera.
Alex Barck è un DJ, produttore e membro fondatore tedesco dell’influente collettivo Jazzanova. La sua ascesa alla notorietà internazionale è iniziata alla fine degli anni ’90, quando i Jazzanova sono diventati noti per la loro innovativa fusione di jazz, house e hip-hop. Come A&R per l’etichetta berlinese Sonar Kollektiv, ha contribuito a plasmare un catalogo di pop soul e musica dance all’avanguardia che continua a ispirare.
Barck ha iniziato la sua carriera di DJ a Berlino al Club Akbar Lounge e al leggendario Delicious Doughnuts, esibendosi poi nei migliori club di tutto il mondo—Yellow a Tokyo, Zouk a Singapore, Trouw ad Amsterdam e Plastic People a Londra. Ha condiviso il palco con pesi massimi come François K., Gilles Peterson e Carl Craig, guadagnandosi la reputazione di proporre set eclettici e sofisticati che attraversano generi e confini.
Un pioniere di tendenze tanto quanto un performer, Barck ha curato acclamate compilation come Secret Love e Computer Incarnations, e rimane attivo in progetti radiofonici tedeschi e di remix. Nel 2011, ha collaborato con il produttore Christian Prommer per formare i Prommer & Barck, girando l’Europa con il loro sound che mescola i generi.
Philip Sindy, originario di Berlino, si muove artisticamente e personalmente tra diversi mondi. Dopo aver conseguito diplomi in tromba jazz e musica contemporanea presso la Hochschule für Musik Hanns Eisler di Berlino e poi alla Royal Academy of Music di Londra, si è fatto un nome come solista e accompagnatore in vari stili, dal pop e jazz alla world music.
Il suo percorso artistico include concerti e tournée con artisti come Barbara Schöneberger, Helene Fischer, Marcus Wiebusch, Kettcar, Patrice, Megaloh, Culcha Candela, Alvaro Soler, la Harry Connick Jr. Big Band, Kelly Rowland, Shaggy, Sugar Hill Gang, Thomas D, Estelle, Roy Ayers, Aloe Blacc, Nneka (tra gli altri). Ha anche partecipato a registrazioni con Udo Lindenberg, Mousse T., Die Prinzen, Max Raabe, Max Herre, Joy Denalane e molti altri. Philip Sindy partecipa regolarmente anche a produzioni televisive e cinematografiche, sia dal vivo che in pre-produzione.
Oltre ai numerosi festival in Germania, le sue affinità con l’Afrobeat e il Ghana Highlife lo hanno portato in giro per il mondo — più di 50 paesi in 6 continenti. Tra i momenti salienti: Glastonbury (Regno Unito), Metamorphose (Tokyo), North Sea Jazz (Paesi Bassi), Creole Jazz (Capo Verde), Festival de Jazz de Montréal (Canada), Sakifo (La Réunion), Couleur Café (Bruxelles/Belgio), Rock en Seine (Parigi/Francia), Roskilde (Danimarca), così come diversi festival WOMAD (Regno Unito, Sicilia, Fuerteventura, Adelaide-Australia, Nuova Zelanda), senza dimenticare Brasile, Stati Uniti, Scandinavia, Tanzania, Israele, Dubai… e molti altri ancora.
Youn Sun Nah è annoverata tra le grandi voci del jazz contemporaneo, apprezzata per la sua capacità di spaziare tra dramma lirico, improvvisazione libera e sincerità disarmante. Nata a Seul, ha iniziato con il pianoforte e il gospel prima di trasferirsi a Parigi per studiare jazz e musica contemporanea. Il suo talento singolare si è affermato rapidamente, portando a numerosi premi e a un primo album nel 2001,