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Nikolai Lugansky è un pianista che unisce eleganza e grazia a una virtuosità potente, vera incarnazione della grande tradizione pianistica russa sulla scena internazionale. Maestro riconosciuto del repertorio russo e del romanticismo tardivo, Lugansky è particolarmente acclamato per le sue interpretazioni di Rachmaninov, Prokofiev, Chopin e Debussy. Vincitore di numerosi riconoscimenti per le sue registrazioni e la sua eccellenza artistica, collabora regolarmente con direttori d’orchestra del calibro di Kent Nagano, Yuri Temirkanov, Manfred Honeck, Gianandrea Noseda, Stanislav Kochanovsky, Vasily Petrenko e Lahav Shani. È inoltre ospite di orchestre internazionali di primo piano, tra cui i Berliner Philharmoniker, la London Symphony Orchestra, l’Orchestra Filarmonica dei Paesi Bassi, l’Orchestre Philharmonique de Radio France, l’Orchestra Filarmonica di Oslo, l’Orchestra Sinfonica della Radio Svedese e l’Orquestra Nacional de España.
Definito dalla rivista Gramophone come «l’interprete più innovativo e folgorante di tutti», Nikolai Lugansky è un pianista di straordinaria profondità e versatilità. È regolarmente invitato dai festival più prestigiosi della scena mondiale, come quelli di Aspen, Tanglewood, Ravinia e Verbier. Nella musica da camera, annovera tra i suoi partner Vadim Repin, Alexander Kniazev, Mischa Maisky e Leonidas Kavakos.
Nel 2023 ha celebrato il 150º anniversario della nascita di Rachmaninov interpretando cicli di programmi monografici al Théâtre des Champs-Élysées di Parigi e alla Wigmore Hall di Londra. Questa tournée lo ha portato anche in tutta Europa, in particolare alle Konzerthaus di Vienna e Berlino, al Bozar di Bruxelles, al Rudolfinum di Praga e al Royal Concertgebouw di Amsterdam.
«La maestria pianistica di Lugansky è eccezionale: nel corso degli anni, la sua sonorità si è ampliata e densificata, la sua tavolozza di timbri si è ulteriormente diversificata man mano che la sua statura di musicista si affermava. […] È al tempo stesso nel momento presente e nella proiezione di questo momento all’interno dell’opera globale che rende accessibile: sente tutto e ce lo fa sentire senza spiegazioni superflue, lasciando che la musica fiorisca senza interferenze.» (Bachtrack)
Tra i momenti salienti della stagione trascorsa figurano collaborazioni con orchestre di primo ordine, come la NHK Symphony Orchestra di Tokyo (sotto la direzione di Charles Dutoit), la Saint Louis Symphony Orchestra (Stéphane Denève), la NDR Radiophilharmonie di Hannover (Stanislav Kochanovsky), la Brussels Philharmonic (Kazushi Ono), l’Orchestre Philharmonique de Radio France (Tarmo Peltokoski), l’Orchestra del Konzerthaus di Berlino (Juraj Valčuha), la Philharmonia Orchestra di Londra (Santtu-Matias Rouvali) e l’Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo (Marin Alsop). Si è inoltre esibito in recital, tra gli altri, al Teatro alla Scala, al Théâtre des Champs-Élysées, alla Wiener Konzerthaus, alla Wigmore Hall, al Seoul Arts Center, alla Tonhalle di Zurigo, nonché all’Oxford Piano Festival e a Piano à Lyon.
Charlotte Gardner è critica musicale e giornalista. La si trova regolarmente in pubblicazioni musicali specializzate, tra cui
Nato a Chambéry nel 1976, Renaud Capuçon ha iniziato i suoi studi al Conservatorio nazionale superiore di musica di Parigi a 14 anni, dove ha vinto numerosi riconoscimenti durante i suoi cinque anni lì. Successivamente, si è trasferito a Berlino per studiare con Thomas Brandis e Isaac Stern e ha ricevuto il premio della Berliner Akademie der Künste. Nel 1997, è stato scelto da Claudio Abbado per diventare Konzertmeister della Gustav Mahler Jugendorchester, per tre estati, lavorando con direttori d’orchestra come Pierre Boulez, Seiji Ozawa, Franz Welser-Möst e Claudio Abbado.
Da allora, Renaud Capuçon si è affermato come solista di altissimo livello. Suona con le grandi orchestre: Berliner Philharmoniker, Boston Symphony Orchestra, Chamber Orchestra of Europe, Filarmonica della Scala, London Symphony Orchestra, New York Philharmonic, Wiener Philharmoniker, Orchestre de Paris, Orchestre National de France e Orchestre Philharmonique de Radio France. Collabora con numerosi direttori d’orchestra, tra cui Daniel Barenboim, Semyon Bychkov, Stéphane Denève, Ernő Dohnányi, Gustavo Dudamel, Christoph Eschenbach, Valery Gergiev, Bernard Haitink, Daniel Harding, Long Yu, Paavo Järvi, Andris Nelsons, Yannick Nézet-Séguin, François-Xavier Roth, Lahav Shani, Robin Ticciati, Jaap van Zweden.
Il suo impegno per la musica da camera lo ha portato a collaborare con Martha Argerich, Nicholas Angelich, Daniel Barenboim, Yuri Bashmet, Yefim Bronfman, Khatia Buniatishvili, Hélène Grimaud, Clemens Hagen, Maria João Pires, Daniil Trifonov, Yo-Yo Ma e Yuja Wang, nonché con suo fratello, il violoncellista Gautier Capuçon. Ha suonato in particolare ai festival di Berlino, Lucerna, Verbier, Aix-en-Provence, La Roque d’Anthéron, San Sebastián, Stresa, Salisburgo, Edimburgo e Tanglewood. Ha inoltre rappresentato la Francia in alcuni degli eventi internazionali più prestigiosi: si è esibito con Yo-Yo Ma sotto l’Arco di Trionfo per la commemorazione dell’Armistizio alla presenza di oltre 80 capi di Stato e ha suonato al vertice del G7 a Biarritz.
Renaud Capuçon è il direttore artistico di due festival: i Sommets musicaux de Gstaad, dal 2016, e il Festival di Pasqua di Aix-en-Provence, che ha fondato nel 2013. Dalla stagione 2021-2022, è il direttore artistico dell’Orchestre de Chambre de Lausanne con il quale ha registrato un disco con le opere di Arvo Pärt, uscito per Warner nel settembre 2021.
Renaud Capuçon ha costruito una vasta discografia e registra esclusivamente per Erato/Warner Classics. Le sue recenti pubblicazioni includono sonate di Bach con David Fray, trii di Dvořák e Čajkovskij con Lahav Shani e Kian Soltani dal vivo dal Festival d’Aix, i due concerti per violino di Bartók con la London Symphony Orchestra e François-Xavier Roth, un disco Brahms e Berg con i Wiener Philharmoniker e Daniel Harding e opere di musica da camera di Debussy. Il suo disco ‘Au cinéma’, contenente una selezione di colonne sonore, è uscito nell’ottobre 2018 e ha ricevuto un grande successo di critica. La sua ultima registrazione intitolata ‘Un violon à Paris’ uscirà nel novembre 2021 e riunirà un’ampia scelta di piccoli brani che ha registrato con il pianista Guillaume Bellom.
Nel 2017, Renaud Capuçon ha fondato un nuovo ensemble, i Lausanne Soloists, composto da studenti attuali ed ex studenti dell’Haute École de musique de Lausanne, dove è professore dal 2014. Suona il Guarneri del Gesù ‘Panette’ (1737) che apparteneva a Isaac Stern. È stato nominato cavaliere nell’ordine nazionale del Merito nel giugno 2011 e cavaliere della Légion d’honneur nel marzo 2016.
Con oltre 30 anni di carriera come solista, musicista da camera e direttore d’orchestra, Joshua Bell è uno dei violinisti più celebri della sua epoca. Nominato Direttore musicale dell’Academy of St Martin in the Fields nel 2011, è il primo successore di Sir Neville Marriner dalla sua fondazione nel 1958. Convinto del valore della musica come strumento diplomatico ed educativo, J. Bell è coinvolto in numerosi progetti didattici e performance artistiche e partecipa alla creazione di un gran numero di opere fino alla realizzazione delle sue cadenze. Questi molteplici impegni gli hanno valso i più prestigiosi riconoscimenti culturali e internazionali. Suona lo Stradivari Huberman del 1713.
Fondatrice e direttrice didattica de La Bulle d’Air — la musique qui se partage —, Martine Pernoud è musicoterapeuta, psicologa, flautista, cantante e manager aziendale. Da oltre 30 anni conduce laboratori di risveglio musicale e impartisce lezioni di flauto. Specialista degli strumenti Baschet, sviluppa, coordina e realizza progetti musicali per bambini e adulti con disabilità. In qualità di formatrice per adulti presso istituti per la prima infanzia, centri specializzati, istituti di istruzione superiore e organizzazioni di formazione continua in Svizzera e in Francia, tiene inoltre corsi di formazione annuali per il team de La Bulle d’Air.
Augustin Dumay ha iniziato la sua carriera nel 1980 grazie a Herbert von Karajan, che lo invitò a suonare come solista con la Filarmonica di Berlino. Da allora, si è esibito con orchestre di primo piano, sotto la direzione di celebri maestri come Seiji Ozawa, Charles Dutoit, Yuri Temirkanov e Kurt Masur, oltre che con i grandi direttori della nuova generazione. Augustin Dumay è anche molto attivo in tutto il mondo come direttore d’orchestra e, dal 2011, è il Direttore musicale dell’Orchestra Filarmonica del Kansai. Molto coinvolto con la giovane generazione, è Maestro in residenza presso la Chapelle Musicale Reine Elisabeth, dove insegna a giovani violinisti di altissimo livello. Le sue 50 registrazioni per EMI e Deutsche Grammophon hanno vinto numerosi premi internazionali. Il violinista francese suona un Guarnerius del Gesu del 1743, che era il violino di Leonid Kogan.
Ricercato come accompagnatore di canto e musicista da camera, Jonathan Ware si esibisce regolarmente nelle più grandi sale del mondo, con recenti apparizioni alla Wigmore Hall di Londra, alla Carnegie Hall di New York, al John F. Kennedy Center di Washington, all’Elbphilharmonie di Amburgo, alla Philharmonie del Lussemburgo, a L’Auditori di Barcellona, al Concertgebouw di Amsterdam, al Théâtre des Champs-Élysées di Parigi e alla Pierre Boulez Saal di Berlino.
Ware apre la stagione 2021/22 con una serie di date nel Regno Unito al fianco del violinista Randall Goosby, del violista Timothy Ridout e del violoncellista Maciej Kułakowski, esibendosi alla St David’s Hall di Cardiff, alla St George’s Hall di Bristol, alla Town Hall di Leeds e alla Wigmore Hall. Successivamente si esibisce in Europa, in particolare alla Kölner Philharmonie con il controtenore Bejun Mehta, allo Staatsoper unter den Linden e al Lied Festival Würzburg. Concepito con la soprano Golda Schultz, il duo di lunga data presenta il suo nuovo programma di compositrici in Europa e Nord America, in particolare a Filadelfia, San Francisco, Londra, Edimburgo, Berlino, Colonia e Aix-en-Provence. Intitolato “This Be Her Verse”, questo programma è stato registrato per un’uscita in CD su Alpha Classics nel 2022.
Artiste multimédia, né à Athènes en 1967, Marc Philippin a d’abord exercé le métier de comédien avant de se consacrer entièrement à sa passion pour les arts. Il entre aux Arts Décoratifs puis à l’École Supérieure d’Art Visuel de Genève, où il obtient son diplôme en 1992. Il s’engage ensuite dans une carrière de peintre. En 2006 il fonde le Kitchen-Project avec sa compagne Soômi Dean, un duo d’artistes multimédias qui utilisent la vidéo comme moyen d’expression scénique.
Ils développent un instrument visuel à quatre mains, qui propose une nouvelle forme de cinéma à la fois expérimentale et accessible à un large public. Aujourd’hui, Marc Philippin continue en solo ce projet artistique et a ouvert en 2013 KP, un espace virtuel d’art contemporain visible sur le web. Il propose actuellement des stages pour les enfants à l’institut Jaques-Dalcroze et participe au UNLTD du Verbier Festival en créant des ateliers d’art et d’animation proposés au jeune public.
Tim Carroll ha iniziato la sua carriera con l’English Shakespeare Company, un ambiente a cui è rimasto fedele, avendo diretto numerose produzioni come Direttore associato dello Shakespeare’s Globe. Le sue regie d’opera e di teatro sono state premiate più volte ai Tony, vincendo inoltre il Drama Desk Award e il Critics’ Circle Award come miglior regista. Attualmente Direttore artistico dello Shaw Festival in Canada, il britannico ha ricoperto la stessa funzione al Kent Opera dal 1997 al 2004. Insegna teatro e regia in Gran Bretagna e in tutto il mondo.
Comme Pablo Casals avant elle, Khatia Buniatishvili place l’être humain au centre de son art. Les valeurs fondamentales transmises par les Lumières ne sont pas sujettes à discussion. S’il y avait un incendie et qu’il faille choisir entre un enfant et un tableau, elle n’hésiterait pas une seconde. Pourtant, une fois l’enfant sauvé des flammes, elle l’emmènerait au Musée des Beaux-Arts pour qu’il devienne peintre. Pas besoin de sauver “le feu” (comme Cocteau répondit) car il brûle déjà dans ses yeux, fait rage dans ses doigts et réchauffe son cœur.
Khatia, née à Batoumi, en Géorgie, sur la mer Noire, le jour le plus long de l’année 1987, connaît le prix de la liberté et de l’indépendance, et comprend l’énergie nécessaire pour tenir droit dans la vie. L’exemple de ses parents n’a pas échappé à son regard. Durant la période chaotique que traversait son pays, les parents de Khatia ont dû faire preuve de grande ingéniosité pour repousser la pauvreté. Sa mère, qui lui a fait découvrir la musique, cousait de magnifiques robes pour ses deux filles à partir de morceaux de tissus qu’elle récupérait ici et là. Les sœurs ont vu sous leurs yeux un modèle de créativité pour sourire face à l’adversité.
Cependant, le piano n’a jamais posé de problème à Khatia. Elle a été bénie d’une capacité impressionnante, donnant son premier concert à l’âge de six ans. Par amusement, sa mère laissait chaque jour une nouvelle partition musicale sur son piano et, affamée, Khatia, avec ses longs bras ressemblant à des tentacules, les dévorait. N’ayant jamais eu à lutter avec son instrument, elle a toujours considéré les pianos du monde entier comme des amis d’où elle doit tirer le meilleur, en respectant les particularités de leur caractère et en goûtant aux charmes de leur personnalité ; tout en ne cherchant jamais à les changer ou à en faire ses martyrs. Sa sœur Gvantsa est aussi une excellente pianiste. Ensemble, elles forment un duo parfaitement complémentaire, l’une ayant les pieds sur terre, l’autre étant supersonique.
La grande carrière de Khatia s’est déroulée assez naturellement, sans lutte. Le soleil n’a pas besoin de déplacer des montagnes pour exister, car il se lève et brille pour tous. Et ces mots viennent à l’esprit lorsqu’on la voit surgir sur scène ou dans la vie : ses cheveux flottants, sa silhouette fine, tout à fait parisienne, ses lèvres souriantes, ses pas légers comme une sylphide et son corps de félin. Mais la rose montrera ses épines si elle sent ce qu’elle chérit menacé. Elle ne renoncera pas à un projet humanitaire. Elle ne sera pas empêchée d’aider le pays où elle est née et a grandi. Elle ne sera pas forcée à jouer dans un pays qui dénigre ses valeurs. Elle n’acceptera pas des partenaires de jeu imposés qui n’inspirent ni respect humain ni grande admiration artistique en égale mesure. D’ailleurs, rien ne peut être imposé à cette jeune dame de l’air dont les battements d’ailes pollinisent les œuvres et qui répand une nuée musicale de poudre d’or aux quatre vents.
Franz Liszt est l’un de ses héros. C’est avec lui qu’elle voulait s’aventurer en premier dans le monde de la discographie. Liszt repousse sans cesse les limites du possible. Il innove et est généreux, réunissant les styles populaires et académiques, le profane et le sacré, la nature et la poésie – il transcende tout ce qu’il touche.
Khatia Buniatishvili évite la représentation et l’auto-intellectualisation. Elle pourrait tout à fait adopter la devise de son amie Martha Agerich, “Vivre et laisser vivre” – elle aussi est Gémeaux. Elle aime la complexité des choses, pas la complication ; les paradoxes, pas les oppositions rigides qui s’avèrent souvent stériles. Elle est à l’aise dans la création et moins intéressée par la réaction. Stimuler par le dialogue entre les arts, elle respire l’oxygène de l’imagination et trouve l’équilibre dans la réflexion.
Au fond, elle reste cette enfant fascinée par la vie et par les êtres qui lisait déjà Dostoïevski et Tchekhov à l’âge de neuf ans, et pour qui il était déjà tout à fait clair que la beauté sauverait le monde. Sans distinction : ce qui est juste sonnera juste et marquera son empreinte.
C’est de cette manière qu’elle aborde tous les styles, du baroque au moderne, dans son CD Motherland, pour démontrer que la vraie musique n’a pas besoin de barrières et que tous les styles s’effacent dans le seul vrai style universel et révélateur qui peut se résumer en ces mots de Mozart : “L’amour, l’amour, l’amour, c’est là que réside l’âme du génie.”
Khatia Buniatishvili, brillante pianiste au sommet de ses capacités, est arrivée dans ce monde dans une pluie de lumière lors du solstice d’été. Sur le plan humain, elle est davantage attirée par les équinoxes, séduite par la justice et cherchant le jour et la nuit en parts égales. En levant les yeux vers le ciel, on pourrait la voir jouer à cache-cache avec Vénus ou Mercure. Le cosmos est son jardin et c’est dans son mouvement qu’elle se sent vivante, juchée sur une comète.